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Il nuovo romanzo dell’autrice più letta del momento trasforma il lettore nel protagonista della storia. Ventidue possibili finali, decisioni irreversibili e una cena che promette di cambiare il destino di chi accetta l’invito.

Un lavoro che unisce il ritmo serrato del thriller psicologico alla struttura narrativa dei romanzi a bivi. Freida McFadden rinnova la suspense coinvolgendo direttamente il lettore, chiamato a decidere ogni mossa in un racconto dove anche la scelta più banale può avere conseguenze imprevedibili.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Freida McFadden continua a sorprendere il pubblico internazionale con una formula narrativa capace di reinventarsi senza tradire gli elementi che ne hanno decretato il successo. Dopo aver conquistato milioni di lettori con La domestica e gli altri thriller che l’hanno resa una delle autrici più vendute al mondo, torna in libreria con The Dinner Party, pubblicato in Italia da Newton Compton il 7 luglio 2026. Il romanzo introduce una novità destinata a incuriosire anche i lettori più esperti: non esiste un solo finale, ma ventidue possibili sviluppi, determinati dalle decisioni prese durante la lettura.

L’idea narrativa è semplice solo in apparenza. La protagonista attraversa un periodo difficile: è senza denaro, non riesce più a pagare l’affitto e rischia lo sfratto. L’offerta di lavoro arrivata da un’amica sembra l’occasione perfetta per ricominciare. Si tratta di servire come cameriera durante una cena organizzata in una villa isolata sulle alture di Peyton’s Peak. Il compenso è insolitamente elevato, tanto da coprire due mesi di affitto e consentirle di rimettere ordine nella propria vita. Proprio questa generosità, però, alimenta il sospetto che dietro l’apparente fortuna si nasconda qualcosa di molto più inquietante.

Da quel momento il lettore smette di essere un semplice osservatore e diventa parte integrante della storia. Accettare o rifiutare l’incarico, offrire un passaggio a uno sconosciuto incontrato lungo la strada, scegliere quale direzione prendere a un bivio: ogni decisione modifica il corso degli eventi. È un meccanismo che richiama i classici libri-game, ma viene applicato a un thriller psicologico costruito secondo le regole della suspense contemporanea, dove il dubbio e la tensione prevalgono sull’azione spettacolare.

L’ambientazione contribuisce in modo decisivo alla costruzione dell’atmosfera. La villa isolata, il numero ristretto dei partecipanti, il progressivo emergere di segreti e menzogne trasformano una cena elegante in una trappola dalla quale sembra impossibile uscire indenni. Ogni portata porta con sé una nuova rivelazione, mentre gli ospiti mostrano lentamente un volto diverso da quello presentato all’inizio della serata. La sensazione di claustrofobia cresce pagina dopo pagina, alimentata dall’unità di luogo e dall’impossibilità di capire di chi ci si possa davvero fidare.

McFadden conferma le caratteristiche che hanno costruito il suo stile. I capitoli sono brevi, il ritmo è serrato e i continui ribaltamenti di prospettiva spingono il lettore a mettere costantemente in discussione ciò che crede di aver compreso. Vittime e colpevoli cambiano posizione con sorprendente rapidità, mentre i colpi di scena si susseguono fino agli ultimi passaggi del racconto. È una tecnica che l’autrice, medico specializzato in neurologia oltre che scrittrice, padroneggia con particolare efficacia, sfruttando i meccanismi della percezione e della memoria per orientare e disorientare il pubblico.

La struttura interattiva rappresenta l’elemento più originale dell’opera. Sebbene la narrativa a bivi abbia una lunga tradizione, soprattutto nella letteratura per ragazzi e nei giochi di ruolo, negli ultimi anni è tornata a suscitare interesse anche presso il pubblico adulto grazie alla diffusione di esperienze narrative immersive, sia editoriali sia audiovisive. The Dinner Party adotta questo modello senza rinunciare alla solidità del thriller psicologico, dimostrando come il coinvolgimento diretto possa amplificare la tensione invece di disperderla.

Il risultato è una lettura veloce ma ricca di possibilità, pensata per essere affrontata più volte. Ogni percorso conduce a conseguenze differenti, trasformando il romanzo in un esperimento narrativo nel quale curiosità e suspense si alimentano reciprocamente. Per gli appassionati delle storie costruite su segreti, manipolazioni e colpi di scena, il nuovo lavoro di Freida McFadden offre un’esperienza insolita: non basta voltare pagina, bisogna anche decidere quale strada imboccare. E, come suggerisce il titolo, la domanda decisiva resta sempre la stessa: quale sarà davvero la tua ultima portata?

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Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Dopo il successo di La persona peggiore del mondo, il regista norvegese firma un’opera intensa che intreccia cinema, rapporti familiari e identità. Un dramma raffinato, premiato a Cannes, che affida ai silenzi e agli affetti irrisolti la propria forza narrativa.

Un padre regista, due figlie segnate dall’abbandono e una casa che conserva il peso dei ricordi. Con Sentimental Value Joachim Trier costruisce un film sulla difficoltà di riconciliarsi con il passato, trasformando la memoria familiare in materia cinematografica.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Joachim Trier continua a esplorare il territorio più fragile dell’esperienza umana: quello delle relazioni familiari, dei ricordi che resistono al tempo e delle parole rimaste sospese. Con Sentimental Value (Affeksjonsverdi), presentato in concorso al Festival di Cannes 2025 e insignito del Grand Prix della Giuria, il regista norvegese realizza uno dei lavori più maturi della sua filmografia, confermando la capacità di coniugare introspezione psicologica, eleganza formale e intensità emotiva.

La vicenda prende avvio dopo la morte della madre di Nora e Agnes, due sorelle costrette a ritrovarsi proprio mentre nella loro vita riappare Gustav Borg, celebre regista che anni prima aveva abbandonato la famiglia trasferendosi dalla Norvegia alla natia Svezia. Il funerale diventa così l’occasione per un confronto rimasto troppo a lungo irrisolto. Gustav propone alla figlia maggiore, attrice teatrale di talento ma segnata da profonde fragilità, di interpretare il ruolo principale del suo nuovo film autobiografico, ambientato proprio nella casa in cui entrambe sono cresciute. Nora rifiuta l’offerta e il padre affida la parte a una giovane attrice americana, interpretata da Elle Fanning. Una decisione destinata a riaprire vecchie ferite e ad alimentare tensioni mai davvero sopite.

Il film costruisce il proprio racconto attorno a una domanda semplice e universale: è possibile ricostruire un rapporto quando il tempo ha sedimentato incomprensioni, assenze e rancori? Trier evita ogni risposta consolatoria e preferisce seguire i suoi personaggi nel lento percorso che conduce dalla diffidenza al tentativo di ascolto reciproco. Il cinema, in questo caso, non è soltanto il contesto professionale del protagonista, ma diventa il linguaggio attraverso cui padre e figlia cercano di esprimere sentimenti che nella vita quotidiana non riescono a trovare voce.

