Tag: Home

Allen Levi firma un esordio sorprendente, diventato un fenomeno editoriale internazionale grazie al passaparola. Al centro della storia c’è un anziano sconosciuto che trasforma un’intera comunità con un gesto semplice, capace di riaccendere memoria, fiducia ed empatia.

Un uomo arriva senza fare rumore in una piccola cittadina del Sud degli Stati Uniti. Da quel momento prende forma un racconto corale in cui ogni incontro diventa occasione di ascolto e ogni ritratto restituito riporta alla luce una storia. “Theo da Golden” è un romanzo sulla forza discreta della gentilezza e sul bisogno universale di essere davvero visti.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

C’è qualcosa di profondamente controcorrente nel successo di Theo da Golden. In un’epoca dominata dalla velocità e dalla ricerca dell’effetto immediato, il primo romanzo di Allen Levi conquista i lettori con un ritmo misurato, una scrittura attenta ai dettagli e una fiducia ostinata nella capacità degli esseri umani di riconoscersi gli uni negli altri. Un esordio letterario che, nato lontano dai grandi circuiti editoriali, ha costruito la propria fortuna attraverso il passaparola fino a diventare uno dei casi editoriali più sorprendenti degli ultimi anni.

La vicenda prende avvio in una mattina di primavera, quando un uomo molto anziano arriva a Golden, una tranquilla cittadina del Sud degli Stati Uniti. Di lui si sa pochissimo. Si presenta con il nome di Theo, non offre spiegazioni sul proprio passato e lascia intendere soltanto di avere alcuni “affari da sistemare”. L’apparente semplicità di questo ingresso nasconde però una storia destinata a modificare gli equilibri dell’intera comunità.

La svolta avviene all’interno di una caffetteria del centro, dove Theo rimane affascinato da una collezione di novantadue ritratti a matita raffiguranti gli abitanti del paese, realizzati da un artista locale con straordinaria sensibilità. Decide allora di acquistarli tutti, uno dopo l’altro, con l’intenzione di restituire ciascun ritratto alla persona rappresentata. È un gesto apparentemente minimo, ma che diventa il motore di una lunga serie di incontri destinati a cambiare la vita di chi li vive.

Allen Levi costruisce così un romanzo corale nel quale ogni consegna apre una porta sulla memoria, sulle ferite, sulle speranze e sulle relazioni dei protagonisti. Theo ascolta più di quanto parli, osserva con discrezione, coglie le fragilità invisibili che gli altri hanno imparato a nascondere. La sua presenza diventa un catalizzatore: amicizie inattese prendono forma, vecchi rancori si attenuano, persone rimaste ai margini della comunità ritrovano finalmente uno spazio di riconoscimento. La gentilezza non viene presentata come sentimentalismo, ma come una pratica concreta capace di modificare la realtà.

Il romanzo non rinuncia però alla dimensione narrativa del mistero. L’identità di Theo resta avvolta nell’incertezza per buona parte della storia, mentre affiorano indizi che rimandano a un legame lontano e a un destino destinato a compiersi senza clamore. Questa componente mantiene viva la tensione del racconto senza oscurarne il nucleo emotivo, fondato sull’incontro tra persone comuni e sul valore delle loro storie quotidiane.

Il percorso editoriale dell’opera è quasi sorprendente quanto la sua trama. Allen Levi, nato a Columbus, in Georgia, dopo gli studi in Giurisprudenza ha esercitato la professione di avvocato per circa dieci anni prima di dedicarsi completamente alla musica, pubblicando oltre venti album e centinaia di canzoni. Theo da Golden è il suo debutto nella narrativa: inizialmente autopubblicato, il romanzo ha conquistato un pubblico sempre più vasto grazie alle raccomandazioni dei lettori, fino a essere acquisito da una grande casa editrice e distribuito in decine di Paesi. Oggi le copie vendute hanno superato i due milioni e mezzo e il libro è diventato un autentico fenomeno internazionale.

Ciò che rende memorabile Theo da Golden non è soltanto la sua costruzione narrativa, ma la capacità di ricordare che ogni persona custodisce una storia degna di essere ascoltata. Levi evita il moralismo e sceglie invece la forza dei piccoli gesti, quelli che raramente fanno notizia ma che, nella vita reale, possono cambiare il modo in cui guardiamo gli altri e noi stessi. È forse proprio questa fiducia nell’umanità, raccontata con misura e autenticità, ad aver trasformato un romanzo nato quasi in silenzio in uno dei casi editoriali più significativi degli ultimi anni.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Dal romanzo di Giani Stuparich nasce un film ambientato nella Trieste del 2007, dove l’arrivo di una studentessa svedese incrina gli equilibri di una classe tutta maschile. Un’opera che osserva l’adolescenza con autenticità, evitando stereotipi e facili moralismi.

L’ultimo anno di liceo diventa il luogo in cui si ride, ci si scontra, ci si innamora e si scopre chi si vuole diventare. Laura Samani firma un adattamento libero ma fedele allo spirito del testo di Giani Stuparich, facendo di Trieste una protagonista silenziosa del racconto.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

L’ingresso di una ragazza in una classe composta esclusivamente da ragazzi basta a cambiare il ritmo di un’intera storia. È questa l’intuizione narrativa da cui prende forma Un anno di scuola, il nuovo film di Laura Samani, tratto dall’omonimo racconto di Giani Stuparich, uno dei maggiori scrittori triestini del Novecento. La regista friulana, già apprezzata per Piccolo corpo, torna a raccontare l’età delle trasformazioni scegliendo ancora una volta un linguaggio essenziale, capace di restituire emozioni senza enfasi e di affidare ai gesti più che alle parole il peso della narrazione.

La vicenda è ambientata nel settembre del 2007. Fredrika, diciottenne svedese, arriva a Trieste dopo il trasferimento del padre, chiamato a dirigere una difficile ristrutturazione aziendale. L’iscrizione a un istituto tecnico frequentato esclusivamente da studenti maschi rompe immediatamente gli equilibri di una compagnia formata da Pasini, Mitis e Antero. Da tre diventano quattro, e quel nuovo assetto modifica amicizie, rivalità, desideri e rapporti di forza. Fred, come viene subito ribattezzata dai compagni, entra nel gruppo con naturalezza, ma la sua presenza costringe tutti a confrontarsi con un’identità ancora in costruzione e con sentimenti che nessuno aveva davvero imparato a riconoscere.

Il film conserva lo spirito del racconto di Stuparich, pubblicato nel 1929 e ispirato ai ricordi giovanili dell’autore nella Trieste asburgica di inizio Novecento, ma trasferisce l’azione all’inizio degli anni Duemila. Questa scelta non altera il nucleo del testo originale: le dinamiche dell’adolescenza, il difficile passaggio all’età adulta e il confronto tra desiderio di appartenenza e bisogno di affermare la propria individualità restano sorprendentemente attuali. La figura di Fredrika, proveniente dalla Svezia, introduce inoltre un diverso sguardo sui rapporti tra ragazzi e ragazze, suggerendo un confronto culturale con una società dove la parità di genere è vissuta con maggiore naturalezza.

