L’autrice di “Eredi della sconfitta” intreccia amore, diaspora e identità in un’opera monumentale sospesa tra India e Stati Uniti

Dopo quasi due decenni di silenzio narrativo, Kiran Desai pubblica un romanzo che attraversa migrazione, appartenenza e solitudine contemporanea. “The Loneliness of Sonia and Sunny” è un racconto ampio e stratificato, già considerato uno degli eventi letterari più rilevanti degli ultimi anni.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Per quasi vent’anni Kiran Desai è rimasta una presenza laterale nella letteratura internazionale. Dopo il successo di The Inheritance of Loss – pubblicato in Italia come Eredi della sconfitta – vincitore del Booker Prize nel 2006, la scrittrice indiana sembrava essersi sottratta al ritmo produttivo dell’editoria globale. Nel frattempo il suo romanzo è diventato un classico contemporaneo sulla frattura postcoloniale, sulla migrazione e sul privilegio. Ora Desai torna con The Loneliness of Sonia and Sunny, un libro di quasi settecento pagine che molti critici hanno già definito la sua opera più ambiziosa.

Il romanzo si muove tra India e Stati Uniti, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila. Al centro ci sono Sonia e Sunny, due giovani indiani che si sfiorano per anni prima di incontrarsi davvero. Sonia vive nel Vermont, studia scrittura e attraversa una relazione destabilizzante con un artista molto più anziano. Sunny, invece, lavora come copy editor a New York e cerca di emanciparsi da una madre invadente e da un’identità che sente sempre sospesa tra più mondi. Le loro famiglie si conoscono da tempo e avevano persino tentato di organizzare un matrimonio combinato. Quando finalmente si incontrano durante un viaggio in treno in India, il romanzo cambia passo e diventa una lunga esplorazione sentimentale, politica e culturale.

Desai evita però qualsiasi schema da romanzo romantico tradizionale. L’amore, qui, è soprattutto una lente attraverso cui osservare la solitudine globale. In diverse interviste l’autrice ha spiegato di aver voluto raccontare “le fratture tra nazioni, razze, classi e generi come forme di solitudine”. Un’idea che attraversa l’intero libro: i personaggi sono continuamente in bilico tra desiderio di appartenenza e senso di estraneità.

La scrittura di Desai resta riconoscibile per precisione e ampiezza di sguardo. Il romanzo alterna registri ironici, momenti quasi grotteschi e improvvise aperture liriche. Alcuni recensori hanno parlato di un’opera “dazzling”, abbagliante, proprio per la capacità di cambiare tono senza perdere coerenza narrativa. La critica britannica ha sottolineato anche il modo in cui Desai mette in discussione l’idea stessa di identità postcoloniale, mostrando personaggi costretti a reinventarsi continuamente per essere accettati nei diversi contesti culturali che attraversano.

L’esperienza della diaspora indiana è uno dei nuclei più forti del libro. Sonia e Sunny vivono entrambi una tensione costante tra l’India delle famiglie e l’America delle opportunità, senza sentirsi davvero a casa in nessuno dei due luoghi. Desai conosce bene questa condizione: nata a Nuova Delhi nel 1971, si è trasferita adolescente prima in Inghilterra e poi negli Stati Uniti insieme alla madre Anita Desai, una delle grandi voci della letteratura indiana in lingua inglese. Ha studiato al Bennington College e alla Columbia University, costruendo un percorso letterario sempre sospeso tra più culture.

Anche per questo The Loneliness of Sonia and Sunny appare come un romanzo profondamente personale, pur mantenendo un respiro collettivo. Dentro ci sono i cambiamenti dell’India contemporanea, le tensioni razziali americane, il peso delle aspettative familiari e la trasformazione della letteratura globale negli ultimi vent’anni. Ma soprattutto c’è una riflessione continua sulla distanza: quella geografica, sentimentale, linguistica.

Il libro è stato pubblicato nel 2025 da Hogarth negli Stati Uniti ed è entrato nella shortlist del Booker Prize dello stesso anno. In Italia arriverà per Adelphi con il titolo La solitudine di Sonia e Sunny.

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Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Will Arnett e Laura Dern guidano una commedia amara sul fallimento di una coppia, sospesa tra desiderio di rinascita e incapacità di lasciarsi davvero

“È l’ultima battuta?” In questo film Bradley Cooper abbandona ogni compiacimento spettacolare e costruisce un racconto sentimentale nervoso, vulnerabile e sorprendentemente autentico. Un film che usa la stand-up comedy per parlare di solitudine, famiglia e relazioni consumate dal tempo.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

New York non appare mai davvero luminosa nel nuovo film diretto da Bradley Cooper. Le strade, gli appartamenti, i locali notturni e le stanze familiari sembrano immersi in una penombra continua, fotografata da Matthew Libatique con tonalità soffuse e domestiche. È dentro questo paesaggio emotivo che si muovono Alex Novak e sua moglie Tess, sposati da vent’anni e ormai arrivati al divorzio, senza però riuscire a separarsi davvero.

È l’ultima battuta? segue il loro equilibrio instabile con un tono che oscilla continuamente tra ironia e malinconia. Alex, interpretato da Will Arnett, scopre quasi per caso il mondo della stand-up comedy: una sera, pur di evitare il costo d’ingresso di un locale, decide di partecipare a un open mic del celebre Comedy Cellar e finisce per trovare sul palco una forma di sopravvivenza personale. Tess, interpretata da Laura Dern, riscopre invece il volley e riceve la proposta di diventare assistente allenatrice della nazionale femminile statunitense in vista delle Olimpiadi del 2028. Due traiettorie parallele che sembrano allontanarsi ma continuano a toccarsi di continuo.

