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Michele Mari trasforma una rimpatriata scolastica in una sfida contro il tempo, dove l’amicizia convive con l’invidia e la morte diventa l’ospite più fedele.

Una scommessa nata per gioco accompagna un’intera generazione dagli anni Settanta fino alla vecchiaia. Nel nuovo romanzo di Michele Mari, pubblicato da Einaudi, il passare degli anni assume la forma di una commedia nera, ironica e sorprendentemente umana.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Il 22 luglio 1975, a un anno dall’esame di maturità, gli ex studenti della III A di un liceo milanese si ritrovano per una cena. È una di quelle serate destinate a scivolare nei ricordi, finché qualcuno propone un gioco destinato a cambiare per sempre il significato di ogni incontro successivo. Nasce così una riffa singolare: ciascuno versa una quota in un fondo comune che verrà assegnato solo quando resteranno in vita tre compagni. Da quel momento il trascorrere degli anni non sarà più soltanto una misura del tempo, ma il conto alla rovescia di una competizione silenziosa. È questa l’idea narrativa da cui prende forma I convitati di pietra, il nuovo romanzo di Michele Mari pubblicato da Einaudi.

Mari costruisce un meccanismo letterario di apparente semplicità, ma capace di svilupparsi per decenni. Le rituali cene del 22 luglio diventano il filo che attraversa l’esistenza dei protagonisti: ogni anno si aggiornano il montepremi, le biografie, le malattie, i successi, i fallimenti e, inevitabilmente, il numero dei posti vuoti attorno alla tavola. L’amicizia giovanile lascia spazio a rivalità, rancori mai del tutto sopiti, piccole vendette e inattese solidarietà, mentre la morte smette di essere un evento astratto per assumere la concretezza di una presenza costante.

Il titolo richiama volutamente il celebre “convitato di pietra” della tradizione di Don Giovanni, incarnazione del destino e dell’inevitabilità della fine. Nel romanzo, tuttavia, i convitati sono molti: sono gli assenti che continuano a occupare idealmente il proprio posto a tavola, ricordando ai superstiti che il vero protagonista della storia non è il denaro accumulato, ma il tempo che si restringe.

Lo stile di Michele Mari conserva le caratteristiche che hanno reso l’autore una delle voci più originali della narrativa italiana contemporanea. Nato a Milano nel 1955, docente di Letteratura italiana all’Università degli Studi di Milano, Mari ha costruito negli anni un’opera inconfondibile, nella quale convivono cultura enciclopedica, gusto per il fantastico, ironia, autobiografia e una straordinaria precisione linguistica. Romanzi come Di bestia in bestia, Tu, sanguinosa infanzia, Tutto il ferro della Torre Eiffel e Leggenda privata gli hanno assicurato una posizione di assoluto rilievo nel panorama letterario italiano.

In I convitati di pietra questa ricchezza stilistica viene messa al servizio di una narrazione sorprendentemente agile. Il romanzo procede attraverso salti temporali, brevi episodi e rapide focalizzazioni sui diversi personaggi, mantenendo un ritmo costante che accompagna il lettore lungo oltre mezzo secolo di vite intrecciate. Sullo sfondo emerge una Milano riconoscibile nei suoi quartieri, nelle sue strade e nei suoi luoghi quotidiani, osservata con una precisione quasi topografica che restituisce alla città il ruolo di discreta protagonista.

L’umorismo è uno degli ingredienti più efficaci del libro. Mari affronta temi inevitabilmente drammatici – l’invecchiamento, la malattia, la perdita, la paura della morte – senza indulgere nel sentimentalismo. Al contrario, sceglie spesso il registro della commedia nera, lasciando che siano le ossessioni dei personaggi, le loro piccole miserie e il desiderio quasi infantile di sopravvivere agli altri a generare situazioni insieme divertenti e amare. È una satira delle relazioni umane che non rinuncia mai alla pietà.

La scommessa iniziale, apparentemente goliardica, diventa così un laboratorio narrativo sul comportamento umano. C’è chi vive l’attesa del premio come una fissazione, chi tenta di ignorarla, chi modifica inconsapevolmente il proprio modo di guardare gli altri. Il denaro conta sempre meno; a pesare davvero è la consapevolezza che ogni funerale avvicina i superstiti al traguardo, trasformando l’esistenza in una gara dalla quale nessuno può realmente uscire vincitore.