Uno dei maggiori punti di forza dell’opera è il modo in cui Laura Samani osserva i suoi protagonisti. Non ci sono eroi né antagonisti, ma adolescenti ancora plasmabili, attraversati da entusiasmi improvvisi, fragilità e contraddizioni. La regista sceglie interpreti alla loro prima esperienza cinematografica, ottenendo una spontaneità che rende ogni dialogo credibile e ogni silenzio significativo. La recitazione evita qualsiasi artificio, lasciando emergere la vitalità di un gruppo che cresce davanti agli occhi dello spettatore.

Anche Trieste assume un ruolo fondamentale. Le sue strade, i caffè, il mare, i quartieri e gli spazi dell’Istituto Galvani non costituiscono un semplice sfondo, ma accompagnano il percorso dei protagonisti, amplificando il senso di una città da sempre sospesa tra culture, lingue e identità diverse. Questa dimensione di confine, caratteristica della storia triestina, dialoga con quella dei personaggi, anch’essi in bilico tra ciò che sono stati e ciò che diventeranno.

La fotografia privilegia la luce naturale e una messa in scena sobria, mentre la colonna sonora accompagna il racconto senza sovrastarlo. Samani evita le convenzioni di molto cinema adolescenziale contemporaneo, rinunciando a effetti spettacolari e conflitti esasperati. L’adolescenza viene raccontata come un tempo di scoperta, di errori e di libertà, senza indulgere né nel sentimentalismo né nella cronaca nera che spesso domina le narrazioni dedicate ai giovani. Il lungo piano sequenza conclusivo sintetizza questa poetica: restituisce a Fredrika il proprio nome e il proprio spazio, trasformando il finale in un momento di autentica consapevolezza.

Presentato nel 2025 e distribuito nelle sale italiane nel 2026, Un anno di scuola conferma Laura Samani tra le voci più interessanti del nuovo cinema italiano. Il suo adattamento non si limita a trasporre un classico della letteratura triestina, ma lo rinnova con sensibilità contemporanea, dimostrando come le domande che accompagnano la fine dell’adolescenza – l’identità, l’amicizia, il desiderio, la paura di crescere – continuino ad attraversare ogni generazione con la stessa forza.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Tra colline disegnate dai vigneti, borghi medievali, castelli e sapori che hanno conquistato il mondo, il cuore del Piemonte custodisce un patrimonio in cui natura, storia e lavoro dell’uomo convivono in perfetto equilibrio.

Visitare Langhe, Monferrato e Roero significa attraversare un territorio che racconta secoli di civiltà contadina e di eccellenza enologica. Un viaggio tra paesaggi riconosciuti dall’UNESCO, grandi vini, letteratura e tradizioni gastronomiche che continuano a definire l’identità di questa parte d’Italia.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Le colline cambiano colore con le stagioni, ma non perdono mai la loro armonia. Filari ordinati, castelli che dominano i crinali, piccoli borghi raccolti attorno a una piazza e strade che sembrano seguire il ritmo naturale del paesaggio: Langhe, Monferrato e Roero rappresentano uno dei territori più riconoscibili d’Europa, dove il rapporto tra uomo e natura ha prodotto un equilibrio che va ben oltre l’agricoltura. Dal 2014 i Paesaggi vitivinicoli del Piemonte sono iscritti nella Lista del Patrimonio Mondiale UNESCO, un riconoscimento che valorizza non solo la qualità dei vini, ma una cultura millenaria costruita attorno alla vite, all’architettura rurale e alla sapienza contadina.

Quando si parla di Langhe si pensa subito ad Alba, ma il territorio è molto più articolato. La Bassa Langa, dominata dai vigneti del Nebbiolo, ospita località celebri come Barolo, Barbaresco, La Morra, Monforte d’Alba e Serralunga d’Alba. L’Alta Langa, invece, sale verso quote più elevate, tra boschi, noccioleti e piccoli centri che conservano un carattere più appartato. A est si estende la Langa Astigiana, dove il paesaggio si fonde con quello del Monferrato, creando un mosaico di colline che cambiano continuamente aspetto.

Alba rappresenta il naturale punto di partenza. Fondata dai Romani come Alba Pompeia, conserva ancora oggi l’impianto medievale che le valse il soprannome di “Città delle Cento Torri”. È anche il centro simbolico della gastronomia locale, tanto da essere stata riconosciuta dall’UNESCO come Città Creativa per la Gastronomia. In autunno richiama visitatori da tutto il mondo grazie alla Fiera Internazionale del Tartufo Bianco, uno degli appuntamenti gastronomici più prestigiosi d’Europa. Qui la cucina piemontese trova alcune delle sue espressioni più celebri: tajarin, ravioli del plin, carne cruda battuta al coltello e naturalmente il tartufo, protagonista di una tradizione che unisce ricerca, territorio e alta ristorazione.

Pochi chilometri separano Alba da Barolo e Barbaresco, nomi che identificano tanto i borghi quanto i vini che li hanno resi famosi nel mondo. Il Barolo nasce esclusivamente da uve Nebbiolo coltivate in undici comuni, mentre il Barbaresco viene prodotto in un’area più contenuta, caratterizzata da un’espressione diversa dello stesso vitigno. Le cantine, molte delle quali aperte alle visite, raccontano una storia fatta di innovazione e tradizione, dove tecniche secolari convivono con le più moderne pratiche enologiche. A Barolo merita una visita il WiMu – Museo del Vino, ospitato nel Castello Falletti, che ripercorre il rapporto tra l’uomo e la cultura vitivinicola attraverso un allestimento multimediale.

Il Roero, sulla riva sinistra del Tanaro, offre un paesaggio differente. Le celebri Rocche, profonde incisioni create dall’erosione nel corso dei millenni, conferiscono a quest’area un aspetto quasi spettacolare, alternando boschi, pareti sabbiose e vigneti. Meno frequentato rispetto alle Langhe, il Roero conserva un carattere autentico, fatto di castelli, sentieri naturalistici e piccoli centri dove il tempo sembra procedere con maggiore lentezza. Qui nasce anche il Roero Arneis, uno dei più importanti vini bianchi piemontesi.

Il Monferrato completa questo straordinario triangolo culturale con un paesaggio più dolce e diffuso, costellato di borghi storici, infernot scavati nella pietra da cantoni e grandi produzioni vinicole legate soprattutto alla Barbera e al Moscato. Tra Canelli, patria dello spumante italiano moderno, e le colline attorno a Nizza Monferrato si sviluppa una tradizione enologica che ha contribuito in modo decisivo all’identità del Piemonte. Proprio Canelli custodisce le celebri “cattedrali sotterranee”, immense cantine storiche scavate nel tufo dove maturano milioni di bottiglie di spumante.

Il fascino di questi territori non dipende soltanto dal vino. Le Langhe sono anche la terra letteraria di Cesare Pavese e Beppe Fenoglio, che proprio tra queste colline hanno ambientato pagine fondamentali della narrativa italiana del Novecento. Le loro opere restituiscono un paesaggio umano prima ancora che geografico, fatto di memoria, lavoro, Resistenza e appartenenza. È questa stratificazione culturale, insieme alla qualità del paesaggio, a rendere Langhe, Monferrato e Roero molto più di una meta enogastronomica: un luogo dove ogni collina racconta una storia e ogni vigneto conserva il segno di una civiltà che continua a rinnovarsi senza perdere la propria identità.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Con la collezione disegnata da Patrick Jouin nel 2010, Puiforcat rinnova la propria tradizione trasformando un oggetto quotidiano in un esercizio di equilibrio tra funzionalità, ergonomia e ricerca formale. Un progetto che ha trovato posto anche nelle collezioni dei grandi musei del design.