Cooper costruisce il film attorno a questo movimento contraddittorio: la necessità di cambiare vita e, allo stesso tempo, l’impossibilità di recidere completamente il passato. L’eco emotiva è quella del miglior cinema sentimentale americano degli anni Settanta, con riferimenti che richiamano John Cassavetes e Kramer contro Kramer, ma senza nostalgia cinefila esibita. Qui tutto appare vissuto, sporco, vulnerabile.

La stand-up comedy diventa il cuore nascosto del racconto. Le esibizioni di Alex non cercano la battuta perfetta: sono confessioni nervose, spesso crudeli, attraversate da una disperazione che ricorda la comicità autodistruttiva di Lenny Bruce. Cooper filma il palco come uno spazio di smascheramento emotivo. Le esitazioni iniziali, il silenzio del pubblico, poi le prime risate e infine quella sicurezza fragile che nasce soltanto quando qualcuno decide di esporsi davvero davanti agli altri.

Dopo A Star Is Born e Maestro, il regista continua a interrogarsi sul rapporto tra performance e identità. Se il film dedicato a Leonard Bernstein osservava il prezzo umano del genio artistico, È l’ultima battuta? restringe il campo e lavora sulle ferite quotidiane di una coppia comune. Il risultato è probabilmente il lavoro più controllato e personale della sua carriera da regista.

Una delle immagini più forti del film è una fotografia di Tess durante una partita di volley, colta di spalle mentre schiaccia. Alex continua a vedere sua moglie attraverso quell’immagine congelata nel tempo, mentre lei non si riconosce più in quella versione di sé. In questo scarto percettivo Cooper sintetizza il tema centrale del film: le relazioni finiscono anche perché le persone cambiano in modo diverso e con velocità diverse.

Il progetto prende spunto liberamente dalla vita del comico britannico John Bishop, coinvolto anche nel soggetto insieme a Will Arnett e Mark Chappell. Cooper, però, trasforma il materiale autobiografico in qualcosa di più universale, lavorando sulle crepe emotive piuttosto che sulla ricostruzione biografica.

Determinante anche la colonna sonora. Under Pressure dei Queen attraversa il film come un motivo carsico, fino a esplodere nel finale con una forza quasi liberatoria. Non come semplice accompagnamento musicale, ma come sintesi emotiva di tutto ciò che Alex e Tess non riescono a dirsi apertamente.

Presentato come una commedia, È l’ultima battuta? è in realtà un film sulle cicatrici che restano dopo l’amore. Bradley Cooper evita sentimentalismi e catarsi facili, preferendo sostare nell’incertezza, nei silenzi, nei piccoli gesti quotidiani. È lì che il film trova la sua verità più intensa: nella consapevolezza che certe relazioni, anche quando finiscono, continuano a occupare uno spazio permanente dentro chi le ha vissute.

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Dai laboratori immersivi del MUBA alle illusioni ottiche, passando per dinosauri, spazio e installazioni sensoriali: la città riscopre il museo come esperienza viva e partecipata

Milano continua a trasformare i propri spazi culturali in luoghi aperti all’immaginazione infantile. Musei interattivi, percorsi scientifici e installazioni multisensoriali ridisegnano il rapporto tra bambini, famiglie e apprendimento, lontano dall’idea tradizionale di visita museale.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

A Milano il museo non è più soltanto uno spazio da attraversare in silenzio. Negli ultimi anni la città ha costruito un’offerta culturale pensata anche per i più piccoli, trasformando l’esperienza museale in qualcosa di fisico, interattivo e spesso sorprendente. Non semplici attività collaterali dedicate alle famiglie, ma luoghi progettati per stimolare curiosità, creatività e partecipazione diretta.

Il caso più emblematico resta il MUBA – Museo dei Bambini Milano, ospitato dal 2014 negli spazi della Rotonda della Besana, antico complesso tardobarocco nel centro della città. Qui il principio educativo è quello del “hands on”, imparare facendo. Mostre-gioco, installazioni sensoriali e laboratori creativi trasformano il museo in un ambiente dinamico, dove i bambini possono sperimentare materiali, movimento e percezione. Il progetto Remida Milano, dedicato al riuso creativo di materiali industriali di scarto, rappresenta uno degli aspetti più interessanti del museo: un’educazione alla sostenibilità costruita attraverso il gioco e l’immaginazione.

Accanto al MUBA, il Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci continua a essere uno dei poli culturali più frequentati dalle famiglie. Con i suoi 50mila metri quadrati è tra i musei scientifici più grandi d’Europa e custodisce la più ampia esposizione permanente dedicata a Leonardo da Vinci. Ma il vero punto di forza è la capacità di tradurre contenuti complessi in esperienze accessibili: laboratori interattivi, realtà virtuale, aree dedicate allo spazio, ai trasporti e all’energia permettono ai bambini di entrare concretamente dentro la materia scientifica. Tra le attrazioni più amate restano il sottomarino Enrico Toti e i laboratori i.lab, progettati per fasce d’età differenti.