Renate Reinsve, premiata a Cannes nel 2021 proprio con La persona peggiore del mondo, offre un’interpretazione di grande intensità, restituendo una Nora vulnerabile, ostinata e incapace di liberarsi completamente dall’infanzia. Accanto a lei, Stellan Skarsgård costruisce un Gustav complesso, autorevole e insieme profondamente umano, lontano dalla figura del padre semplicemente colpevole. Inga Ibsdotter Lilleaas interpreta Agnes con misura, trasformandola nel punto di equilibrio emotivo della famiglia, mentre Elle Fanning dà vita a un personaggio che supera rapidamente lo stereotipo della giovane diva hollywoodiana, diventando parte integrante del delicato gioco di specchi costruito dalla sceneggiatura.

La casa di famiglia assume un ruolo centrale nella narrazione. Non è soltanto un luogo fisico, ma un archivio di ricordi, conflitti e identità. Pareti, stanze e oggetti custodiscono tracce di ciò che è stato, ricordando come gli spazi domestici possano conservare una memoria emotiva capace di influenzare il presente. Trier traduce questa idea attraverso una regia essenziale, fatta di movimenti fluidi, luce naturale e una composizione dell’immagine che privilegia la profondità dei rapporti rispetto all’effetto spettacolare.

Autore tra i più significativi del cinema europeo contemporaneo, Joachim Trier – nato a Copenaghen nel 1974 e cresciuto a Oslo – ha costruito una filmografia coerente, da Reprise a Oslo, 31. august, fino alla consacrazione internazionale con La persona peggiore del mondo. In tutte le sue opere emerge l’interesse per la memoria, l’identità e le relazioni affettive, affrontati con uno stile che combina rigore nordico e sensibilità narrativa. Sentimental Value rappresenta una naturale evoluzione di questo percorso, approfondendo il rapporto tra esperienza personale e creazione artistica.

Il riconoscimento ottenuto a Cannes conferma il valore di un film che riflette sul significato stesso dell’eredità affettiva. Il “valore sentimentale” evocato dal titolo non coincide con quello economico degli oggetti, ma con il peso invisibile delle esperienze condivise, delle assenze e delle riconciliazioni possibili. Trier firma così un’opera di rara finezza, capace di raccontare il dolore senza enfasi e la speranza senza retorica, ricordando che il dialogo, anche quando arriva troppo tardi, resta l’unica strada attraverso cui il passato può finalmente trovare una forma di pace.

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A pochi chilometri dal centro del capoluogo siciliano si apre una baia che da oltre un secolo rappresenta il luogo del tempo libero dei palermitani. Sabbia chiarissima, mare trasparente e un patrimonio architettonico che racconta la Belle Époque rendono Mondello una meta imprescindibile.

Affacciata tra Monte Pellegrino e Monte Gallo, Mondello è molto più di una spiaggia. La sua storia attraversa secoli di trasformazioni urbane e ambientali, mentre il suo paesaggio continua a essere uno dei simboli più riconoscibili della costa siciliana.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Bastano pochi minuti di strada dal centro di Palermo per ritrovarsi davanti a uno degli scenari più iconici della Sicilia. Mondello appare come una lunga mezzaluna di sabbia bianca e finissima lambita da acque che sfumano dal verde smeraldo al turchese, racchiusa tra due promontori che ne proteggono la baia: Monte Pellegrino a est e Monte Gallo a ovest. È la spiaggia dei palermitani per eccellenza, ma anche una delle destinazioni più amate dai visitatori che desiderano alternare il patrimonio monumentale della città al fascino del Mediterraneo.

L’immagine odierna di Mondello è il risultato di una straordinaria trasformazione. Fino alla fine dell’Ottocento quest’area era una zona paludosa e malsana, conosciuta già in epoca araba come Marsa al-Tin, il “porto del fango”. La grande opera di bonifica avviata tra XIX e XX secolo cambiò radicalmente il destino del borgo marinaro, aprendo la strada alla nascita di una delle più eleganti località balneari del Mediterraneo. Fu allora che la borghesia palermitana scelse Mondello come luogo di villeggiatura, contribuendo allo sviluppo di un quartiere impreziosito da ville Liberty e da una raffinata pianificazione urbana.

Il simbolo assoluto della località resta l’Antico Stabilimento Balneare, straordinaria costruzione in stile Art Nouveau progettata nel 1910 dall’architetto Rodolfo Stualker e inaugurata nel 1913. Realizzato su palafitte direttamente sul mare, sembra quasi galleggiare sulle acque del golfo. Decorazioni floreali, eleganti saloni e un’imponente struttura in legno e cemento armato ne fecero uno dei luoghi mondani più prestigiosi dell’Europa del primo Novecento. Ancora oggi rappresenta una delle immagini più celebri di Palermo e testimonia l’età d’oro della Belle Époque siciliana.

Passeggiando lungo viale Regina Elena e nelle strade vicine si incontrano numerosi villini Liberty, molti dei quali progettati da Ernesto Basile, protagonista del modernismo palermitano. Questo patrimonio architettonico dialoga con il paesaggio naturale, creando un equilibrio raro tra eleganza urbana e bellezza costiera. Mondello conserva inoltre il nucleo originario del suo antico borgo di pescatori, riconoscibile nel piccolo porto e nella torre di avvistamento quattrocentesca, memoria della storica tonnara che per secoli ha caratterizzato l’economia locale.

La spiaggia si estende per circa un chilometro e mezzo e alterna stabilimenti balneari attrezzati a tratti di arenile libero. I fondali bassi e sabbiosi la rendono particolarmente adatta alle famiglie, mentre le condizioni di vento che spesso interessano il golfo richiamano appassionati di windsurf, vela e altri sport acquatici. Sul lungomare e tra le vie del borgo non mancano chioschi, gelaterie, ristoranti e locali dove assaporare il meglio della gastronomia palermitana: dalle panelle alle crocchè, fino al pesce freschissimo servito nelle trattorie affacciate sul mare.

L’esperienza di Mondello non si esaurisce però sulla spiaggia. Monte Pellegrino, definito da Goethe “il promontorio più bello del mondo”, domina l’intero golfo con le sue pareti calcaree e custodisce il Santuario di Santa Rosalia, patrona di Palermo. Sul versante opposto si estende invece la Riserva Naturale Orientata di Capo Gallo, habitat di grande interesse naturalistico dove sentieri panoramici, grotte e fondali marini protetti offrono uno dei paesaggi più suggestivi della costa siciliana. Tra Capo Gallo e Isola delle Femmine si sviluppa inoltre un’area marina protetta particolarmente apprezzata dagli appassionati di immersioni e snorkeling.

Raggiungere Mondello è semplice anche senza automobile. Dal centro di Palermo diverse linee di autobus collegano quotidianamente la spiaggia alla città, mentre chi preferisce muoversi in bicicletta può attraversare il Parco della Favorita, grande polmone verde voluto alla fine del Settecento da Ferdinando III di Borbone. Nei mesi di luglio e agosto il litorale registra il massimo afflusso di visitatori; chi desidera apprezzarne la bellezza con maggiore tranquillità trova nella tarda primavera e nel mese di settembre il momento ideale per vivere questa baia in tutta la sua autenticità.

Mondello continua così a rappresentare una delle immagini più luminose di Palermo: un luogo dove il mare incontra la storia, l’architettura dialoga con la natura e la tradizione marinara convive con una vocazione turistica costruita nel corso di oltre un secolo. Una tappa che non è soltanto balneare, ma culturale, capace di raccontare l’identità di una città attraverso il suo paesaggio più celebre.