Linee tese come una cresta alpina, superfici che modellano la luce e una sorprendente attenzione all’esperienza d’uso. Zermatt non è semplicemente un servizio di posate, ma un manifesto del design contemporaneo capace di dialogare con la grande tradizione dell’argenteria francese.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Osservare una posata raramente significa interrogarsi sul progetto che l’ha generata. Eppure esistono oggetti capaci di trasformare un gesto quotidiano in un’esperienza estetica. È il caso di Zermatt, il servizio disegnato nel 2010 dal designer francese Patrick Jouin per la storica maison Puiforcat, una collezione che sintetizza rigore geometrico, innovazione tecnica e raffinatezza artigianale in un linguaggio essenziale, destinato a diventare un riferimento del design contemporaneo.

Fondata a Parigi nel 1820, Puiforcat rappresenta uno dei nomi più prestigiosi dell’alta oreficeria francese. La maison deve gran parte della propria fama a Jean Puiforcat, maestro argentiere che negli anni Trenta contribuì a ridefinire il gusto Art Déco applicandolo agli oggetti della tavola attraverso forme pure, proporzioni rigorose e una ricerca costante dell’essenzialità. Patrick Jouin raccoglie questa eredità senza limitarvisi, reinterpretandola con un linguaggio attuale che conserva il rispetto per la tradizione ma guarda con decisione al design del XXI secolo.

La collezione prende il nome da Zermatt, la celebre località svizzera ai piedi del Cervino. Proprio la silhouette della montagna ispira il profilo delle posate: superfici sfaccettate, linee nette e una nervatura centrale che attraversa ogni elemento, amplificandone la tridimensionalità attraverso raffinati giochi di luce. L’acciaio lucidato riflette l’ambiente con continuità, trasformando cucchiaio, forchetta e coltello in piccoli volumi scultorei, dove ogni spigolo contribuisce alla percezione dell’oggetto.

Realizzato in acciaio inox 18/10 e 13/10 e rifinito interamente a mano, il servizio introduce una novità importante nella produzione Puiforcat. Tradizionalmente associata all’argento massiccio, la maison sceglie infatti l’acciaio come materiale principale, coniugando resistenza, praticità e qualità estetica. La decisione segna un passaggio significativo: il lusso non coincide più soltanto con il materiale prezioso, ma con l’intelligenza del progetto, la precisione costruttiva e il piacere dell’uso quotidiano.

Ogni dettaglio nasce da una precisa riflessione funzionale. La forchetta adotta tre rebbi anziché quattro, richiamando alcune celebri creazioni di Jean Puiforcat e facilitando al tempo stesso la pulizia. Il coltello costituisce probabilmente l’elemento più originale dell’intera serie: il manico si sviluppa come naturale prosecuzione della lama e la sua particolare geometria permette di appoggiarlo sul tavolo mantenendo il filo sollevato dalla tovaglia. Una soluzione elegante che rende superfluo il tradizionale poggia-coltello e sottolinea la continuità tra funzione e forma. Anche il cucchiaio abbandona qualsiasi distinzione evidente tra conca e impugnatura, presentandosi come un unico volume modellato con assoluta fluidità.

Patrick Jouin, nato a Nantes nel 1967 e formatosi all’École Nationale Supérieure de Création Industrielle di Parigi, è considerato uno dei maggiori protagonisti del design francese contemporaneo. Dopo aver collaborato con Philippe Starck, ha sviluppato una produzione che spazia dall’arredo agli oggetti d’uso, fino agli interni di alcuni dei più celebri ristoranti dello chef Alain Ducasse. Nei suoi progetti convivono ricerca tecnologica, sperimentazione formale e una particolare attenzione all’ergonomia, qualità che nella collezione Zermatt trovano una delle espressioni più compiute.

Il riconoscimento internazionale non ha tardato ad arrivare. Le posate Zermatt sono entrate nella collezione permanente del Centre Pompidou di Parigi e figurano in altri importanti musei dedicati al design e alle arti decorative. È un risultato che conferma come un oggetto apparentemente semplice possa assumere un valore culturale quando riesce a ridefinire il rapporto tra estetica e funzione.

A distanza di oltre quindici anni dalla sua presentazione, Zermatt conserva intatta la propria modernità. Non cerca effetti spettacolari né decorazioni superflue, ma dimostra come la qualità del design risieda nella capacità di migliorare i gesti più comuni attraverso forme essenziali e perfettamente risolte. È questa discreta perfezione a fare della collezione di Patrick Jouin uno dei più significativi esempi di design per la tavola del nuovo millennio.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Un piatto che unisce la ricchezza del ragù, la morbidezza della ricotta e un formato di pasta diventato simbolo della tradizione partenopea. Dietro una ricetta apparentemente semplice si nasconde una storia che attraversa secoli di cultura gastronomica.

I Manfredi con la ricotta rappresentano uno dei grandi classici della cucina campana. Preparati nelle ricorrenze familiari e soprattutto nel periodo di Carnevale, raccontano una tradizione in cui storia, convivialità e gusto continuano a intrecciarsi sulla stessa tavola.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Tra i primi piatti della tradizione napoletana ce n’è uno che conserva ancora oggi il sapore delle grandi occasioni. I Manfredi con la ricotta non sono soltanto una ricetta di famiglia, ma una vera dichiarazione d’identità gastronomica, capace di trasformare pochi ingredienti in un piatto ricco, avvolgente e profondamente legato alla memoria collettiva. Ancora oggi trovano posto sulle tavole delle feste, soprattutto durante il Carnevale, ma anche nelle domeniche in cui la cucina torna a essere il centro della vita domestica.

La loro origine si perde tra storia e leggenda. La tradizione più diffusa racconta che il piatto nacque per rendere omaggio a Manfredi di Svevia, re di Sicilia, durante uno dei suoi passaggi nell’Italia meridionale. Si dice che il sovrano apprezzasse particolarmente la ricotta e che proprio per conquistarne il favore venne preparata questa pasta condita con salsa di pomodoro e formaggio fresco. Che il racconto sia storicamente documentato o appartenga al patrimonio delle narrazioni popolari, resta il fatto che il nome del sovrano è rimasto indissolubilmente legato a uno dei piatti più rappresentativi della cucina partenopea.

Protagonista della ricetta è un formato di pasta molto particolare. I Manfredi, conosciuti anche come mafalde, mafaldine o reginette, sono lunghe strisce di semola caratterizzate dai caratteristici bordi ondulati. Spesso vengono accostati alle lasagne, ma rispetto alla sfoglia tradizionale risultano più sottili e leggere. La loro conformazione permette di trattenere perfettamente il condimento, rendendo ogni forchettata equilibrata tra pasta, sugo e ricotta. Non è un caso che questo formato venga considerato uno dei più adatti alla cucina napoletana dei giorni di festa.