Con questo romanzo Michele Mari dimostra ancora una volta la propria capacità di trasformare un’intuizione narrativa originale in una riflessione ampia sul tempo, sull’identità e sulla fragilità delle relazioni. I convitati di pietra è una lettura che diverte per l’inventiva del suo congegno narrativo e, nello stesso tempo, lascia il lettore davanti a una domanda inevitabile: quanto delle nostre vite è davvero governato dalle scelte, e quanto invece dall’inesorabile calendario che accomuna tutti.

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Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Oliver Laxe porta nel deserto una ricerca disperata, trasformando un rave in un viaggio ai confini dell’esistenza

Un padre attraversa il Marocco sulle tracce della figlia scomparsa. Da questa premessa prende forma uno dei film più discussi del 2025: un’opera radicale che unisce road movie, dramma umano e riflessione sul destino, premiata al Festival di Cannes.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Un grande rave nel deserto marocchino, migliaia di persone, musica che sembra non avere fine. In mezzo alla folla si muovono Luis e il figlio Esteban, stringendo tra le mani la fotografia di Mar, la figlia e sorella di cui si sono perse le tracce mesi prima. Nessuno sembra conoscerla, ma un incontro fortuito li convince a proseguire verso un secondo raduno clandestino. È l’inizio di Sirat, il nuovo lungometraggio del regista franco-spagnolo Oliver Laxe, presentato in concorso al Festival di Cannes 2025, dove ha conquistato il Premio della Giuria ex aequo, confermando il suo autore tra le figure più originali del cinema europeo contemporaneo.

Il titolo rimanda al ṣirāṭ, il ponte sottilissimo della tradizione islamica che, secondo l’escatologia, ogni anima deve attraversare dopo la morte per raggiungere il Paradiso o precipitare nell’Inferno. Laxe non traduce questo riferimento in un racconto religioso, ma ne fa la metafora di un percorso esistenziale. I protagonisti avanzano lungo piste polverose, attraversano territori remoti e affrontano prove sempre più estreme, mentre il confine tra ricerca concreta e viaggio interiore diventa progressivamente più sfumato.

Nato a Parigi nel 1982 da una famiglia galiziana, Oliver Laxe è uno dei registi europei più apprezzati della sua generazione. Dopo gli esordi con Todos vós sodes capitáns e il riconoscimento internazionale ottenuto con Mimosas e O que arde, ha costruito una filmografia caratterizzata da un forte rapporto con il paesaggio e da una narrazione essenziale, nella quale il silenzio, la natura e la spiritualità assumono un ruolo decisivo. Anche Sirat conferma questa cifra stilistica, pur spingendosi verso un racconto più fisico e spettacolare.

Accanto a Sergi López, interprete di Luis, il film schiera un gruppo di attori e performer capaci di restituire autenticità all’universo dei rave itineranti. La musica elettronica, che domina la prima parte del racconto, non è semplice accompagnamento sonoro, ma diventa un elemento narrativo che scandisce il ritmo del viaggio. Le sequenze iniziali immergono lo spettatore nell’energia collettiva della festa, mentre il deserto assume progressivamente un volto sempre più ostile e simbolico.

La fotografia valorizza gli spazi sconfinati del Marocco con una luce naturale che evita qualsiasi estetizzazione turistica. Sabbia, rocce e montagne costruiscono un paesaggio severo, nel quale i personaggi appaiono minuscoli e vulnerabili. L’impressione è quella di assistere a un’odissea contemporanea, dove ogni chilometro percorso costringe i protagonisti a confrontarsi con le proprie paure e con ciò che hanno perduto.

La sceneggiatura, scritta dallo stesso Laxe insieme a Santiago Fillol, sceglie deliberatamente di abbandonare una struttura narrativa convenzionale. Il viaggio si popola di incontri inattesi e deviazioni che trasformano il road movie in un’esperienza quasi visionaria. Proprio questa libertà narrativa ha diviso parte della critica: alcuni hanno visto nella svolta finale un coraggioso salto nel simbolismo, altri hanno ritenuto che l’accumularsi degli eventi finisca per disperdere la forza della premessa iniziale. Anche la recensione di Giancarlo Zappoli su MYmovies sottolinea come il film mantenga una notevole intensità per buona parte della durata, salvo poi scegliere una direzione narrativa più controversa nella parte conclusiva.