Milano ha poi intercettato la crescente popolarità dei musei immersivi e sensoriali. Il Museum of Senses e il Museo delle Illusioni lavorano sulla percezione visiva e corporea attraverso installazioni interattive, stanze deformanti, giochi di equilibrio e ambienti luminosi che trasformano il visitatore in parte attiva dell’esperienza. È una forma di intrattenimento culturale che parla soprattutto alle nuove generazioni cresciute dentro linguaggi visivi immediati e condivisibili.

Resta centrale anche il rapporto tra bambini e natura. Il Museo Civico di Storia Naturale, all’interno dei Giardini Indro Montanelli, continua a essere uno dei luoghi più amati dalle famiglie milanesi. Dinosauri, fossili, minerali, zoologia ed evoluzione umana convivono in un percorso che alterna rigore scientifico e capacità narrativa. Diorami realistici e installazioni interattive rendono il museo accessibile anche ai visitatori più piccoli, mentre il Paleolab esterno permette di simulare veri scavi paleontologici. L’ingresso gratuito per i minori e le aperture speciali della “Domenica al Museo” contribuiscono inoltre a renderlo uno spazio culturalmente inclusivo.

La trasformazione riguarda anche il modo in cui la città pensa gli spazi educativi. Milano sta investendo sempre più su luoghi ibridi dove cultura, gioco e socialità si intrecciano. Alcuni musei propongono campus, laboratori stagionali e percorsi didattici permanenti, mentre quartieri e parchi urbani vengono integrati in esperienze culturali diffuse. Il modello ricorda quello dei grandi children’s museums internazionali nati negli Stati Uniti alla fine dell’Ottocento e oggi presenti in centinaia di città nel mondo.

In questo scenario la cultura per l’infanzia smette di essere una nicchia pedagogica e diventa parte del tessuto contemporaneo della città. Milano sembra aver compreso che il museo del futuro non può limitarsi a conservare: deve coinvolgere, stimolare e creare memoria emotiva. Per i bambini, spesso, il primo incontro con l’arte o con la scienza passa proprio da qui – da una stanza immersiva, da un laboratorio tattile, da un dinosauro a grandezza naturale o da una macchina impossibile progettata da Leonardo. Ed è forse in quel momento che nasce il desiderio più importante: tornare ancora dentro un museo.

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Le posate progettate da Jens Quistgaard nel 1953 continuano a raccontare l’eleganza funzionale del design scandinavo tra artigianato, modernismo e cultura domestica

Linee essenziali, acciaio satinato e manici in teak scolpito. Il servizio Fiord Teak Flatware, nato nella Danimarca del dopoguerra, è diventato uno degli oggetti simbolo del design nordico del Novecento. Ancora oggi mantiene intatta la sua forza estetica e la sua sorprendente attualità.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

C’è qualcosa di estremamente contemporaneo nelle posate progettate da Jens Quistgaard oltre settant’anni fa. Guardandole oggi, sembrano nate dentro l’attuale ossessione per il minimalismo materico, per il ritorno agli oggetti durevoli e per quell’estetica calda che unisce funzionalità e natura. Eppure il servizio Fiord Teak Flatware appartiene al 1953, piena stagione del modernismo scandinavo.

L’immagine più riconoscibile del progetto è il contrasto tra l’acciaio satinato e il teak levigato dei manici. Nessun elemento decorativo superfluo, nessuna concessione ornamentale. Solo equilibrio, proporzione e una forte attenzione tattile. Il legno, scolpito con linee morbide che lasciano emergere le venature naturali, rende ogni pezzo quasi organico. È proprio questo dettaglio a distinguere il servizio creato da Quistgaard: la capacità di trasformare un oggetto quotidiano in una presenza domestica elegante ma mai ostentata.

Il designer danese Jens Harald Quistgaard, nato a Copenaghen nel 1919, è stato una delle figure centrali del design scandinavo del dopoguerra. Figlio di uno scultore, cresce in un ambiente legato all’artigianato e sviluppa presto una particolare attenzione per il rapporto tra forma e manualità. Negli anni Cinquanta diventa il principale autore creativo di Dansk International Designs, azienda fondata negli Stati Uniti da Ted Nierenberg con l’obiettivo di esportare il design nordico nel mercato americano.

Fiord Teak Flatware nasce proprio in quel contesto storico. Dopo essere stato notato all’Arts & Crafts Museum di Copenaghen, il servizio viene commercializzato negli Stati Uniti con il marchio Dansk International Designs e conosce rapidamente un grande successo. L’America degli anni Cinquanta stava ridefinendo il concetto di abitazione moderna: cucine aperte, spazi conviviali, design funzionale accessibile alla classe media. Le posate di Quistgaard intercettano perfettamente questa trasformazione culturale. Non sono oggetti aristocratici, ma strumenti d’uso quotidiano progettati con una sofisticazione silenziosa.

La forza del progetto sta anche nella sua ergonomia. Ogni elemento del servizio sembra costruito per adattarsi naturalmente alla mano. Le curve morbide del manico in teak compensano la freddezza dell’acciaio e introducono una dimensione quasi emotiva nell’esperienza della tavola. È il principio cardine del design scandinavo: la bellezza non separata dall’uso, ma incorporata nella funzione stessa.