L’altro elemento imprescindibile è naturalmente il condimento. Nella versione più tradizionale il protagonista è il celebre ragù napoletano, preparato con lunghe ore di cottura, carne di manzo, costine di maiale, salsiccia, cipolla, vino rosso e pomodoro. La salsa viene poi amalgamata con ricotta di bufala, oppure con ricotta vaccina ben scolata, fino a ottenere una crema morbida e vellutata che avvolge completamente la pasta. Basilico fresco, pepe nero e una generosa spolverata di Parmigiano Reggiano o Pecorino completano il piatto senza alterarne l’equilibrio.

Accanto alla preparazione classica convivono numerose varianti domestiche. Molte famiglie napoletane scelgono infatti un semplice sugo di pomodoro cotto lentamente, più leggero ma altrettanto saporito, capace di valorizzare la dolcezza della ricotta senza la complessità del ragù. È una versione che mantiene intatto il carattere della ricetta e permette di portarla in tavola anche al di fuori delle festività, trasformandola in un confortante pranzo della domenica.

La forza dei Manfredi con la ricotta risiede proprio in questo equilibrio tra semplicità e ricchezza. La cremosità della ricotta attenua l’intensità del pomodoro, mentre il formato della pasta contribuisce a distribuire il condimento in modo uniforme. Ogni ingrediente svolge un ruolo preciso senza prevalere sugli altri, secondo una logica tipica della migliore cucina mediterranea, dove la qualità della materia prima conta più della complessità delle preparazioni.

Oggi questo piatto continua a occupare un posto speciale nella cultura gastronomica campana. È presente nei menu delle trattorie storiche, viene reinterpretato dagli chef contemporanei e resta una delle ricette più amate della tradizione domestica. In un’epoca in cui la cucina tende spesso a stupire attraverso elaborazioni sofisticate, i Manfredi con la ricotta ricordano che l’eccellenza può nascere anche dall’incontro tra pochi ingredienti autentici e una lunga memoria collettiva. È proprio questa capacità di attraversare il tempo senza perdere identità a farne uno dei grandi classici della tavola napoletana.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Tra Basilicata e Campania nasce uno dei vini più longevi e prestigiosi d’Italia. Elegante, intenso e strutturato, l’Aglianico ha saputo conquistare il panorama internazionale grazie alla sua straordinaria capacità di evolvere nel tempo e di accompagnare la cucina della tradizione mediterranea.

Profumi di frutti rossi, spezie, tabacco e note minerali si fondono in un vino che rappresenta una delle espressioni più alte della viticoltura meridionale. L’Aglianico è il risultato di una storia antica, di territori unici e di una cultura del vino che continua a rinnovarsi.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Pochi vitigni italiani riescono a esprimere il carattere del territorio con la stessa intensità dell’Aglianico. Austero in gioventù, profondo nella maturità, questo grande rosso del Mezzogiorno possiede una personalità inconfondibile, costruita su un equilibrio tra forza e finezza che gli ha valso il soprannome di “Barolo del Sud”. È un vino che richiede tempo, sia nella coltivazione sia nell’affinamento, ma ricompensa l’attesa con una straordinaria complessità aromatica e una longevità tra le più elevate del panorama enologico italiano.

Le origini del vitigno affondano nell’antichità. Secondo la teoria più accreditata, sarebbe stato introdotto nell’Italia meridionale dai coloni greci tra il VII e il VI secolo a.C., anche se il nome “Aglianico” comparve solo molto più tardi. Per lungo tempo si è ritenuto derivasse da “ellenico”, termine trasformato in “aglianico” durante la dominazione aragonese, quando la doppia “ll” spagnola veniva pronunciata con il suono “gli”. Pur restando aperto il dibattito sulle sue origini genetiche, il vitigno è oggi considerato uno dei simboli storici della viticoltura del Sud Italia.

Le sue aree di elezione sono due. In Campania dà vita al celebre Taurasi DOCG, prodotto soprattutto in provincia di Avellino, e all’Aglianico del Taburno DOCG, nel Beneventano. In Basilicata raggiunge una delle sue espressioni più nobili nell’Aglianico del Vulture DOCG, coltivato sulle pendici dell’antico vulcano Monte Vulture. I terreni ricchi di minerali, le forti escursioni termiche e le altitudini elevate contribuiscono a conferire ai vini una straordinaria complessità, con una marcata impronta territoriale.

Dal punto di vista enologico, l’Aglianico si distingue per l’elevata acidità e la consistente presenza di tannini, elementi che gli permettono di affrontare lunghi affinamenti in botte e successivamente in bottiglia. Da giovane può apparire severo e quasi ruvido, ma con il passare degli anni sviluppa un profilo aromatico di grande eleganza, nel quale le note di amarena, prugna e mora si arricchiscono progressivamente di sentori di tabacco, liquirizia, cuoio, cacao, pepe nero e leggere sfumature balsamiche. È proprio questa continua evoluzione a renderlo uno dei vini più apprezzati dagli intenditori.

L’Aglianico è anche un protagonista della tavola. La sua struttura lo rende ideale con brasati, selvaggina, carni arrosto, agnello, funghi e formaggi stagionati. Ma trova un abbinamento particolarmente riuscito anche con uno dei piatti più rappresentativi della cucina napoletana: i Manfredi con la ricotta. La buona acidità e l’importante trama tannica contrastano infatti la morbidezza della ricotta e la ricchezza del ragù, detergendo il palato dopo ogni boccone e ristabilendo un equilibrio gustativo che invita immediatamente alla forchettata successiva. È un esempio perfetto di come vino e cucina possano valorizzarsi reciprocamente quando condividono la stessa cultura gastronomica.

Negli ultimi decenni l’Aglianico ha conosciuto una significativa crescita qualitativa grazie al lavoro di numerose aziende che hanno investito nella valorizzazione dei singoli cru, nella riduzione delle rese e nella ricerca di uno stile sempre più rispettoso del territorio. Oggi le sue etichette figurano stabilmente nelle principali guide internazionali e sono presenti nelle carte dei vini dei ristoranti più prestigiosi, contribuendo a rafforzare l’immagine del vino italiano nel mondo.

Più che un semplice vitigno, l’Aglianico rappresenta una sintesi della storia agricola del Mezzogiorno. È il frutto di una tradizione millenaria che continua a dialogare con l’innovazione senza rinunciare alla propria identità. Nel calice racconta il carattere dei suoli vulcanici, il clima delle colline interne e la pazienza di chi sa che i grandi vini non si costruiscono in una stagione, ma nel tempo. È questa capacità di unire memoria, territorio ed eccellenza a renderlo uno dei protagonisti assoluti dell’enologia italiana.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

L’ultimo capitolo di Game of Gods conclude una delle serie romantasy più seguite dalla comunità di BookTok. Tra richiami alla mitologia greca, dark romance e percorsi di rinascita, Catarsi tira le fila delle vicende della famiglia Lively, affidando ai suoi protagonisti l’ultima prova: imparare a convivere con il proprio passato.