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Presentato nel 1906 alla mostra viennese Der gedeckte Tisch, il servizio progettato da Josef Hoffmann segna il passaggio dalla decorazione ottocentesca alla modernità. Oggi Alessi ne ripropone uno dei capolavori assoluti del design europeo.

Un cucchiaio, una forchetta, un coltello possono raccontare una rivoluzione estetica. Il servizio Rundes Modell rappresenta uno dei momenti decisivi nella nascita del design moderno, quando la funzione diventa il principio guida della forma e la tavola entra a pieno titolo nella cultura del progetto.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel 1906, a Vienna, un servizio di posate contribuì a cambiare il modo di concepire gli oggetti della vita quotidiana. Si chiamava Rundes Modell ed era stato progettato da Josef Hoffmann, architetto, designer e tra i fondatori della Wiener Werkstätte. Presentato alla mostra Der gedeckte Tisch (“La tavola apparecchiata”), il servizio rompeva con la tradizione dei sontuosi servizi ottocenteschi, ricchi di decorazioni e motivi ornamentali, proponendo invece una sobrietà formale destinata a influenzare tutto il design del Novecento.

L’innovazione non risiedeva soltanto nell’aspetto estetico, ma nella concezione stessa dell’oggetto. Hoffmann eliminò ogni elemento superfluo, affidando la qualità del progetto alla precisione delle proporzioni. Le impugnature, lunghe e leggermente svasate verso l’estremità, conferiscono alle posate un’eleganza discreta e un equilibrio visivo ancora oggi sorprendente. Il cucchiaio, con la caratteristica coppa schiacciata e originariamente orientata trasversalmente rispetto al manico, rappresentava una scelta radicale per l’epoca, tanto da suscitare inizialmente qualche perplessità. L’utilizzo quotidiano dimostrò però l’efficacia ergonomica di quella soluzione, destinata a diventare una delle firme progettuali del servizio.

Le Rundes Modell nacquero nell’ambiente creativo della Wiener Werkstätte, i laboratori fondati nel 1903 da Hoffmann e Koloman Moser con il sostegno dell’industriale Fritz Waerndorfer. L’obiettivo era superare la distinzione tra arti maggiori e arti applicate, progettando ogni elemento dell’abitare secondo il principio dell’opera d’arte totale (Gesamtkunstwerk). Architettura, arredi, tessuti, vetri, gioielli e oggetti per la tavola dovevano dialogare tra loro attraverso un linguaggio coerente, capace di coniugare qualità artigianale e innovazione estetica.

Il servizio venne realizzato originariamente in argento e trovò una delle sue prime applicazioni nel celebre Cabaret Fledermaus, inaugurato proprio nel 1907 a Vienna e progettato da Hoffmann come uno degli ambienti simbolo della nuova cultura viennese. Qui ogni dettaglio, dagli interni alle stoviglie, contribuiva a costruire un’esperienza estetica unitaria, perfettamente coerente con gli ideali della Secessione viennese.

Josef Hoffmann, nato nel 1870 in Moravia e formatosi all’Accademia di Belle Arti di Vienna sotto Otto Wagner, è considerato uno dei protagonisti assoluti del design europeo del primo Novecento. Tra le sue opere più celebri figurano il Palazzo Stoclet di Bruxelles, oggi Patrimonio Mondiale UNESCO, e numerosi progetti di arredo che anticipano il razionalismo e il design moderno. Nella sua ricerca il decoro non viene abolito, ma disciplinato entro rigorose geometrie, dove la bellezza nasce dalla relazione tra forma, funzione e materiali.

Nel 2000 Alessi ha riportato questo capolavoro alla produzione industriale, trasformando un oggetto nato per una raffinata lavorazione artigianale in un servizio destinato all’uso contemporaneo. L’azienda di Omegna ha sviluppato la riedizione in acciaio inossidabile 18/10 lucidato a specchio, lavorando in collaborazione con il MAK – Museum für angewandte Kunst di Vienna per garantire il massimo rispetto del progetto originale. Per facilitare l’utilizzo moderno è stata inoltre affiancata alla versione storica del cucchiaio una variante con coppa orientata secondo gli standard oggi più diffusi, mantenendo però inalterato il linguaggio formale concepito da Hoffmann.

A oltre cent’anni dalla loro nascita, le Rundes Modell conservano una straordinaria attualità. Molti servizi di posate minimalisti progettati nella seconda metà del Novecento e nei primi decenni del XXI secolo devono qualcosa alla chiarezza compositiva introdotta da Hoffmann. Il loro successo dimostra come un progetto autenticamente innovativo riesca a superare il tempo e le mode, trasformandosi in un classico.

Il valore di queste posate va quindi oltre la loro funzione pratica. Esse rappresentano uno dei momenti fondativi della cultura del design contemporaneo, quando un semplice oggetto domestico diventò il luogo d’incontro tra arte, architettura e industria. È questa capacità di sintetizzare eleganza, funzionalità e rigore progettuale a rendere il Rundes Modell uno dei capolavori più significativi della storia del design europeo.

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Tra le ricette più rappresentative della cucina contadina dell’Italia meridionale, le lagane e ceci conservano una memoria che affonda nell’antichità classica. Un piatto essenziale, nato da pochi ingredienti, ma capace di raccontare storia, territorio e cultura alimentare.

Le lagane e ceci non sono soltanto una specialità regionale. Sono una testimonianza vivente della continuità della tradizione gastronomica mediterranea, dalle tavole dell’antica Roma fino alle cucine di Basilicata, Campania, Calabria e Puglia.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Fra le preparazioni che meglio raccontano la civiltà contadina del Mezzogiorno, poche possiedono il fascino storico delle lagane e ceci. Apparentemente semplici, custodiscono oltre duemila anni di tradizione gastronomica e rappresentano uno dei rari casi in cui un piatto può essere seguito quasi senza interruzioni dall’età romana fino ai giorni nostri. Ancora oggi Basilicata, Cilento, Calabria e Puglia ne rivendicano la paternità, interpretandolo con leggere varianti locali ma conservandone l’identità originaria.

L’elemento distintivo della ricetta è rappresentato dalle lagane, una pasta fresca preparata esclusivamente con semola di grano duro e acqua, senza l’aggiunta di uova. La sfoglia viene stesa e tagliata in larghe strisce, generalmente più corte e più spesse delle moderne tagliatelle. Il loro nome deriva dal greco laganon, passato poi nel latino laganum, termine con cui si indicava una sfoglia di impasto cotta sulla pietra o sul testo. Da questa antica preparazione discende anche il nome della lasagna, sebbene il piatto odierno abbia assunto nel tempo caratteristiche completamente diverse.

La notorietà delle lagane attraversa la letteratura classica. Nelle Satire, il poeta Quinto Orazio Flacco, nato a Venosa, ricorda con piacere il ritorno a casa per gustare un piatto di “porri, ceci e lagane”: «Inde domum me ad porri et ciceris refero laganique catinum». È una delle più antiche testimonianze della cucina italiana giunte fino a noi. All’epoca la sfoglia non veniva ancora lessata come la pasta moderna, ma cotta sulla pietra o nel forno; l’abbinamento con i ceci, tuttavia, era già consolidato e dimostra quanto antiche siano le radici di questa preparazione.