Negli anni il servizio Fiord è diventato un oggetto da collezione molto ricercato, soprattutto nei mercati vintage internazionali. Alcuni pezzi originali prodotti negli anni Cinquanta e Sessanta raggiungono oggi quotazioni elevate nelle aste specializzate di modernariato nordico. Ma il vero motivo della sua longevità non è la rarità. È la sorprendente capacità di dialogare ancora con il presente.

In un’epoca dominata dal consumo rapido e dagli oggetti seriali privi di identità, il lavoro di Quistgaard continua a rappresentare un’idea diversa di design: durevole, tattile, profondamente umano. Fiord Teak Flatware non cerca di stupire con effetti scenografici. Funziona perché elimina tutto ciò che è superfluo e lascia spazio alla qualità dei materiali, alla precisione delle proporzioni, alla naturalezza del gesto quotidiano.

Forse è anche per questo che quelle posate, fotografate oggi su uno sfondo neutro come piccoli strumenti scultorei, sembrano ancora appartenere al futuro più che al passato.

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Nata in un piccolo borgo affacciato sul mare, la ricetta simbolo della cucina campana continua a conquistare chef e ristoranti internazionali grazie a un equilibrio sorprendente di semplicità e tecnica

Pochi ingredienti, nessuna spettacolarizzazione, un risultato diventato iconico. Gli spaghetti alla Nerano raccontano una parte precisa della cultura mediterranea: quella in cui la cucina povera incontra il paesaggio, la stagionalità e l’intelligenza del gesto culinario.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Le zucchine fritte arrivano per ultime, quasi all’improvviso, dentro una crema che non dovrebbe esistere senza panna e invece si forma soltanto grazie all’amido della pasta e al formaggio. È qui che gli spaghetti alla Nerano smettono di essere una semplice ricetta tradizionale e diventano una questione di equilibrio assoluto.

Il piatto nasce nella baia di Nerano, piccolo borgo marinaro della penisola sorrentina, frazione di Massa Lubrense, affacciato sulla Costiera Amalfitana. Secondo la versione più accreditata, la ricetta viene preparata per la prima volta negli anni Cinquanta nel ristorante Maria Grazia, ancora oggi uno degli indirizzi più celebri della zona. La proprietaria, Maria Grazia, avrebbe servito questi spaghetti a un gruppo di clienti improvvisando con ingredienti disponibili in cucina: zucchine locali, basilico, provolone e pasta. Da allora il piatto è diventato un simbolo della gastronomia campana.

La vera identità della Nerano, però, sta nella tecnica più che negli ingredienti. Le zucchine vengono tagliate sottili e fritte fino a raggiungere una consistenza dorata ma non croccante. Dopo il riposo rilasciano umidità e sapore, creando quella base vegetale che darà profondità al piatto. Il passaggio decisivo arriva durante la mantecatura: l’acqua amidacea della pasta emulsiona il formaggio e lega tutto in una crema lucida e avvolgente, senza bisogno di grassi aggiunti.

Sul formaggio si gioca da sempre la disputa più accesa. La tradizione indica il Provolone del Monaco DOP, prodotto tipico dei Monti Lattari dal sapore intenso e leggermente piccante. È proprio questa nota aromatica a creare il contrasto con la dolcezza delle zucchine. Alcune versioni moderne alleggeriscono il gusto usando parmigiano o caciocavallo, ma i puristi considerano il Provolone del Monaco l’elemento indispensabile della ricetta autentica.

Negli ultimi anni gli spaghetti alla Nerano sono usciti definitivamente dal perimetro regionale. Chef famosi li hanno esaltati in programmi televisivi internazionali dedicati alla cucina italiana, contribuendo a trasformare il piatto in un fenomeno globale. Anche molti ristoranti stellati hanno iniziato a reinterpretarlo, spesso introducendo varianti contemporanee con erbe aromatiche, burro acido o lavorazioni differenti delle zucchine. Eppure il fascino continua a stare nella sua apparente semplicità.

La cucina campana ha sempre avuto un rapporto particolare con i piatti essenziali. È una tradizione costruita sulla valorizzazione estrema di pochi ingredienti: pomodoro, pasta secca, latticini, ortaggi, olio extravergine. Gli spaghetti alla Nerano appartengono a questa grammatica gastronomica. Non cercano l’effetto scenografico ma lavorano su consistenze, temperatura e intensità aromatica.

Anche visivamente il piatto mantiene un’eleganza spontanea. Il verde tenue delle zucchine, il lucido della crema, il basilico fresco e il colore caldo della pasta costruiscono un’estetica immediatamente mediterranea. È probabilmente uno dei motivi del suo successo contemporaneo: la Nerano comunica autenticità senza bisogno di artifici.

In un momento storico in cui l’alta cucina guarda sempre più alle ricette territoriali e ai gesti tradizionali, questo piatto nato in una cucina affacciata sul mare continua a rappresentare un modello quasi perfetto di cucina italiana. Essenziale, tecnica, profondamente legata al territorio. E capace, ancora oggi, di trasformare ingredienti quotidiani in qualcosa che resta impresso molto più a lungo di un semplice pranzo estivo.

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Tra colline irpine, mineralità vulcanica e una longevità sorprendente, il Fiano continua a essere uno dei vini italiani più riconoscibili e raffinati

Profondo, floreale, sapido, capace di evolvere nel tempo senza perdere tensione. Il Fiano di Avellino è molto più di un grande bianco del Sud: è uno dei simboli più solidi della viticoltura italiana contemporanea, sospeso tra tradizione contadina e precisione enologica.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

L’Irpinia non concede scorci immediati. Le sue colline interne, lontane dalla teatralità costiera della Campania, hanno un carattere più severo, quasi appartato. È proprio da questa geografia meno spettacolare che nasce uno dei vini bianchi più complessi e longevi d’Italia: il Fiano di Avellino.