Tra i produttori figura anche Pedro Almodóvar, presenza che testimonia l’interesse del cinema spagnolo per un’opera capace di coniugare ricerca autoriale e respiro internazionale. Sirat non è un film costruito per offrire certezze o spiegazioni definitive. Preferisce lasciare aperti interrogativi sul dolore, sulla perdita e sul bisogno umano di continuare a cercare anche quando ogni speranza sembra dissolversi.

Il risultato è un’esperienza cinematografica intensa, a tratti spiazzante, che utilizza il viaggio nel deserto come metafora di un attraversamento più profondo. Oliver Laxe realizza un’opera destinata a suscitare discussioni, ma proprio in questa capacità di mettere continuamente in crisi lo sguardo dello spettatore risiede uno degli aspetti più interessanti di un film che conferma quanto il cinema europeo possa ancora sorprendere con linguaggi personali e autentici.

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Il grande museo vivente progettato da Renzo Piano continua a raccontare il mare tra ricerca, architettura e meraviglia

Non è soltanto una delle attrazioni più visitate d’Italia. L’Acquario di Genova è un progetto culturale che unisce divulgazione scientifica, tutela della biodiversità e rigenerazione urbana, trasformando il Porto Antico in uno dei luoghi simbolo della città.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Quando fu inaugurato nel 1992, in occasione delle celebrazioni per il cinquecentenario del viaggio di Cristoforo Colombo, l’Acquario di Genova rappresentava molto più di una nuova attrazione turistica. Era il cuore del grande progetto con cui l’architetto Renzo Piano restituì il Porto Antico alla città, trasformando un’area industriale in uno spazio aperto dedicato alla cultura, al tempo libero e al rapporto con il mare. A oltre trent’anni di distanza, quella visione continua a rivelarsi vincente: l’Acquario resta il più grande d’Italia e una delle strutture dedicate alla biodiversità acquatica più importanti d’Europa.

La sua architettura richiama la forma di una nave pronta a salpare, perfettamente inserita nel paesaggio portuale di Ponte Spinola. L’allestimento interno, sviluppato in collaborazione con Peter Chermayeff, accompagna il visitatore attraverso un itinerario che ricostruisce ecosistemi provenienti da ogni parte del pianeta. Dalle acque del Mediterraneo agli oceani tropicali, dalle foreste pluviali agli ambienti polari, il percorso alterna grandi vasche panoramiche e spazi immersivi progettati per favorire l’osservazione degli animali nel rispetto delle loro esigenze biologiche.

La struttura ospita migliaia di esemplari appartenenti a centinaia di specie diverse. Squali, delfini, lamantini, pinguini, foche, meduse, rettili e pesci tropicali convivono in ambienti ricostruiti con grande accuratezza scientifica. Tra le sezioni più spettacolari figurano il Padiglione dei Cetacei, inaugurato nel 2013 e progettato ancora da Renzo Piano, la Baia degli Squali, la Grotta delle Murene e il Padiglione della Biodiversità ospitato nella Nave Blu. L’obiettivo non è stupire soltanto attraverso la dimensione delle vasche, ma raccontare la complessità degli ecosistemi marini e l’equilibrio che li sostiene.

L’Acquario è infatti un vero museo vivente. Accanto alla funzione espositiva svolge attività di ricerca scientifica, conservazione delle specie minacciate ed educazione ambientale, collaborando con reti internazionali dedicate alla tutela della biodiversità. La gestione dell’acqua marina, prelevata al largo della costa ligure e continuamente monitorata attraverso sofisticati sistemi di filtrazione e controllo, testimonia il livello tecnologico necessario per mantenere habitat complessi e garantire il benessere degli animali ospitati.

La visita richiede generalmente diverse ore e si sviluppa con un ritmo che alterna osservazione, scoperta e momenti di autentico stupore. Le grandi pareti trasparenti permettono di osservare i delfini sia dall’alto sia da una prospettiva subacquea, mentre alcune vasche consentono un contatto diretto con specie come le razze. I percorsi dedicati alle famiglie e le attività educative, comprese le esperienze dietro le quinte e le visite tematiche, rendono l’Acquario un luogo capace di coinvolgere pubblici molto diversi.

L’esperienza può proseguire all’esterno con altre opere firmate da Renzo Piano. A pochi passi si trovano la Biosfera, grande sfera in vetro e acciaio che ospita un ambiente tropicale con oltre 150 specie vegetali, e il Bigo, l’ascensore panoramico ispirato alle antiche gru portuali che offre una spettacolare vista sul centro storico e sul waterfront genovese. L’intero Porto Antico è diventato così un laboratorio di architettura contemporanea dove mare, cultura e paesaggio urbano dialogano in modo armonico.