La forza del piatto risiede nella sua semplicità. I ceci, tradizionalmente lasciati in ammollo per diverse ore, vengono cotti lentamente con aglio, olio extravergine di oliva e aromi come rosmarino o alloro. In alcune zone si aggiungono pomodorini maturi per conferire maggiore freschezza al sapore, mentre in altre prevale una versione completamente “in bianco”. Le lagane vengono cotte direttamente nel liquido dei ceci, assorbendone il gusto e liberando l’amido necessario a ottenere quella consistenza cremosa che rappresenta il tratto distintivo della ricetta. A completare il piatto intervengono spesso un filo di olio extravergine a crudo, una punta di peperoncino oppure il caratteristico peperone crusco, ingrediente simbolo della cucina lucana.

Dal punto di vista nutrizionale, l’unione fra cereali e legumi costituisce uno degli esempi più efficaci della dieta mediterranea. Le proteine dei ceci e quelle del grano duro si completano reciprocamente, offrendo un apporto proteico di elevata qualità senza ricorrere a ingredienti di origine animale. È uno dei motivi per cui questa preparazione è rimasta per secoli alla base dell’alimentazione rurale, garantendo energia e sazietà con materie prime facilmente reperibili.

Le lagane e ceci sono inoltre profondamente legate al calendario delle feste popolari. In Basilicata e in Calabria venivano tradizionalmente preparate il 19 marzo, in occasione della festa di San Giuseppe, quando le tavole dedicate al santo accoglievano parenti, pellegrini e persone in difficoltà. Il piatto diventava così simbolo di condivisione e solidarietà, espressione concreta di un’antica cultura dell’accoglienza che ancora oggi sopravvive in molte comunità del Sud.

Ogni territorio custodisce la propria variante. Nel Cilento la ricetta mantiene un’impronta particolarmente essenziale; in Puglia le lagane vengono spesso tagliate in strisce leggermente più lunghe; in Basilicata il peperone crusco aggiunge una nota fragrante e intensa; in Calabria non è raro trovare una maggiore presenza di peperoncino. Cambiano piccoli dettagli, ma rimane immutato il principio fondamentale: valorizzare pochi ingredienti attraverso una preparazione lenta e rispettosa delle materie prime.

In un’epoca dominata dalla ricerca dell’innovazione gastronomica, le lagane e ceci continuano a ricordare che la vera ricchezza della cucina italiana risiede spesso nella sua memoria. Questo piatto racconta la continuità tra il mondo classico e quello contemporaneo, tra il sapere delle campagne e la moderna valorizzazione della dieta mediterranea. Ogni cucchiaiata restituisce il sapore di una storia millenaria che, con sorprendente naturalezza, continua ancora oggi a trovare posto sulle tavole del Sud Italia.

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Figlio della Magna Grecia e delle brezze del Mar Ionio, il Cirò Bianco DOC è uno dei vini simbolo della viticoltura calabrese. Elegante, sapido e luminoso, racconta una storia che attraversa quasi tremila anni di cultura del vino.

Prodotto prevalentemente da uve Greco Bianco lungo la costa crotonese, il Cirò Bianco DOC custodisce una tradizione che affonda le radici nell’antica Krimisa. Un vino che coniuga identità territoriale, equilibrio gustativo e una straordinaria vocazione gastronomica.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Tra i grandi vini del Mezzogiorno italiano, il Cirò Bianco DOC occupa un posto particolare. Non soltanto per le sue qualità organolettiche, ma perché rappresenta una delle espressioni più autentiche della viticoltura della Magna Grecia. Le vigne che oggi si affacciano sul Mar Ionio, nella provincia di Crotone, crescono infatti su un territorio dove il vino viene prodotto da quasi tremila anni. Qui, tra i comuni di Cirò, Cirò Marina, Crucoli e Melissa, la coltivazione della vite continua a essere parte integrante del paesaggio e dell’identità culturale della Calabria.

Le origini della denominazione si intrecciano con la storia dell’antica Krimisa, colonia achea fondata nell’VIII secolo a.C. La tradizione vuole che il vino prodotto in queste terre fosse offerto come premio ai vincitori dei giochi olimpici dell’antica Grecia, simbolo di prestigio e di eccellenza. Sebbene gli studiosi discutano ancora alcuni aspetti di questo racconto, è certo che la viticoltura dell’area abbia radici antichissime e che il territorio di Cirò sia uno dei più longevi distretti vinicoli del Mediterraneo. La Denominazione di Origine Controllata, istituita nel 1969, è stata tra le prime riconosciute in Calabria, sancendo ufficialmente il valore storico e qualitativo di questa produzione.

Il protagonista del Cirò Bianco DOC è il Greco Bianco, che deve costituire almeno l’80% dell’uvaggio. A questa varietà possono affiancarsi, entro i limiti previsti dal disciplinare, altri vitigni a bacca bianca autorizzati nella zona, come Trebbiano Toscano e Malvasia Bianca. Il Greco Bianco trova in queste colline argillose e calcaree, costantemente accarezzate dalle brezze marine, un ambiente ideale per esprimere eleganza aromatica, freschezza e una spiccata impronta minerale.

Nel bicchiere il vino si presenta con un giallo paglierino brillante, spesso attraversato da riflessi verdolini che ne sottolineano la vivacità. Il profumo richiama immediatamente il paesaggio mediterraneo: fiori bianchi, zagara, pesca, nespola e leggere sfumature di erbe aromatiche si fondono in un bouquet delicato ma persistente. Al palato emerge una struttura equilibrata, sostenuta da una piacevole freschezza e da una sapidità che riflette la vicinanza del mare. Il finale, asciutto e leggermente mandorlato, è una delle caratteristiche più riconoscibili del Greco Bianco. La temperatura ideale di servizio si colloca tra gli 8 e i 10 gradi, condizione che ne valorizza la fragranza aromatica e la tensione gustativa.

Il rapporto tra il Cirò Bianco e la cucina è naturale quanto quello tra la vite e il suo territorio. La sua freschezza lo rende ideale accanto agli antipasti di mare, ai crostacei, alle ostriche e ai crudi di pesce, ma accompagna con equilibrio anche fritture leggere, spaghetti alle vongole e risotti ai frutti di mare. La buona struttura consente inoltre abbinamenti meno scontati con carni bianche delicate e formaggi freschi o di media stagionatura, come il Caciocavallo Silano DOP. Nella tradizione calabrese e lucana trova un’interessante sintonia anche con piatti della cucina contadina, tra cui le lagane e ceci, dove la sapidità del vino alleggerisce la cremosità dei legumi valorizzandone gli aromi.

Negli ultimi decenni il Cirò Bianco ha conosciuto una significativa evoluzione qualitativa grazie al lavoro di numerose aziende che hanno investito nella valorizzazione del Greco Bianco, nella riduzione delle rese e in tecniche di vinificazione capaci di preservarne il patrimonio aromatico. Pur rimanendo fedele alla propria identità territoriale, questo vino ha saputo conquistare l’interesse della critica internazionale, contribuendo a rinnovare l’immagine della viticoltura calabrese, oggi sempre più orientata verso produzioni di qualità legate ai vitigni autoctoni.

Il Cirò Bianco DOC dimostra come un vino possa diventare il racconto di un territorio. Ogni calice restituisce il carattere della costa ionica, la memoria della civiltà magnogreca e il lavoro di generazioni di viticoltori che hanno custodito un patrimonio unico. È un bianco che non ricerca effetti spettacolari, ma conquista per autenticità, equilibrio e capacità di interpretare con eleganza il paesaggio da cui nasce, confermandosi una delle espressioni più rappresentative dell’enologia del Sud Italia.