Chi lo assaggia per la prima volta rimane spesso colpito dalla sua doppia natura. Da una parte la freschezza netta, agrumata, floreale. Dall’altra una struttura profonda, quasi cremosa, accompagnata da una mineralità che richiama pietra bagnata, nocciola tostata e erbe mediterranee. Un bianco che riesce a essere elegante senza diventare esile.

Il vitigno Fiano ha origini antichissime. Secondo molti storici del vino deriverebbe dal vitis apiana, uva già apprezzata in epoca romana per la sua dolcezza aromatica, tanto da attirare le api – da qui il possibile legame etimologico con il nome. Documenti medievali attestano poi la presenza del vitigno in Campania già dal XIII secolo.

La denominazione Fiano di Avellino DOCG nasce ufficialmente nel 2003, ma il processo di valorizzazione del vino comincia molto prima, soprattutto grazie al lavoro di alcune cantine irpine che negli anni Ottanta e Novanta iniziano a puntare sulla qualità e sulla forte identità territoriale del vitigno. L’area di produzione comprende numerosi comuni della provincia di Avellino, tra cui Lapio, Montefredane, Summonte e Candida, territori caratterizzati da altitudini elevate, forti escursioni termiche e terreni di origine vulcanica.

È proprio questa combinazione geologica e climatica a definire il carattere del vino. Le escursioni termiche preservano acidità e profumi, mentre i suoli ricchi di minerali contribuiscono alla tensione sapida che rende il Fiano immediatamente riconoscibile. A differenza di molti bianchi mediterranei costruiti soprattutto sulla fragranza aromatica, il Fiano sviluppa complessità anche con l’invecchiamento. Alcune bottiglie evolvono magnificamente per oltre dieci anni, acquisendo note di miele, idrocarburi, spezie e frutta secca.

Negli ultimi anni il vino campano ha conosciuto una forte crescita internazionale. Critici e sommelier lo considerano uno dei bianchi italiani più versatili negli abbinamenti gastronomici. La sua struttura gli permette di sostenere piatti importanti senza perdere slancio. È particolarmente efficace con la cucina di mare, con i crostacei, con i latticini stagionati e con molte ricette simbolo della tradizione campana.

Tra gli abbinamenti più riusciti resta quello con gli spaghetti alla Nerano. Le note floreali e minerali del Fiano di Avellino, unite a una spiccata acidità, riescono infatti a sgrassare il palato ed esaltare la complessità del Provolone del Monaco, mantenendo equilibrio con la dolcezza delle zucchine fritte. È un incontro gastronomico che funziona perché nasce dentro la stessa cultura territoriale: quella campana, dove vino e cucina condividono paesaggio, clima e memoria collettiva.

Anche dal punto di vista estetico il Fiano sembra incarnare una certa idea contemporanea di eleganza italiana. Nessuna esuberanza aromatica costruita artificialmente, nessuna ricerca di immediatezza internazionale. Il suo stile resta misurato, progressivo, quasi introspettivo. Richiede attenzione, tempo, temperatura corretta, ossigenazione. In cambio restituisce profondità.

In un mercato globale sempre più orientato verso vini facili e immediati, il successo crescente del Fiano di Avellino racconta forse un desiderio opposto: quello di tornare a vini che abbiano una relazione autentica con il territorio da cui provengono. Ed è probabilmente questo il motivo per cui continua a conquistare appassionati, chef e sommelier ben oltre i confini italiani.

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Clive Cussler e Jack Du Brul riportano in scena il detective della Van Dorn Agency in un thriller storico che attraversa l’America del 1914 tra attentati, diplomazia e tensioni internazionali

Una nuova missione per Isaac Bell riaccende la macchina narrativa di Clive Cussler: inseguimenti, sabotaggi e geopolitica si intrecciano sullo sfondo della costruzione del Canale di Panama. Un romanzo d’avventura classico, costruito con ritmo cinematografico e precisione storica.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

La prima esplosione arriva quasi subito, nel cuore di San Diego, mentre il senatore J. William Densmore si prepara a sostenere pubblicamente uno dei progetti più ambiziosi dell’inizio Novecento: il completamento del Canale di Panama. A evitare il disastro è Isaac Bell, investigatore della Van Dorn Detective Agency, figura ormai centrale nell’universo narrativo creato da Clive Cussler. Da quel momento, I sabotatori accelera senza concedere tregua, trascinando il lettore dentro una rete di attentati, interessi economici e operazioni clandestine che mettono in discussione l’equilibrio politico degli Stati Uniti del 1914.

Pubblicato in Italia da Longanesi, il romanzo segna una nuova tappa della serie dedicata a Isaac Bell e vede la collaborazione di Jack Du Brul, autore che da anni contribuisce all’espansione dell’universo Cussleriano. La struttura è quella tipica del techno-thriller storico che ha reso celebre Cussler: un intreccio rapido, capitoli brevi, continui cambi di scenario e una forte attenzione agli apparati tecnologici dell’epoca, dai treni blindati ai sistemi di comunicazione telegrafica.