La conclusione della saga firmata Hazel Riley non punta sull’effetto sorpresa, ma sulla maturazione dei personaggi. Un romanzo che intreccia emozione, simbolismo e relazioni, trasformando il mito classico in una storia contemporanea di crescita e riconciliazione.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Con Game of Olympus. Catarsi, pubblicato da Sperling & Kupfer nel giugno 2026, Hazel Riley porta a compimento il lungo percorso narrativo della serie Game of Gods, una delle saghe italiane di romantasy e dark romance che più hanno saputo conquistare il pubblico giovane attraverso BookTok. Il volume conclusivo – oltre cinquecento pagine – non rappresenta soltanto l’epilogo delle vicende della famiglia Lively, ma anche il momento in cui ogni personaggio è chiamato a confrontarsi definitivamente con il proprio passato.

L’universo costruito dall’autrice fonde elementi del romance contemporaneo con una rilettura della mitologia greca. Gli dèi olimpici diventano identità simboliche attraverso cui raccontare fragilità, passioni e conflitti interiori, in un’ambientazione che alterna il campus della Yale University alle spiagge della California. Il riferimento al mito non è mai decorativo: serve piuttosto a dare profondità psicologica ai protagonisti e a trasformare archetipi antichi in figure capaci di parlare ai lettori di oggi.

Il titolo, Catarsi, richiama direttamente il concetto elaborato nella poetica di Aristotele: quel processo di purificazione emotiva che il teatro tragico produce nello spettatore attraverso pietà e paura. Hazel Riley ne offre una rilettura moderna. Dopo aver scoperchiato il loro personale “vaso di Pandora” e affrontato segreti familiari rimasti nascosti per anni, i protagonisti comprendono che la felicità non coincide con un traguardo definitivo, ma con una continua capacità di affrontare ciò che resta irrisolto.

Ogni figura centrale trova così il proprio spazio conclusivo. Hades e Haven sono pronti a suggellare il loro legame con una promessa d’amore destinata a durare. Apollo tenta invece di liberarsi definitivamente dal dolore che lo ha accompagnato per gran parte della sua esistenza, mentre Poseidon affronta un distacco che avrebbe voluto rimandare per sempre. Athena continua il difficile equilibrio tra razionalità e sentimento, affiancata da Dionysus, impegnato a risalire dal proprio abisso personale grazie allo sguardo di chi sceglie di non giudicarlo. Anche Hera, Ares ed Hermes devono infine fare i conti con il peso dell’eredità paterna, trasformando ferite e cicatrici in strumenti di crescita.

L’aspetto più interessante del romanzo risiede proprio nel messaggio che attraversa tutte queste storie. La guarigione non passa attraverso la cancellazione del dolore, ma attraverso la sua accettazione. Le cicatrici non vengono nascoste: diventano la prova concreta della strada percorsa. È una prospettiva che si allontana dalle conclusioni consolatorie per proporre una maturità emotiva più credibile, nella quale anche le ombre degli antagonisti, Crono e Crio, finiscono progressivamente per perdere il loro potere sui protagonisti, lasciando spazio a una serenità conquistata e non semplicemente ricevuta.

La serie si conclude così dopo un percorso articolato in sei romanzi: Game of Gods. Discesa agli inferi, Game of Titans. Ascesa al paradiso, Game of Chaos. Redenzione, Game of Desire. Devozione, Game of Lust. Tentazione e infine Game of Olympus. Catarsi. Un progetto narrativo costruito come una progressiva esplorazione delle relazioni umane attraverso figure ispirate al pantheon ellenico, capace di fondere dinamiche sentimentali, tensione psicologica e suggestioni classiche in una formula che ha trovato una vasta comunità di lettori sui social dedicati ai libri.

Per chi ha seguito fin dall’inizio le vicende dei Lively, Catarsi rappresenta la chiusura naturale di tutti i fili narrativi rimasti aperti. Per chi si avvicina oggi alla saga, è invece il segnale di un fenomeno editoriale che testimonia quanto la mitologia classica continui a offrire materia narrativa inesauribile, soprattutto quando viene reinterpretata con sensibilità contemporanea e con un’attenzione costante alle trasformazioni emotive dei suoi protagonisti.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Jude Law offre una delle interpretazioni più convincenti della sua carriera, in un’opera che interroga il rapporto tra comunicazione, manipolazione e costruzione del consenso. Dal romanzo di Giuliano da Empoli nasce un film che ripercorre l’ascesa di Vladimir Putin.

Più che un semplice biopic politico, Il Mago del Cremlino è un viaggio dentro i meccanismi del potere contemporaneo. Olivier Assayas racconta la Russia post-sovietica attraverso un protagonista immaginario ispirato a Vladislav Surkov, trasformando la cronaca recente in una riflessione sul ruolo della narrazione nella politica del XXI secolo.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

L’Unione Sovietica è appena crollata quando Mosca diventa il laboratorio di una nuova epoca. Tra privatizzazioni, oligarchi emergenti e istituzioni in cerca di una nuova identità, tutto sembra possibile. È in questo scenario che prende forma Il Mago del Cremlino, il nuovo film di Olivier Assayas, tratto dall’omonimo romanzo di Giuliano da Empoli, pubblicato nel 2022 e insignito del Grand Prix du roman de l’Académie française. L’adattamento cinematografico, distribuito nelle sale italiane dal 12 febbraio 2026, conserva l’impianto narrativo del libro trasformandolo in un racconto politico di ampio respiro.

Il protagonista è Vadim Baranov, personaggio di finzione costruito sulla figura reale di Vladislav Surkov, per anni influente consigliere del Cremlino e considerato uno dei principali teorici della comunicazione politica russa. Intellettuale affascinato dal teatro e dai linguaggi della rappresentazione, Baranov comprende presto che il vero palcoscenico non è più quello artistico ma quello del potere. Dopo un’esperienza televisiva, entra nei meccanismi della politica che accompagnano il tramonto della presidenza di Boris Eltsin e partecipa all’individuazione del successore ideale: un funzionario dell’FSB allora poco noto, Vladimir Putin. Da quel momento diventa il suo più fidato stratega, contribuendo alla costruzione dell’immagine pubblica destinata a segnare la Russia del nuovo millennio.

Assayas sceglie di osservare Putin indirettamente, evitando il tradizionale film biografico. Il centro della narrazione è infatti il rapporto tra il leader e chi ne costruisce il racconto pubblico, mostrando come propaganda, televisione, linguaggio e controllo dell’informazione possano diventare strumenti di governo. Il film attraversa oltre trent’anni di storia russa, dalle guerre cecene all’affondamento del sottomarino Kursk, fino alle proteste di Euromaidan e alle moderne campagne di disinformazione digitale, restituendo l’impressione di un potere che si alimenta soprattutto attraverso la gestione delle percezioni collettive.

Il cast internazionale rappresenta uno dei punti di forza della produzione. Paul Dano interpreta Baranov con una recitazione misurata e inquieta, mentre Jude Law sorprende per la straordinaria trasformazione fisica e gestuale nel ruolo di Putin. Più che un’imitazione, la sua è una ricostruzione psicologica fatta di silenzi, posture e controllo, capace di restituire la freddezza pragmatica del leader russo senza scadere nella caricatura. Accanto a loro figurano Alicia Vikander nel ruolo di Ksenia, Jeffrey Wright nei panni di un giornalista americano che raccoglie il racconto di Baranov e Tom Sturridge.