Il Cirò Bianco DOC trova una delle sue espressioni gastronomiche più interessanti accanto alle lagane e ceci, uno dei piatti simbolo della cucina contadina del Mezzogiorno. L’abbinamento potrebbe sorprendere chi associa i legumi esclusivamente ai vini rossi, ma la sapidità del Greco Bianco, sostenuta da una viva freschezza e da un finale delicatamente mandorlato, dialoga con equilibrio con la cremosità dei ceci e con la consistenza della pasta fresca preparata soltanto con semola e acqua. L’olio extravergine, il rosmarino e, nelle versioni lucane e calabresi, il peperone crusco trovano nel Cirò Bianco un contrappunto capace di esaltare gli aromi senza coprirli. È un incontro che racconta l’identità della Calabria e dell’intero Meridione, dove vino e cucina condividono la stessa storia agricola e mediterranea, trasformando ingredienti semplici in un patrimonio culturale di straordinaria ricchezza.

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Allen Levi firma un esordio sorprendente, diventato un fenomeno editoriale internazionale grazie al passaparola. Al centro della storia c’è un anziano sconosciuto che trasforma un’intera comunità con un gesto semplice, capace di riaccendere memoria, fiducia ed empatia.

Un uomo arriva senza fare rumore in una piccola cittadina del Sud degli Stati Uniti. Da quel momento prende forma un racconto corale in cui ogni incontro diventa occasione di ascolto e ogni ritratto restituito riporta alla luce una storia. “Theo da Golden” è un romanzo sulla forza discreta della gentilezza e sul bisogno universale di essere davvero visti.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

C’è qualcosa di profondamente controcorrente nel successo di Theo da Golden. In un’epoca dominata dalla velocità e dalla ricerca dell’effetto immediato, il primo romanzo di Allen Levi conquista i lettori con un ritmo misurato, una scrittura attenta ai dettagli e una fiducia ostinata nella capacità degli esseri umani di riconoscersi gli uni negli altri. Un esordio letterario che, nato lontano dai grandi circuiti editoriali, ha costruito la propria fortuna attraverso il passaparola fino a diventare uno dei casi editoriali più sorprendenti degli ultimi anni.

La vicenda prende avvio in una mattina di primavera, quando un uomo molto anziano arriva a Golden, una tranquilla cittadina del Sud degli Stati Uniti. Di lui si sa pochissimo. Si presenta con il nome di Theo, non offre spiegazioni sul proprio passato e lascia intendere soltanto di avere alcuni “affari da sistemare”. L’apparente semplicità di questo ingresso nasconde però una storia destinata a modificare gli equilibri dell’intera comunità.

La svolta avviene all’interno di una caffetteria del centro, dove Theo rimane affascinato da una collezione di novantadue ritratti a matita raffiguranti gli abitanti del paese, realizzati da un artista locale con straordinaria sensibilità. Decide allora di acquistarli tutti, uno dopo l’altro, con l’intenzione di restituire ciascun ritratto alla persona rappresentata. È un gesto apparentemente minimo, ma che diventa il motore di una lunga serie di incontri destinati a cambiare la vita di chi li vive.

Allen Levi costruisce così un romanzo corale nel quale ogni consegna apre una porta sulla memoria, sulle ferite, sulle speranze e sulle relazioni dei protagonisti. Theo ascolta più di quanto parli, osserva con discrezione, coglie le fragilità invisibili che gli altri hanno imparato a nascondere. La sua presenza diventa un catalizzatore: amicizie inattese prendono forma, vecchi rancori si attenuano, persone rimaste ai margini della comunità ritrovano finalmente uno spazio di riconoscimento. La gentilezza non viene presentata come sentimentalismo, ma come una pratica concreta capace di modificare la realtà.

Il romanzo non rinuncia però alla dimensione narrativa del mistero. L’identità di Theo resta avvolta nell’incertezza per buona parte della storia, mentre affiorano indizi che rimandano a un legame lontano e a un destino destinato a compiersi senza clamore. Questa componente mantiene viva la tensione del racconto senza oscurarne il nucleo emotivo, fondato sull’incontro tra persone comuni e sul valore delle loro storie quotidiane.

Il percorso editoriale dell’opera è quasi sorprendente quanto la sua trama. Allen Levi, nato a Columbus, in Georgia, dopo gli studi in Giurisprudenza ha esercitato la professione di avvocato per circa dieci anni prima di dedicarsi completamente alla musica, pubblicando oltre venti album e centinaia di canzoni. Theo da Golden è il suo debutto nella narrativa: inizialmente autopubblicato, il romanzo ha conquistato un pubblico sempre più vasto grazie alle raccomandazioni dei lettori, fino a essere acquisito da una grande casa editrice e distribuito in decine di Paesi. Oggi le copie vendute hanno superato i due milioni e mezzo e il libro è diventato un autentico fenomeno internazionale.

Ciò che rende memorabile Theo da Golden non è soltanto la sua costruzione narrativa, ma la capacità di ricordare che ogni persona custodisce una storia degna di essere ascoltata. Levi evita il moralismo e sceglie invece la forza dei piccoli gesti, quelli che raramente fanno notizia ma che, nella vita reale, possono cambiare il modo in cui guardiamo gli altri e noi stessi. È forse proprio questa fiducia nell’umanità, raccontata con misura e autenticità, ad aver trasformato un romanzo nato quasi in silenzio in uno dei casi editoriali più significativi degli ultimi anni.

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Dal romanzo di Giani Stuparich nasce un film ambientato nella Trieste del 2007, dove l’arrivo di una studentessa svedese incrina gli equilibri di una classe tutta maschile. Un’opera che osserva l’adolescenza con autenticità, evitando stereotipi e facili moralismi.

L’ultimo anno di liceo diventa il luogo in cui si ride, ci si scontra, ci si innamora e si scopre chi si vuole diventare. Laura Samani firma un adattamento libero ma fedele allo spirito del testo di Giani Stuparich, facendo di Trieste una protagonista silenziosa del racconto.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

L’ingresso di una ragazza in una classe composta esclusivamente da ragazzi basta a cambiare il ritmo di un’intera storia. È questa l’intuizione narrativa da cui prende forma Un anno di scuola, il nuovo film di Laura Samani, tratto dall’omonimo racconto di Giani Stuparich, uno dei maggiori scrittori triestini del Novecento. La regista friulana, già apprezzata per Piccolo corpo, torna a raccontare l’età delle trasformazioni scegliendo ancora una volta un linguaggio essenziale, capace di restituire emozioni senza enfasi e di affidare ai gesti più che alle parole il peso della narrazione.

La vicenda è ambientata nel settembre del 2007. Fredrika, diciottenne svedese, arriva a Trieste dopo il trasferimento del padre, chiamato a dirigere una difficile ristrutturazione aziendale. L’iscrizione a un istituto tecnico frequentato esclusivamente da studenti maschi rompe immediatamente gli equilibri di una compagnia formata da Pasini, Mitis e Antero. Da tre diventano quattro, e quel nuovo assetto modifica amicizie, rivalità, desideri e rapporti di forza. Fred, come viene subito ribattezzata dai compagni, entra nel gruppo con naturalezza, ma la sua presenza costringe tutti a confrontarsi con un’identità ancora in costruzione e con sentimenti che nessuno aveva davvero imparato a riconoscere.