Questa volta il centro della vicenda è Panama, territorio cruciale per la strategia economica americana. Il Canale, inaugurato ufficialmente nel 1914 dopo anni di lavori e migliaia di vittime causate da incidenti e malattie tropicali, rappresentò uno spartiacque nella storia del commercio mondiale. Collegando Atlantico e Pacifico, ridusse drasticamente i tempi di navigazione e consolidò l’influenza statunitense nell’area centroamericana. È proprio su questo snodo geopolitico che Cussler costruisce il romanzo, trasformando un episodio storico reale in un’arena narrativa attraversata da sabotatori, rivoluzionari e uomini d’affari senza scrupoli.

Le cosiddette “Vipere Rosse”, gruppo insurrezionale che si oppone all’espansione americana, diventano il bersaglio iniziale dell’indagine di Bell. Ma come spesso accade nei romanzi della serie, la superficie nasconde un sistema più complesso di alleanze e tradimenti. Il detective della Van Dorn Agency si muove allora tra Panama, Washington e la costa occidentale americana cercando di ricostruire una trama che coinvolge interessi finanziari enormi e potrebbe compromettere il futuro di due nazioni.

Isaac Bell continua a funzionare perché è costruito come un eroe d’altri tempi, ma privo della rigidità nostalgica di molto adventure contemporaneo. Elegante, intuitivo, metodico, Bell conserva qualcosa dei detective classici della letteratura americana e insieme del protagonista cinematografico moderno. La Van Dorn Agency, chiaramente ispirata alla storica Pinkerton National Detective Agency, offre inoltre alla saga una dimensione quasi proto-industriale dell’investigazione privata, dove tecnologia e intelligence iniziano a sovrapporsi.

Lo stile di Cussler resta fedele alla propria identità narrativa: dialoghi essenziali, descrizioni funzionali e una gestione dell’azione che privilegia la leggibilità assoluta. Non c’è ricerca di introspezione sofisticata né ambizione letteraria in senso stretto. Il motore è il ritmo. Ed è proprio questa chiarezza narrativa a spiegare il successo globale dell’autore americano, morto nel 2020 dopo aver venduto oltre cento milioni di copie nel mondo e aver trasformato il romanzo avventuroso in un marchio riconoscibile anche fuori dall’editoria di genere.

Dentro I sabotatori sopravvive anche una certa idea di narrativa popolare novecentesca: quella che mette insieme precisione storica, immaginazione geopolitica e intrattenimento puro. Una formula che oggi può sembrare classica, ma che continua a funzionare grazie alla capacità di tenere insieme documentazione e spettacolo senza appesantire la lettura. In questo senso il romanzo non cerca di reinventare la saga di Isaac Bell: preferisce consolidarne il fascino, riportando il lettore in un’America attraversata da locomotive, intrighi federali e uomini disposti a tutto pur di controllare il futuro del commercio mondiale.

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Toni Servillo interpreta un Presidente della Repubblica alla fine del mandato in un film che intreccia politica, fede e memoria personale

Un Quirinale silenzioso, decisioni irreversibili e il peso morale della grazia presidenziale. Paolo Sorrentino costruisce un dramma elegante e malinconico che riporta al centro il rapporto tra responsabilità pubblica e fragilità privata.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

C’è un momento, in La grazia, in cui Mariano De Santis osserva Roma dall’alto delle stanze presidenziali senza riuscire davvero a guardarla. Paolo Sorrentino apre così il suo nuovo film: non con la spettacolarità barocca che spesso gli viene attribuita, ma con una sospensione emotiva quasi trattenuta. Il protagonista interpretato da Toni Servillo è un Presidente della Repubblica vicino alla fine del mandato, un uomo delle istituzioni consumato da dubbi morali e memorie personali che tornano a galla proprio mentre il Paese gli chiede decisioni definitive.

Il film, presentato come apertura dell’82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e candidato al Leone d’oro, segna la settima collaborazione tra Sorrentino e Servillo, coppia che negli anni ha ridefinito una parte importante del cinema italiano contemporaneo. Dopo Il divo e La grande bellezza, i due tornano a confrontarsi con il tema del potere, ma questa volta abbandonano il cinismo spettacolare per lavorare su un registro più sommesso, quasi elegiaco.

Mariano De Santis è un giurista rigoroso, vedovo, cattolico osservante. Alla vigilia del congedo dal Quirinale riceve tre dossier destinati a incrinare le sue certezze: due richieste di grazia per detenuti condannati per omicidio e una delicata legge sul fine vita. Da qui prende forma il cuore del racconto. Sorrentino evita il thriller politico e preferisce muoversi dentro una crisi interiore che lentamente diventa crisi istituzionale. Le decisioni del Presidente finiscono infatti per intrecciarsi con il lutto, con il senso della colpa e con una domanda che attraversa tutto il film: quanto pesa davvero il giudizio morale quando si è chiamati a decidere del destino degli altri?

Accanto a Servillo, Anna Ferzetti interpreta Dorotea, figlia del Presidente e giurista a sua volta. È lei il contrappunto razionale di un uomo che progressivamente perde il controllo delle proprie convinzioni. Il loro rapporto è uno degli elementi più riusciti del film: dialoghi asciutti, tensione trattenuta, affetto mai esibito. Attorno a loro si muove un cast che comprende Orlando Cinque, Massimo Venturiello e Milvia Marigliano, figure che Sorrentino utilizza come presenze simboliche più che come semplici personaggi narrativi.