Il film evita deliberatamente una lettura moralistica. È proprio questa scelta ad aver alimentato un vivace dibattito critico. Alcuni osservatori hanno evidenziato come l’opera finisca per attribuire a Putin una dimensione quasi inevitabile, mostrando il protagonista più come interprete delle logiche profonde della Russia che come semplice artefice del proprio potere. Anche la figura di Baranov evolve in modo ambiguo: da presunto manipolatore del leader si trasforma progressivamente in una sorta di riflesso del suo stesso creato, fino a esserne assorbito sul piano umano e simbolico. Una prospettiva che rende difficile separare il giudizio estetico da quello etico, lasciando nello spettatore un interrogativo aperto sul rapporto tra rappresentazione e legittimazione del potere.

Dal punto di vista cinematografico, Assayas mantiene il proprio stile sobrio e analitico. La prima parte, ambientata nella Mosca degli anni Novanta, restituisce con efficacia l’atmosfera di entusiasmo, precarietà e opportunismo che accompagnò la transizione post-sovietica. La regia privilegia il realismo e la ricostruzione storica, rinunciando spesso agli effetti spettacolari per concentrarsi sui dialoghi, sulle relazioni e sulle dinamiche psicologiche dei personaggi. Il risultato è un’opera che procede con il ritmo del grande romanzo politico più che del thriller.

Il Mago del Cremlino non pretende di spiegare definitivamente Vladimir Putin né la Russia contemporanea. Piuttosto suggerisce che il potere moderno nasce dall’intreccio fra realtà e narrazione, fra consenso e rappresentazione, in un tempo in cui la comunicazione è diventata parte integrante dell’azione politica. È proprio questa ambiguità, più che le risposte offerte, a rendere il film uno degli adattamenti letterari più discussi e stimolanti della stagione cinematografica.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Tre giorni bastano per cogliere l’essenza di Napoli, purché il percorso sia ben costruito. Dal centro storico patrimonio UNESCO ai quartieri monumentali, fino al lungomare e ai grandi musei, ecco un itinerario che unisce i luoghi simbolo della città a esperienze capaci di raccontarne l’identità più autentica.

Napoli non si lascia riassumere in una semplice lista di monumenti. È una città che va attraversata a piedi, ascoltata e osservata, alternando capolavori artistici, scorci sul mare, archeologia, gastronomia e vita quotidiana. Tre giorni rappresentano un ottimo punto di partenza per scoprirne l’anima.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Esistono poche città europee dove storia, paesaggio e vita quotidiana convivono con la stessa intensità di Napoli. Fondata dai Greci come Neapolis nel V secolo a.C., la città conserva un impianto urbano antico ancora leggibile, tanto da essere inserita dal 1995 nella lista del Patrimonio Mondiale UNESCO. Visitarla in tre giorni significa accettare una sfida: selezionare i luoghi imprescindibili senza rinunciare alla sua atmosfera più autentica.

Il primo giorno è naturalmente dedicato al centro storico, un fitto intreccio di decumani e vicoli che custodisce alcuni dei monumenti più celebri della città. L’itinerario può iniziare da via Toledo, una delle arterie principali, per poi raggiungere Piazza del Gesù Nuovo e il Complesso Monumentale di Santa Chiara, celebre per il chiostro maiolicato. Da qui si entra a Spaccanapoli, la strada che attraversa il cuore antico dividendo idealmente la città in due, fino a raggiungere San Gregorio Armeno, famosa in tutto il mondo per le botteghe artigiane dedicate all’arte presepiale. Meritano una sosta anche il Duomo con la Cappella del Tesoro di San Gennaro e la Cappella Sansevero, dove è custodito il celebre Cristo Velato di Giuseppe Sanmartino, una delle massime espressioni della scultura settecentesca italiana. Se il tempo lo consente, la giornata può concludersi con una visita a Napoli Sotterranea o con il panorama offerto dal Castel Sant’Elmo al tramonto.

Il secondo giorno permette di scoprire la Napoli monumentale e quella affacciata sul mare. I Quartieri Spagnoli raccontano la città popolare, oggi animata da botteghe, murales e locali, mentre la vicina Galleria Umberto I introduce all’eleganza della Napoli umbertina. Poco oltre si aprono Piazza del Plebiscito, Palazzo Reale e il Teatro San Carlo, il più antico teatro d’opera ancora in attività al mondo, inaugurato nel 1737 per volontà di Carlo di Borbone. Da qui il percorso conduce verso il Maschio Angioino e prosegue lungo il Lungomare Caracciolo fino a Castel dell’Ovo, simbolo della città e legato alla celebre leggenda dell’uovo nascosto da Virgilio nelle fondamenta della fortezza.

Per il terzo giorno le possibilità sono diverse, a seconda degli interessi. Chi desidera approfondire la storia antica dovrebbe dedicare alcune ore al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, considerato tra i più importanti al mondo per le collezioni provenienti da Pompei, Ercolano e dalle città vesuviane. In alternativa, molti itinerari consigliano una giornata negli Scavi di Pompei, facilmente raggiungibili in treno, per comprendere il contesto storico che rende unico il golfo partenopeo. Chi preferisce restare in città può invece salire sulla collina di Posillipo, dove il Belvedere di Sant’Antonio regala uno dei panorami più spettacolari sul Vesuvio, Capri e l’intero golfo.

Naturalmente Napoli non è soltanto arte e monumenti. Gran parte del suo fascino nasce dalla dimensione gastronomica. La pizza napoletana, riconosciuta dall’UNESCO come patrimonio culturale immateriale, resta un’esperienza imprescindibile, così come le sfogliatelle, il babà, la pastiera, il caffè servito rigorosamente al banco e il tradizionale “cuoppo” di fritti consumato passeggiando. La cucina diventa parte integrante dell’itinerario culturale, perché racconta la storia sociale della città almeno quanto le sue chiese e i suoi palazzi.

Tre giorni non bastano per esaurire Napoli, ma sono sufficienti per comprenderne il carattere. Una città che cambia volto a ogni angolo, dove il patrimonio archeologico convive con la creatività contemporanea, i palazzi nobiliari con i vicoli popolari, il silenzio dei chiostri con il rumore dei mercati. È forse proprio questo continuo dialogo fra epoche, culture e linguaggi a spiegare perché il celebre detto “Vedi Napoli e poi muori”, già riportato da Goethe durante il suo Viaggio in Italia, continui ancora oggi a rappresentare una delle definizioni più efficaci della straordinaria capacità della città di lasciare un segno nella memoria di chi la visita.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Disegnato nel 2004 da Ettore Sottsass e Christopher Redfern per Serafino Zani, il servizio di posate Cinque Stelle dimostra come anche l’oggetto più quotidiano possa diventare espressione di cultura progettuale. Un equilibrio tra ergonomia, materia e poesia che ha segnato il design della tavola contemporanea.