Il film conserva lo spirito del racconto di Stuparich, pubblicato nel 1929 e ispirato ai ricordi giovanili dell’autore nella Trieste asburgica di inizio Novecento, ma trasferisce l’azione all’inizio degli anni Duemila. Questa scelta non altera il nucleo del testo originale: le dinamiche dell’adolescenza, il difficile passaggio all’età adulta e il confronto tra desiderio di appartenenza e bisogno di affermare la propria individualità restano sorprendentemente attuali. La figura di Fredrika, proveniente dalla Svezia, introduce inoltre un diverso sguardo sui rapporti tra ragazzi e ragazze, suggerendo un confronto culturale con una società dove la parità di genere è vissuta con maggiore naturalezza.

Uno dei maggiori punti di forza dell’opera è il modo in cui Laura Samani osserva i suoi protagonisti. Non ci sono eroi né antagonisti, ma adolescenti ancora plasmabili, attraversati da entusiasmi improvvisi, fragilità e contraddizioni. La regista sceglie interpreti alla loro prima esperienza cinematografica, ottenendo una spontaneità che rende ogni dialogo credibile e ogni silenzio significativo. La recitazione evita qualsiasi artificio, lasciando emergere la vitalità di un gruppo che cresce davanti agli occhi dello spettatore.

Anche Trieste assume un ruolo fondamentale. Le sue strade, i caffè, il mare, i quartieri e gli spazi dell’Istituto Galvani non costituiscono un semplice sfondo, ma accompagnano il percorso dei protagonisti, amplificando il senso di una città da sempre sospesa tra culture, lingue e identità diverse. Questa dimensione di confine, caratteristica della storia triestina, dialoga con quella dei personaggi, anch’essi in bilico tra ciò che sono stati e ciò che diventeranno.

La fotografia privilegia la luce naturale e una messa in scena sobria, mentre la colonna sonora accompagna il racconto senza sovrastarlo. Samani evita le convenzioni di molto cinema adolescenziale contemporaneo, rinunciando a effetti spettacolari e conflitti esasperati. L’adolescenza viene raccontata come un tempo di scoperta, di errori e di libertà, senza indulgere né nel sentimentalismo né nella cronaca nera che spesso domina le narrazioni dedicate ai giovani. Il lungo piano sequenza conclusivo sintetizza questa poetica: restituisce a Fredrika il proprio nome e il proprio spazio, trasformando il finale in un momento di autentica consapevolezza.

Presentato nel 2025 e distribuito nelle sale italiane nel 2026, Un anno di scuola conferma Laura Samani tra le voci più interessanti del nuovo cinema italiano. Il suo adattamento non si limita a trasporre un classico della letteratura triestina, ma lo rinnova con sensibilità contemporanea, dimostrando come le domande che accompagnano la fine dell’adolescenza – l’identità, l’amicizia, il desiderio, la paura di crescere – continuino ad attraversare ogni generazione con la stessa forza.

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Tra colline disegnate dai vigneti, borghi medievali, castelli e sapori che hanno conquistato il mondo, il cuore del Piemonte custodisce un patrimonio in cui natura, storia e lavoro dell’uomo convivono in perfetto equilibrio.

Visitare Langhe, Monferrato e Roero significa attraversare un territorio che racconta secoli di civiltà contadina e di eccellenza enologica. Un viaggio tra paesaggi riconosciuti dall’UNESCO, grandi vini, letteratura e tradizioni gastronomiche che continuano a definire l’identità di questa parte d’Italia.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Le colline cambiano colore con le stagioni, ma non perdono mai la loro armonia. Filari ordinati, castelli che dominano i crinali, piccoli borghi raccolti attorno a una piazza e strade che sembrano seguire il ritmo naturale del paesaggio: Langhe, Monferrato e Roero rappresentano uno dei territori più riconoscibili d’Europa, dove il rapporto tra uomo e natura ha prodotto un equilibrio che va ben oltre l’agricoltura. Dal 2014 i Paesaggi vitivinicoli del Piemonte sono iscritti nella Lista del Patrimonio Mondiale UNESCO, un riconoscimento che valorizza non solo la qualità dei vini, ma una cultura millenaria costruita attorno alla vite, all’architettura rurale e alla sapienza contadina.

Quando si parla di Langhe si pensa subito ad Alba, ma il territorio è molto più articolato. La Bassa Langa, dominata dai vigneti del Nebbiolo, ospita località celebri come Barolo, Barbaresco, La Morra, Monforte d’Alba e Serralunga d’Alba. L’Alta Langa, invece, sale verso quote più elevate, tra boschi, noccioleti e piccoli centri che conservano un carattere più appartato. A est si estende la Langa Astigiana, dove il paesaggio si fonde con quello del Monferrato, creando un mosaico di colline che cambiano continuamente aspetto.

Alba rappresenta il naturale punto di partenza. Fondata dai Romani come Alba Pompeia, conserva ancora oggi l’impianto medievale che le valse il soprannome di “Città delle Cento Torri”. È anche il centro simbolico della gastronomia locale, tanto da essere stata riconosciuta dall’UNESCO come Città Creativa per la Gastronomia. In autunno richiama visitatori da tutto il mondo grazie alla Fiera Internazionale del Tartufo Bianco, uno degli appuntamenti gastronomici più prestigiosi d’Europa. Qui la cucina piemontese trova alcune delle sue espressioni più celebri: tajarin, ravioli del plin, carne cruda battuta al coltello e naturalmente il tartufo, protagonista di una tradizione che unisce ricerca, territorio e alta ristorazione.

Pochi chilometri separano Alba da Barolo e Barbaresco, nomi che identificano tanto i borghi quanto i vini che li hanno resi famosi nel mondo. Il Barolo nasce esclusivamente da uve Nebbiolo coltivate in undici comuni, mentre il Barbaresco viene prodotto in un’area più contenuta, caratterizzata da un’espressione diversa dello stesso vitigno. Le cantine, molte delle quali aperte alle visite, raccontano una storia fatta di innovazione e tradizione, dove tecniche secolari convivono con le più moderne pratiche enologiche. A Barolo merita una visita il WiMu – Museo del Vino, ospitato nel Castello Falletti, che ripercorre il rapporto tra l’uomo e la cultura vitivinicola attraverso un allestimento multimediale.

Il Roero, sulla riva sinistra del Tanaro, offre un paesaggio differente. Le celebri Rocche, profonde incisioni create dall’erosione nel corso dei millenni, conferiscono a quest’area un aspetto quasi spettacolare, alternando boschi, pareti sabbiose e vigneti. Meno frequentato rispetto alle Langhe, il Roero conserva un carattere autentico, fatto di castelli, sentieri naturalistici e piccoli centri dove il tempo sembra procedere con maggiore lentezza. Qui nasce anche il Roero Arneis, uno dei più importanti vini bianchi piemontesi.

Il Monferrato completa questo straordinario triangolo culturale con un paesaggio più dolce e diffuso, costellato di borghi storici, infernot scavati nella pietra da cantoni e grandi produzioni vinicole legate soprattutto alla Barbera e al Moscato. Tra Canelli, patria dello spumante italiano moderno, e le colline attorno a Nizza Monferrato si sviluppa una tradizione enologica che ha contribuito in modo decisivo all’identità del Piemonte. Proprio Canelli custodisce le celebri “cattedrali sotterranee”, immense cantine storiche scavate nel tufo dove maturano milioni di bottiglie di spumante.