Visitare oggi l’Acquario di Genova significa attraversare uno spazio dove divulgazione scientifica e qualità architettonica convivono senza forzature. La meraviglia suscitata dagli animali è soltanto il primo livello della visita. Più in profondità emerge un messaggio che riguarda il futuro degli oceani, la responsabilità verso gli ecosistemi e il ruolo che strutture come questa possono svolgere nel promuovere una nuova consapevolezza ambientale. È probabilmente questa la ragione per cui, a distanza di oltre tre decenni dalla sua inaugurazione, l’Acquario continua a essere uno dei simboli più riconoscibili della Genova contemporanea e uno dei migliori esempi europei di incontro tra architettura, scienza e cultura.

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Quando il design quotidiano diventa un equilibrio perfetto tra ergonomia giapponese e funzionalità moderna

Da oltre mezzo secolo il servizio di posate progettato da Sōri Yanagi rappresenta uno degli esempi più riusciti del design industriale del Novecento. Oggetti destinati alla tavola di ogni giorno che hanno saputo trasformare semplicità, comfort e bellezza in un linguaggio universale.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Le posate progettate da Sōri Yanagi nel 1974 appartengono alla categoria degli oggetti che risolvono con intelligenza un gesto quotidiano. Ancora oggi sono considerate un punto di riferimento del design internazionale, capaci di coniugare essenzialità estetica, qualità costruttiva e una sorprendente naturalezza d’uso. Non a caso fanno parte delle collezioni permanenti di importanti musei dedicati al design, tra cui il MoMA di New York.

Realizzato in acciaio inossidabile, il servizio nasce con una finalità molto precisa: essere utilizzato ogni giorno. Yanagi rifiuta qualsiasi ricerca formale fine a sé stessa e concentra il progetto sull’esperienza della mano, sull’equilibrio dei pesi e sulla naturalezza dei movimenti durante il pasto. Il risultato è una collezione nella quale ogni elemento sembra inevitabile, come se non potesse avere una forma diversa.

L’aspetto più caratteristico emerge osservando attentamente i singoli pezzi. Le forchette presentano rebbi più corti e leggermente allargati rispetto alla tradizione occidentale; i coltelli mostrano una lama asimmetrica dalle linee morbide; i cucchiai sono generosi nella coppa ma delicatamente raccordati al manico. Nessun dettaglio è casuale. Ogni curva nasce da numerosi prototipi realizzati e testati fino a raggiungere una soluzione che unisce comfort, precisione e piacevolezza tattile.

Questa ricerca riflette pienamente la filosofia progettuale di Sōri Yanagi (1915-2011), uno dei maggiori protagonisti del design industriale giapponese del secondo dopoguerra. Figlio di Yanagi Sōetsu, fondatore del movimento Mingei, dedicato alla valorizzazione dell’artigianato popolare giapponese, il designer ereditò una profonda attenzione per gli oggetti d’uso comune. Dopo gli studi alla Tokyo Art School entrò in contatto con Charlotte Perriand, collaboratrice di Le Corbusier, esperienza che contribuì a rafforzare il dialogo tra cultura progettuale orientale e modernismo occidentale.

Le posate del 1974 rappresentano forse la sintesi più efficace di questo incontro culturale. Da una parte adottano criteri di funzionalità e produzione seriale tipici dell’industria europea; dall’altra conservano il senso della misura, dell’armonia e della continuità delle superfici proprio della tradizione estetica giapponese. È un equilibrio che non ostenta mai l’originalità, ma la lascia emergere attraverso proporzioni calibrate e linee prive di qualsiasi ridondanza.

La produzione industriale non sacrifica la qualità. L’acciaio inox utilizzato garantisce resistenza, durata e facilità di manutenzione, mentre la finitura satinata restituisce una percezione visiva morbida, evitando riflessi eccessivamente brillanti. Accanto alla versione completamente metallica, ancora oggi è disponibile anche una variante con manico nero, pensata per chi predilige un contrasto cromatico più marcato mantenendo inalterata l’identità del progetto.

Come accade per gli oggetti destinati a durare, anche queste posate dimostrano che il buon design non coincide con l’eccentricità. La loro forza risiede nella discrezione. Sono strumenti che scompaiono durante l’uso, lasciando spazio all’esperienza del pasto, ma allo stesso tempo comunicano una raffinata attenzione per la forma. È il principio del “design anonimo” caro a Yanagi: un oggetto ben progettato non reclama attenzione, semplicemente svolge il proprio compito nel modo migliore possibile.