Non è soltanto un servizio di posate, ma un progetto che racconta un modo diverso di abitare la tavola. Attraverso forme essenziali e dettagli inattesi, Sottsass e Redfern restituiscono valore ai gesti quotidiani, confermando il design come linguaggio della vita di ogni giorno.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Quando Ettore Sottsass accetta di progettare una collezione di posate per Serafino Zani, non affronta semplicemente un esercizio di stile. Per uno dei maggiori protagonisti del design italiano del Novecento, ogni oggetto destinato alla vita quotidiana rappresenta un’occasione per ridefinire il rapporto tra funzione, emozione e qualità dell’abitare. Nasce così, nel 2004, il servizio Cinque Stelle, realizzato insieme al designer britannico Christopher Redfern e destinato a diventare uno dei progetti più significativi della produzione contemporanea dedicata alla tavola.

La collezione inaugura il programma di Serafino Zani intitolato La cucina sapiente e la tavola contenta, una filosofia progettuale che pone al centro il piacere del convivio e il valore degli oggetti destinati all’uso quotidiano. In un periodo in cui il minimalismo tendeva spesso a tradursi in un’estetica fredda e impersonale, Sottsass sceglie una strada diversa: riportare l’acciaio al centro della tavola attraverso forme essenziali ma ricche di presenza fisica, capaci di comunicare solidità, equilibrio e naturalezza. Anche il nome della collezione rivela questa intenzione. Cinque Stelle non richiama il lusso ostentato degli alberghi internazionali, ma suggerisce con una sottile ironia la straordinaria qualità delle cose semplici realizzate con intelligenza progettuale.

L’identità della serie nasce da un attento studio delle proporzioni. Le posate sono costruite attraverso profili larghi e spessori generosi che restituiscono una sensazione di stabilità e consistenza. L’elemento più riconoscibile è però la delicata strozzatura posta alla fine del manico, un dettaglio quasi impercettibile che interrompe la linearità della forma migliorando al tempo stesso l’ergonomia. È un piccolo gesto progettuale che sintetizza perfettamente il metodo di Sottsass: partire dall’archetipo dell’oggetto per modificarlo quel tanto che basta a renderlo nuovo senza privarlo della sua familiarità.

I materiali contribuiscono in modo decisivo a questa esperienza tattile. L’intera collezione è realizzata in acciaio inox 18/10 di elevato spessore, lucidato a specchio e rifinito manualmente. I coltelli adottano un manico cavo che alleggerisce l’impugnatura senza alterarne l’impatto visivo, mentre cucchiai e forchette trasmettono una piacevole sensazione di equilibrio tra peso e maneggevolezza. Più che semplici utensili, diventano strumenti attraverso i quali il gesto del mangiare acquista una nuova consapevolezza. Come osservava lo stesso Sottsass, si tratta di “forme semplici da usare con calma, per suggerire il piacere profondo del mangiare”.

La collaborazione con Christopher Redfern non è casuale. Il designer britannico aveva condiviso con Sottsass numerosi progetti, sviluppando un linguaggio capace di coniugare rigore industriale e sensibilità formale. In Cinque Stelle emerge proprio questo dialogo: da un lato la ricerca plastica tipica del maestro italiano, dall’altro l’attenzione alla produzione seriale e alla precisione costruttiva.

Per comprendere il significato della collezione è utile ricordare il percorso di Ettore Sottsass. Nato a Innsbruck nel 1917 e formatosi a Torino, è stato tra i protagonisti assoluti del design internazionale. Dopo l’esperienza con Olivetti – culminata nella celebre macchina da scrivere Valentine del 1969 – fondò nel 1981 il gruppo Memphis, rivoluzionando il design postmoderno con oggetti che rompevano deliberatamente gli schemi del funzionalismo tradizionale. Eppure, accanto ai mobili e alle architetture più celebri, Sottsass non ha mai smesso di progettare oggetti d’uso comune, convinto che fosse proprio nella quotidianità che il design potesse migliorare concretamente la qualità della vita.

Non sorprende quindi che Cinque Stelle abbia ottenuto nel 2007 il prestigioso Red Dot Design Award, uno dei principali riconoscimenti internazionali dedicati al design industriale. Il premio sancisce il successo di una collezione che continua ancora oggi a essere apprezzata non soltanto per la qualità costruttiva, ma soprattutto per la capacità di trasformare un gesto ordinario in un’esperienza consapevole.

A distanza di oltre vent’anni dalla sua presentazione, il servizio Cinque Stelle conserva intatta la propria modernità. È la dimostrazione che il buon design non nasce dalla ricerca dell’effetto spettacolare, ma dalla paziente costruzione di forme destinate a durare nel tempo. In questo equilibrio fra funzione, materia e cultura progettuale si riconosce l’eredità più autentica di Ettore Sottsass: rendere straordinaria la normalità senza mai privarla della sua semplicità.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Nati nel cuore dell’Ogliastra e oggi tutelati dall’Indicazione Geografica Protetta, i culurgiones sono molto più di una pasta ripiena. La loro caratteristica chiusura a spiga, il ripieno di patate, pecorino e menta e il profondo legame con le tradizioni popolari ne fanno uno dei simboli più riconoscibili della cucina sarda.

Ogni culurgione è il risultato di un gesto tramandato di generazione in generazione. Dietro la semplicità degli ingredienti si nasconde una storia fatta di cultura contadina, ritualità e sapienza artigianale che ancora oggi distingue una delle preparazioni più identitarie della gastronomia italiana.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

C’è un dettaglio che rende immediatamente riconoscibile un culurgione: la sua chiusura. Quella raffinata cucitura che ricorda una spiga di grano non rappresenta soltanto una soluzione tecnica per racchiudere il ripieno, ma è il segno distintivo di una tradizione antica, tramandata nelle case dell’Ogliastra con la stessa cura riservata ai grandi patrimoni di famiglia. È proprio questa lavorazione manuale, nota in sardo come sa spighitta, a trasformare una semplice pasta ripiena in uno dei simboli più autentici dell’identità gastronomica della Sardegna.

I Culurgionis d’Ogliastra IGP appartengono a una lunga tradizione contadina. La loro origine è strettamente legata alla parte centro-orientale dell’isola, dove venivano preparati nelle occasioni più importanti della vita comunitaria: le feste patronali, i matrimoni e la ricorrenza dei defunti, conosciuta come is Animeddas. In queste circostanze il cibo assumeva un valore che andava oltre la semplice alimentazione, diventando un gesto di condivisione e di memoria collettiva. Dal 2015 la denominazione è tutelata dall’Indicazione Geografica Protetta, riconoscimento che ne garantisce il legame con il territorio e il rispetto delle caratteristiche tradizionali.

La ricetta sorprende per la sua apparente semplicità. La sfoglia viene preparata con semola di grano duro, acqua, un pizzico di sale e olio extravergine d’oliva. Il ripieno unisce invece patate lessate, pecorino sardo in diverse stagionature – oppure il tradizionale fiscidu, il tipico formaggio acido locale – olio aromatizzato con aglio e foglie di menta fresca. L’equilibrio tra la dolcezza della patata, la sapidità del formaggio e la nota balsamica della menta crea un insieme sorprendentemente delicato, lontano dall’idea di una pasta ripiena eccessivamente ricca.