Visivamente La grazia conserva l’impronta del regista napoletano, ma con una misura diversa rispetto agli eccessi estetici di Parthenope. La fotografia di Daria D’Antonio lavora su toni freddi e superfici opache, mentre Roma appare quasi svuotata, trasformata in uno spazio mentale. Le inquadrature dei corridoi del Quirinale, le cerimonie ufficiali attraversate dalla pioggia, le sale monumentali improvvisamente silenziose diventano immagini di isolamento più che di potere. Anche la musica viene usata con parsimonia, alternando momenti solenni a improvvise aperture ironiche tipicamente sorrentiniane.

Dietro il film esiste anche un riferimento reale. Sorrentino ha dichiarato di essersi ispirato a un caso di grazia concesso dal Presidente Sergio Mattarella a un uomo condannato per l’uccisione della moglie malata di Alzheimer. Un episodio che riporta al centro il tema dell’eutanasia e della responsabilità individuale, già molto discusso nel dibattito pubblico italiano degli ultimi anni. Nel film, però, il dato politico non diventa mai manifesto ideologico. Rimane piuttosto uno sfondo morale su cui si misura la solitudine del protagonista.

Quello che colpisce maggiormente è il modo in cui Sorrentino torna a interrogare la vecchiaia, la malinconia e la perdita senza indulgere nell’autocompiacimento. La grazia è un film attraversato da fantasmi privati, ma capace di parlare anche del presente italiano: del rapporto tra etica e istituzioni, della fragilità della politica, della difficoltà contemporanea di assumersi responsabilità definitive. Toni Servillo regge tutto con una recitazione calibrata, fatta di esitazioni minime e silenzi più eloquenti delle parole.

Alla fine resta la sensazione di un cinema che cerca ancora il dubbio invece della sentenza. E forse il titolo scelto da Sorrentino contiene proprio questo: la grazia come atto giuridico, certo, ma anche come possibilità fragile di comprensione umana.

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A Bagnaia, alle porte di Viterbo, una delle più straordinarie ville italiane del Cinquecento continua a raccontare il rapporto tra natura, geometria e potere

Fontane scenografiche, terrazze simmetriche e giochi d’acqua concepiti come una partitura visiva. Villa Lante conserva intatta l’idea rinascimentale del giardino perfetto, trasformando il paesaggio in un’esperienza estetica ancora sorprendente.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

L’acqua scende lenta lungo la Catena d’Acqua, attraversa vasche scolpite, sfiora pietre vulcaniche e disegna il cuore geometrico di uno dei giardini più raffinati del Rinascimento italiano. A Bagnaia, piccolo borgo nei pressi di Viterbo, Villa Lante continua a esercitare lo stesso fascino che colpiva ambasciatori, cardinali e viaggiatori europei già nel XVI secolo. Qui la natura non viene semplicemente decorata: viene organizzata, controllata, trasformata in linguaggio politico e simbolico.

La villa nacque per volontà del cardinale Gianfrancesco Gambara, che intorno al 1566 affidò il progetto a Jacopo Barozzi da Vignola, uno dei grandi protagonisti dell’architettura manierista italiana. A differenza di molte residenze nobiliari dell’epoca, però, il fulcro del complesso non è l’edificio principale. Villa Lante ruota attorno al giardino. Le due palazzine gemelle – i cosiddetti Casino Gambara e Casino Montalto – sembrano quasi accompagnare scenograficamente il percorso verde, lasciando all’acqua e alla prospettiva il vero ruolo da protagonisti.

Quello che ancora oggi colpisce è l’impressione di equilibrio assoluto. Ogni terrazza, fontana o siepe segue un ordine preciso, pensato per rappresentare il dominio della ragione sulla natura selvaggia. È una concezione pienamente rinascimentale, influenzata dalla cultura neoplatonica e dall’idea del giardino come immagine ideale del cosmo. Camminando tra i viali si percepisce chiaramente questa ricerca di armonia: nulla appare casuale, eppure il risultato conserva una sorprendente leggerezza visiva.

Il percorso dell’acqua è l’elemento più spettacolare del complesso. Dalle pendici del colle l’acqua scende attraverso una successione di giochi idraulici che culminano nella Fontana dei Mori, attribuita a Giambologna. Le quattro figure scolpite sostengono lo stemma cardinalizio al centro della vasca, mentre tutto attorno si apre uno spazio teatrale che sembra concepito per la meraviglia degli ospiti. Ancora più celebre è la Mensa del Cardinale, un lungo tavolo di pietra attraversato da un canale d’acqua corrente utilizzato per raffreddare vino e vivande durante i banchetti estivi. Un dettaglio che racconta perfettamente quanto estetica e funzione convivessero nell’idea rinascimentale di lusso.

Villa Lante appartiene oggi al circuito dei giardini storici italiani gestiti dal Ministero della Cultura ed è considerata uno degli esempi meglio conservati di giardino manierista europeo. Nel corso dei secoli ha attraversato periodi di abbandono, restauri e trasformazioni, mantenendo però intatta la propria identità scenografica. Molti storici dell’arte la considerano persino superiore, per purezza compositiva, a ville più celebri come Villa d’Este, proprio per la capacità di fondere architettura e paesaggio in un unico disegno coerente.