Il fascino di questi territori non dipende soltanto dal vino. Le Langhe sono anche la terra letteraria di Cesare Pavese e Beppe Fenoglio, che proprio tra queste colline hanno ambientato pagine fondamentali della narrativa italiana del Novecento. Le loro opere restituiscono un paesaggio umano prima ancora che geografico, fatto di memoria, lavoro, Resistenza e appartenenza. È questa stratificazione culturale, insieme alla qualità del paesaggio, a rendere Langhe, Monferrato e Roero molto più di una meta enogastronomica: un luogo dove ogni collina racconta una storia e ogni vigneto conserva il segno di una civiltà che continua a rinnovarsi senza perdere la propria identità.

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Con la collezione disegnata da Patrick Jouin nel 2010, Puiforcat rinnova la propria tradizione trasformando un oggetto quotidiano in un esercizio di equilibrio tra funzionalità, ergonomia e ricerca formale. Un progetto che ha trovato posto anche nelle collezioni dei grandi musei del design.

Linee tese come una cresta alpina, superfici che modellano la luce e una sorprendente attenzione all’esperienza d’uso. Zermatt non è semplicemente un servizio di posate, ma un manifesto del design contemporaneo capace di dialogare con la grande tradizione dell’argenteria francese.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Osservare una posata raramente significa interrogarsi sul progetto che l’ha generata. Eppure esistono oggetti capaci di trasformare un gesto quotidiano in un’esperienza estetica. È il caso di Zermatt, il servizio disegnato nel 2010 dal designer francese Patrick Jouin per la storica maison Puiforcat, una collezione che sintetizza rigore geometrico, innovazione tecnica e raffinatezza artigianale in un linguaggio essenziale, destinato a diventare un riferimento del design contemporaneo.

Fondata a Parigi nel 1820, Puiforcat rappresenta uno dei nomi più prestigiosi dell’alta oreficeria francese. La maison deve gran parte della propria fama a Jean Puiforcat, maestro argentiere che negli anni Trenta contribuì a ridefinire il gusto Art Déco applicandolo agli oggetti della tavola attraverso forme pure, proporzioni rigorose e una ricerca costante dell’essenzialità. Patrick Jouin raccoglie questa eredità senza limitarvisi, reinterpretandola con un linguaggio attuale che conserva il rispetto per la tradizione ma guarda con decisione al design del XXI secolo.

La collezione prende il nome da Zermatt, la celebre località svizzera ai piedi del Cervino. Proprio la silhouette della montagna ispira il profilo delle posate: superfici sfaccettate, linee nette e una nervatura centrale che attraversa ogni elemento, amplificandone la tridimensionalità attraverso raffinati giochi di luce. L’acciaio lucidato riflette l’ambiente con continuità, trasformando cucchiaio, forchetta e coltello in piccoli volumi scultorei, dove ogni spigolo contribuisce alla percezione dell’oggetto.

Realizzato in acciaio inox 18/10 e 13/10 e rifinito interamente a mano, il servizio introduce una novità importante nella produzione Puiforcat. Tradizionalmente associata all’argento massiccio, la maison sceglie infatti l’acciaio come materiale principale, coniugando resistenza, praticità e qualità estetica. La decisione segna un passaggio significativo: il lusso non coincide più soltanto con il materiale prezioso, ma con l’intelligenza del progetto, la precisione costruttiva e il piacere dell’uso quotidiano.

Ogni dettaglio nasce da una precisa riflessione funzionale. La forchetta adotta tre rebbi anziché quattro, richiamando alcune celebri creazioni di Jean Puiforcat e facilitando al tempo stesso la pulizia. Il coltello costituisce probabilmente l’elemento più originale dell’intera serie: il manico si sviluppa come naturale prosecuzione della lama e la sua particolare geometria permette di appoggiarlo sul tavolo mantenendo il filo sollevato dalla tovaglia. Una soluzione elegante che rende superfluo il tradizionale poggia-coltello e sottolinea la continuità tra funzione e forma. Anche il cucchiaio abbandona qualsiasi distinzione evidente tra conca e impugnatura, presentandosi come un unico volume modellato con assoluta fluidità.

Patrick Jouin, nato a Nantes nel 1967 e formatosi all’École Nationale Supérieure de Création Industrielle di Parigi, è considerato uno dei maggiori protagonisti del design francese contemporaneo. Dopo aver collaborato con Philippe Starck, ha sviluppato una produzione che spazia dall’arredo agli oggetti d’uso, fino agli interni di alcuni dei più celebri ristoranti dello chef Alain Ducasse. Nei suoi progetti convivono ricerca tecnologica, sperimentazione formale e una particolare attenzione all’ergonomia, qualità che nella collezione Zermatt trovano una delle espressioni più compiute.

Il riconoscimento internazionale non ha tardato ad arrivare. Le posate Zermatt sono entrate nella collezione permanente del Centre Pompidou di Parigi e figurano in altri importanti musei dedicati al design e alle arti decorative. È un risultato che conferma come un oggetto apparentemente semplice possa assumere un valore culturale quando riesce a ridefinire il rapporto tra estetica e funzione.

A distanza di oltre quindici anni dalla sua presentazione, Zermatt conserva intatta la propria modernità. Non cerca effetti spettacolari né decorazioni superflue, ma dimostra come la qualità del design risieda nella capacità di migliorare i gesti più comuni attraverso forme essenziali e perfettamente risolte. È questa discreta perfezione a fare della collezione di Patrick Jouin uno dei più significativi esempi di design per la tavola del nuovo millennio.

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Un piatto che unisce la ricchezza del ragù, la morbidezza della ricotta e un formato di pasta diventato simbolo della tradizione partenopea. Dietro una ricetta apparentemente semplice si nasconde una storia che attraversa secoli di cultura gastronomica.

I Manfredi con la ricotta rappresentano uno dei grandi classici della cucina campana. Preparati nelle ricorrenze familiari e soprattutto nel periodo di Carnevale, raccontano una tradizione in cui storia, convivialità e gusto continuano a intrecciarsi sulla stessa tavola.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Tra i primi piatti della tradizione napoletana ce n’è uno che conserva ancora oggi il sapore delle grandi occasioni. I Manfredi con la ricotta non sono soltanto una ricetta di famiglia, ma una vera dichiarazione d’identità gastronomica, capace di trasformare pochi ingredienti in un piatto ricco, avvolgente e profondamente legato alla memoria collettiva. Ancora oggi trovano posto sulle tavole delle feste, soprattutto durante il Carnevale, ma anche nelle domeniche in cui la cucina torna a essere il centro della vita domestica.

La loro origine si perde tra storia e leggenda. La tradizione più diffusa racconta che il piatto nacque per rendere omaggio a Manfredi di Svevia, re di Sicilia, durante uno dei suoi passaggi nell’Italia meridionale. Si dice che il sovrano apprezzasse particolarmente la ricotta e che proprio per conquistarne il favore venne preparata questa pasta condita con salsa di pomodoro e formaggio fresco. Che il racconto sia storicamente documentato o appartenga al patrimonio delle narrazioni popolari, resta il fatto che il nome del sovrano è rimasto indissolubilmente legato a uno dei piatti più rappresentativi della cucina partenopea.