Il momento più complesso resta però la chiusura. Ogni disco di pasta viene riempito e poi pizzicato alternativamente sui due lati, facendo convergere i lembi verso il centro fino a formare la caratteristica spiga. È una tecnica che richiede precisione, manualità ed esperienza. Nelle famiglie ogliastrine veniva spesso insegnata alle bambine fin da piccole e rappresentava quasi un rito di passaggio verso l’età adulta. Ancora oggi la qualità della cucitura è considerata uno degli elementi che distinguono un culurgione preparato secondo la tradizione.

Una volta cotti in abbondante acqua salata, i culurgiones vengono generalmente conditi con una salsa di pomodoro fresco e basilico, completata da una generosa spolverata di pecorino grattugiato e da un filo di olio extravergine d’oliva. Esistono naturalmente numerose varianti locali, ma la versione classica continua a essere quella che meglio valorizza l’equilibrio del ripieno senza coprirne i profumi.

La cultura gastronomica sarda attribuisce alla pasta un ruolo molto particolare. Accanto ai culurgiones convivono infatti specialità come i malloreddus, i filindeu, considerati una delle paste più rare del mondo, e le lorighittas del territorio di Morgongiori. Ogni formato nasce da una diversa storia locale e da una specifica tecnica artigianale, confermando come la cucina dell’isola sia il risultato di un patrimonio culturale estremamente articolato.

Negli ultimi anni i Culurgionis d’Ogliastra hanno conquistato anche l’alta ristorazione. Molti chef li reinterpretano con condimenti innovativi, mantenendo però invariata la struttura originaria della ricetta. È il segno della straordinaria attualità di un piatto che continua a parlare di territorio, stagionalità e rispetto della materia prima senza rinunciare alla creatività.

Più che una semplice specialità regionale, i culurgiones rappresentano un esempio perfetto di come la cucina italiana sappia trasformare ingredienti essenziali in un patrimonio culturale condiviso. Ogni piega della loro caratteristica chiusura racconta il lavoro paziente delle mani che l’hanno realizzata, mentre ogni assaggio restituisce il sapore di una Sardegna che continua a custodire con orgoglio le proprie tradizioni.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Profumi di macchia mediterranea, freschezza marina e una sorprendente capacità di accompagnare la cucina dell’isola. Il Vermentino di Sardegna DOC, istituito nel 1988, è oggi una delle denominazioni più rappresentative dell’enologia sarda, capace di esprimere in ogni calice il carattere di un territorio unico.

Il suo successo nasce dall’incontro tra il vitigno Vermentino e il clima della Sardegna. Venti costanti, sole, mare e una straordinaria varietà di suoli danno vita a un vino elegante, sapido e immediatamente riconoscibile, diventato uno dei principali ambasciatori dell’isola nel mondo.

---

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Tra i grandi vini bianchi italiani, il Vermentino di Sardegna occupa una posizione particolare. Pur condividendo il medesimo vitigno con altre aree del Mediterraneo, è nell’isola che questa varietà trova una delle sue espressioni più complete, tanto da aver conquistato una denominazione di origine controllata estesa all’intero territorio regionale. Istituita con Decreto del Presidente della Repubblica nel 1988 e successivamente aggiornata nel disciplinare, la DOC rappresenta oggi una delle produzioni più diffuse e riconoscibili della viticoltura sarda.

Il disciplinare stabilisce regole precise. Il vino deve essere ottenuto da almeno l’85% di uve Vermentino, mentre il restante 15% può provenire esclusivamente da vitigni a bacca bianca non aromatici autorizzati alla coltivazione in Sardegna. La produzione interessa tutta la regione, dalle coste galluresi fino al Sulcis, passando per il Logudoro, la Nurra, l’Oristanese e il Campidano. La resa massima è fissata in 160 quintali d’uva per ettaro, con una resa vino non superiore al 70%, mentre il titolo alcolometrico minimo della versione ferma è di 10,5% vol.

Il legame con l’ambiente naturale è uno degli aspetti più affascinanti della denominazione. La Sardegna possiede un clima tipicamente mediterraneo, caratterizzato da estati lunghe e luminose, inverni relativamente miti e soprattutto dalla presenza costante del Maestrale, il vento che attraversa gran parte dell’isola contribuendo a mantenere sani i vigneti e a favorire una lenta maturazione delle uve. A questa componente si aggiunge una straordinaria varietà di terreni – granitici, calcarei, basaltici, alluvionali e di disfacimento schistoso – che conferiscono sfumature differenti alle produzioni delle varie zone. Il risultato è un vino che mantiene una forte identità pur esprimendo numerose interpretazioni territoriali.

Nel bicchiere il Vermentino di Sardegna DOC si presenta con un colore giallo paglierino brillante, spesso attraversato da delicati riflessi verdolini. Il profilo aromatico richiama gli agrumi, i fiori bianchi, le erbe della macchia mediterranea e una caratteristica nota salmastra che rimanda alla vicinanza del mare. Al palato è fresco, sapido e morbido, sostenuto da una piacevole acidità e da un leggero finale amarognolo che ricorda la mandorla, tratto distintivo della denominazione.

Il disciplinare riconosce tre tipologie: il Vermentino di Sardegna fermo, disponibile nelle versioni dal secco all’amabile; il Vermentino Frizzante, caratterizzato da una spuma fine ed evanescente; e lo Spumante, prodotto nelle versioni che vanno dal Brut Nature al Demi-sec, con una spuma intensa e persistente. Questa articolazione dimostra la versatilità del vitigno e la sua capacità di adattarsi a differenti tecniche di vinificazione mantenendo sempre riconoscibili le proprie caratteristiche varietali.

Dal punto di vista gastronomico il Vermentino di Sardegna è uno dei vini più duttili della cucina mediterranea. Si abbina naturalmente alle crudità di mare, ai crostacei, ai molluschi e al pesce alla griglia, ma accompagna con equilibrio anche piatti simbolo della tradizione isolana come la fregola ai frutti di mare e i culurgiones ogliastrini, dove la freschezza e la mineralità del vino bilanciano la morbidezza del ripieno di patate e pecorino. Ottimo anche con formaggi freschi o pecorini giovani e con carni bianche preparate in modo delicato.

La diffusione del Vermentino in Sardegna è relativamente recente rispetto ad altri vitigni storici dell’isola. Dopo la ricostruzione dei vigneti devastati dalla fillossera, la coltivazione si sviluppò inizialmente in Gallura per poi estendersi progressivamente al resto della regione grazie agli eccellenti risultati qualitativi ottenuti. Oggi il Vermentino di Sardegna DOC è la denominazione più estesa dell’isola e una delle più richieste sui mercati nazionali e internazionali, frutto dell’evoluzione tecnica delle aziende vitivinicole e dell’esperienza maturata da generazioni di viticoltori.

In ogni calice convivono la luce intensa del Mediterraneo, il vento che attraversa i vigneti e la ricchezza geologica di una terra antichissima. È questa armonia tra natura e lavoro dell’uomo a fare del Vermentino di Sardegna DOC non soltanto un vino di grande piacevolezza, ma uno dei racconti più autentici dell’identità enologica della Sardegna.

---

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.