Il rapporto con il territorio della Tuscia resta fondamentale. I boschi, le cave di peperino e la presenza costante dell’acqua contribuiscono a creare un’atmosfera diversa rispetto alle grandi ville romane. Qui il Rinascimento perde la monumentalità urbana e acquista una dimensione più intima, quasi contemplativa. Non sorprende che Villa Lante continui a essere studiata da architetti del paesaggio e storici dei giardini come un modello di progettazione ancora attualissimo.

Visitandola oggi si ha la sensazione di entrare in un luogo dove il tempo procede secondo un ritmo differente. Le fontane continuano a scandire lo spazio con lo stesso suono pensato cinquecento anni fa, mentre la geometria dei viali restituisce un’idea di ordine che appartiene tanto all’arte quanto alla filosofia. Villa Lante rimane questo: un capolavoro costruito per trasformare la natura in pensiero visibile.

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Dall’argenteria di Georg Jensen agli oggetti industriali del dopoguerra, il designer svedese ha attraversato il Novecento ridefinendo l’equilibrio tra eleganza, funzione e produzione di massa

Linee essenziali, superfici morbide e un’idea di bellezza costruita per entrare nella vita quotidiana. Sigvard Bernadotte ha portato il design scandinavo fuori dai salotti aristocratici, trasformandolo in un modello internazionale di modernità accessibile.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Il tratto più sorprendente di Sigvard Bernadotte non era il titolo nobiliare, ma la capacità di disegnare un oggetto semplice facendolo apparire inevitabile. Una caffettiera, un servizio da tè, una maniglia, una radio: tutto sembrava ridotto all’essenziale senza perdere eleganza. In questo equilibrio tra rigore e morbidezza visiva si è costruita gran parte della sua influenza sul design del Novecento.

Nato a Stoccolma nel 1907, Sigvard Bernadotte apparteneva alla famiglia reale svedese. Figlio del futuro re Gustavo VI Adolfo, avrebbe potuto limitarsi al ruolo istituzionale. Scelse invece il progetto industriale, diventando uno dei protagonisti della modernità scandinava. Dopo gli studi alla Konstfack di Stoccolma, entrò nel mondo del design negli anni Trenta collaborando con Georg Jensen, storica maison danese dell’argenteria fondata nel 1904 dall’omonimo scultore e artigiano. Fu un passaggio decisivo.

Per Georg Jensen, Bernadotte introdusse una visione più razionale rispetto alle decorazioni Art Nouveau che avevano reso celebre il marchio. Le sue creazioni portarono nella produzione danese il linguaggio funzionalista che si stava diffondendo nel Nord Europa: linee aerodinamiche, superfici scanalate, geometrie pulite. Il celebre servizio “Bernadotte”, ancora oggi in produzione, nacque proprio da questa idea di eleganza disciplinata, capace di fondere lusso e praticità quotidiana.

La sua carriera cambiò definitivamente nel 1934, quando sposò Erica Patzek, matrimonio che gli costò il titolo di principe reale svedese perché celebrato senza l’approvazione della Corona. Bernadotte trasformò però quella rottura in libertà creativa. Da quel momento il design divenne il suo vero territorio d’azione. Nel dopoguerra fondò insieme all’architetto danese Acton Bjørn uno degli studi industriali più influenti della Scandinavia, contribuendo a definire l’identità del cosiddetto Scandinavian Design.

Gli anni Cinquanta e Sessanta furono il periodo della consacrazione internazionale. Bernadotte progettò praticamente di tutto: utensili da cucina, elettrodomestici, posate, lampade, frigoriferi, macchine fotografiche, packaging industriale. La sua forza stava nella capacità di adattare il linguaggio estetico alla produzione seriale senza impoverirlo. In un’epoca in cui il design europeo cercava di conciliare industria e qualità formale, il modello nordico appariva particolarmente avanzato: democratico, funzionale, privo di ostentazione.

L’influenza del Bauhaus e del funzionalismo tedesco è evidente, ma Bernadotte riuscì ad addolcire quel rigore con una sensibilità tipicamente scandinava. Le sue forme non sono mai fredde. Anche quando lavorano sulla simmetria o sulla riduzione geometrica, mantengono una dimensione tattile, domestica, pensata per la vita reale. È questa forse la ragione per cui molti suoi oggetti continuano a sembrare contemporanei.

Accanto a figure come Arne Jacobsen, Alvar Aalto e Hans Wegner, Bernadotte contribuì a costruire l’immagine internazionale del design nordico come sintesi di sobrietà, funzionalità e benessere sociale. Ma rispetto ad altri grandi maestri della sua generazione, rimase più vicino al mondo dell’industria che a quello dell’architettura d’autore. I suoi progetti nascevano per essere usati, prodotti, distribuiti su larga scala.

Oggi il nome Bernadotte continua a vivere soprattutto attraverso le riedizioni di Georg Jensen, che hanno riportato al centro l’estetica scanalata e minimale dei suoi lavori più celebri. Quello che colpisce, osservandoli, è la loro resistenza al tempo. Non cercano l’effetto iconico immediato, non inseguono la provocazione formale. Sembrano invece progettati per durare dentro le abitudini quotidiane, che è forse la forma più difficile di modernità.

In fondo Sigvard Bernadotte ha incarnato perfettamente il passaggio del design europeo dall’artigianato aristocratico alla cultura industriale contemporanea. E lo ha fatto con una discrezione quasi nordica: eliminando il superfluo fino a lasciare soltanto la forma necessaria.

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