Protagonista della ricetta è un formato di pasta molto particolare. I Manfredi, conosciuti anche come mafalde, mafaldine o reginette, sono lunghe strisce di semola caratterizzate dai caratteristici bordi ondulati. Spesso vengono accostati alle lasagne, ma rispetto alla sfoglia tradizionale risultano più sottili e leggere. La loro conformazione permette di trattenere perfettamente il condimento, rendendo ogni forchettata equilibrata tra pasta, sugo e ricotta. Non è un caso che questo formato venga considerato uno dei più adatti alla cucina napoletana dei giorni di festa.

L’altro elemento imprescindibile è naturalmente il condimento. Nella versione più tradizionale il protagonista è il celebre ragù napoletano, preparato con lunghe ore di cottura, carne di manzo, costine di maiale, salsiccia, cipolla, vino rosso e pomodoro. La salsa viene poi amalgamata con ricotta di bufala, oppure con ricotta vaccina ben scolata, fino a ottenere una crema morbida e vellutata che avvolge completamente la pasta. Basilico fresco, pepe nero e una generosa spolverata di Parmigiano Reggiano o Pecorino completano il piatto senza alterarne l’equilibrio.

Accanto alla preparazione classica convivono numerose varianti domestiche. Molte famiglie napoletane scelgono infatti un semplice sugo di pomodoro cotto lentamente, più leggero ma altrettanto saporito, capace di valorizzare la dolcezza della ricotta senza la complessità del ragù. È una versione che mantiene intatto il carattere della ricetta e permette di portarla in tavola anche al di fuori delle festività, trasformandola in un confortante pranzo della domenica.

La forza dei Manfredi con la ricotta risiede proprio in questo equilibrio tra semplicità e ricchezza. La cremosità della ricotta attenua l’intensità del pomodoro, mentre il formato della pasta contribuisce a distribuire il condimento in modo uniforme. Ogni ingrediente svolge un ruolo preciso senza prevalere sugli altri, secondo una logica tipica della migliore cucina mediterranea, dove la qualità della materia prima conta più della complessità delle preparazioni.

Oggi questo piatto continua a occupare un posto speciale nella cultura gastronomica campana. È presente nei menu delle trattorie storiche, viene reinterpretato dagli chef contemporanei e resta una delle ricette più amate della tradizione domestica. In un’epoca in cui la cucina tende spesso a stupire attraverso elaborazioni sofisticate, i Manfredi con la ricotta ricordano che l’eccellenza può nascere anche dall’incontro tra pochi ingredienti autentici e una lunga memoria collettiva. È proprio questa capacità di attraversare il tempo senza perdere identità a farne uno dei grandi classici della tavola napoletana.

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Tra Basilicata e Campania nasce uno dei vini più longevi e prestigiosi d’Italia. Elegante, intenso e strutturato, l’Aglianico ha saputo conquistare il panorama internazionale grazie alla sua straordinaria capacità di evolvere nel tempo e di accompagnare la cucina della tradizione mediterranea.

Profumi di frutti rossi, spezie, tabacco e note minerali si fondono in un vino che rappresenta una delle espressioni più alte della viticoltura meridionale. L’Aglianico è il risultato di una storia antica, di territori unici e di una cultura del vino che continua a rinnovarsi.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Pochi vitigni italiani riescono a esprimere il carattere del territorio con la stessa intensità dell’Aglianico. Austero in gioventù, profondo nella maturità, questo grande rosso del Mezzogiorno possiede una personalità inconfondibile, costruita su un equilibrio tra forza e finezza che gli ha valso il soprannome di “Barolo del Sud”. È un vino che richiede tempo, sia nella coltivazione sia nell’affinamento, ma ricompensa l’attesa con una straordinaria complessità aromatica e una longevità tra le più elevate del panorama enologico italiano.

Le origini del vitigno affondano nell’antichità. Secondo la teoria più accreditata, sarebbe stato introdotto nell’Italia meridionale dai coloni greci tra il VII e il VI secolo a.C., anche se il nome “Aglianico” comparve solo molto più tardi. Per lungo tempo si è ritenuto derivasse da “ellenico”, termine trasformato in “aglianico” durante la dominazione aragonese, quando la doppia “ll” spagnola veniva pronunciata con il suono “gli”. Pur restando aperto il dibattito sulle sue origini genetiche, il vitigno è oggi considerato uno dei simboli storici della viticoltura del Sud Italia.

Le sue aree di elezione sono due. In Campania dà vita al celebre Taurasi DOCG, prodotto soprattutto in provincia di Avellino, e all’Aglianico del Taburno DOCG, nel Beneventano. In Basilicata raggiunge una delle sue espressioni più nobili nell’Aglianico del Vulture DOCG, coltivato sulle pendici dell’antico vulcano Monte Vulture. I terreni ricchi di minerali, le forti escursioni termiche e le altitudini elevate contribuiscono a conferire ai vini una straordinaria complessità, con una marcata impronta territoriale.

Dal punto di vista enologico, l’Aglianico si distingue per l’elevata acidità e la consistente presenza di tannini, elementi che gli permettono di affrontare lunghi affinamenti in botte e successivamente in bottiglia. Da giovane può apparire severo e quasi ruvido, ma con il passare degli anni sviluppa un profilo aromatico di grande eleganza, nel quale le note di amarena, prugna e mora si arricchiscono progressivamente di sentori di tabacco, liquirizia, cuoio, cacao, pepe nero e leggere sfumature balsamiche. È proprio questa continua evoluzione a renderlo uno dei vini più apprezzati dagli intenditori.

L’Aglianico è anche un protagonista della tavola. La sua struttura lo rende ideale con brasati, selvaggina, carni arrosto, agnello, funghi e formaggi stagionati. Ma trova un abbinamento particolarmente riuscito anche con uno dei piatti più rappresentativi della cucina napoletana: i Manfredi con la ricotta. La buona acidità e l’importante trama tannica contrastano infatti la morbidezza della ricotta e la ricchezza del ragù, detergendo il palato dopo ogni boccone e ristabilendo un equilibrio gustativo che invita immediatamente alla forchettata successiva. È un esempio perfetto di come vino e cucina possano valorizzarsi reciprocamente quando condividono la stessa cultura gastronomica.

Negli ultimi decenni l’Aglianico ha conosciuto una significativa crescita qualitativa grazie al lavoro di numerose aziende che hanno investito nella valorizzazione dei singoli cru, nella riduzione delle rese e nella ricerca di uno stile sempre più rispettoso del territorio. Oggi le sue etichette figurano stabilmente nelle principali guide internazionali e sono presenti nelle carte dei vini dei ristoranti più prestigiosi, contribuendo a rafforzare l’immagine del vino italiano nel mondo.

Più che un semplice vitigno, l’Aglianico rappresenta una sintesi della storia agricola del Mezzogiorno. È il frutto di una tradizione millenaria che continua a dialogare con l’innovazione senza rinunciare alla propria identità. Nel calice racconta il carattere dei suoli vulcanici, il clima delle colline interne e la pazienza di chi sa che i grandi vini non si costruiscono in una stagione, ma nel tempo. È questa capacità di unire memoria, territorio ed eccellenza a renderlo uno dei protagonisti assoluti dell’enologia italiana.

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