A oltre cinquant’anni dalla loro presentazione, le posate Sōri Yanagi continuano a essere prodotte e apprezzate in tutto il mondo. La loro longevità conferma quanto il design possa diventare patrimonio culturale quando riesce a trasformare la semplicità in un valore permanente. In un’epoca dominata dal rapido ricambio degli oggetti, rappresentano ancora una lezione di equilibrio, funzionalità e sobria eleganza, dimostrando che l’innovazione più duratura nasce spesso dall’osservazione attenta dei gesti più comuni.

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Il piccolo capolavoro delle Langhe che racchiude secoli di cucina contadina e l’eleganza della tradizione piemontese

Un pizzico delle dita dà il nome a uno dei simboli della gastronomia italiana. I ravioli del plin raccontano una cultura del riuso, della pazienza e della precisione artigianale, diventando oggi una delle specialità più rappresentative del Piemonte.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nelle cucine delle Langhe, del Monferrato e del Roero basta un gesto rapido, quasi istintivo, per dare forma a una delle paste ripiene più celebri d’Italia. È il plin, termine dialettale piemontese che significa “pizzicotto”: il movimento con cui le dita stringono la sfoglia tra un ripieno e l’altro, creando quei minuscoli ravioli che da oltre un secolo rappresentano un patrimonio gastronomico e culturale della regione.

La loro origine affonda nella tradizione contadina ottocentesca. Le famiglie recuperavano le carni avanzate dagli arrosti e dagli stufati, unendole a verdure cotte, formaggi stagionati, uova e aromi per ottenere un ripieno ricco e saporito. Nulla veniva sprecato. La sfoglia, tirata rigorosamente a mano fino a diventare sottilissima, aveva il compito di custodire un contenuto prezioso senza sovrastarlo.

La ricetta varia da paese a paese e spesso da famiglia a famiglia, ma alcuni elementi rimangono costanti. Il ripieno combina generalmente carni bovine e suine, talvolta con l’aggiunta di coniglio o vitello, insieme a spinaci o bietole, Parmigiano Reggiano, uova, noce moscata e rosmarino. La pasta fresca nasce invece da pochi ingredienti essenziali: farina di grano tenero e uova, lavorate fino a ottenere una consistenza elastica e compatta.

Il momento più caratteristico della preparazione è proprio quello che dà il nome alla specialità. Dopo aver disposto il ripieno in piccole porzioni regolari, la sfoglia viene ripiegata su sé stessa e pizzicata con precisione tra una farcitura e l’altra. Da questa successione di piccoli “plin” nasce una fila di ravioli di dimensioni ridotte, poi separati con una rotella liscia o dentellata. È un procedimento semplice solo in apparenza, che richiede esperienza, manualità e un perfetto equilibrio tra quantità di ripieno e sottigliezza della pasta.

Tradizionalmente i ravioli del plin venivano serviti al tovagliolo: scolati dall’acqua di cottura e adagiati su un panno di lino, senza condimento, affinché ciascuno potesse gustare pienamente il sapore del ripieno. Ancora oggi questa modalità è considerata la più autentica nelle trattorie storiche delle Langhe. Altrettanto classico è il servizio con burro fuso e salvia, capace di valorizzare la delicatezza della pasta senza coprirne il gusto. Più ricca è invece la versione immersa nel brodo di arrosto, detta al sugo d’arrosto, che appartiene alle grandi occasioni della cucina piemontese.

L’importanza culturale dei ravioli del plin è strettamente legata alla storia enogastronomica delle Langhe, territorio riconosciuto dall’UNESCO come Patrimonio dell’Umanità per i suoi paesaggi vitivinicoli. Qui la cucina dialoga naturalmente con alcuni dei vini più prestigiosi d’Italia. L’abbinamento tradizionale privilegia il Barolo e il Barbaresco, ma anche un Barbera d’Alba o un Dolcetto ben strutturato riescono a sostenere la complessità aromatica del ripieno senza alterarne l’equilibrio.

Il successo contemporaneo dei plin ha superato da tempo i confini regionali. Numerosi chef li reinterpretano con ripieni innovativi, utilizzando pesce, verdure di stagione o formaggi erborinati. Tuttavia la versione classica continua a rappresentare il riferimento imprescindibile, perché sintetizza perfettamente la filosofia della cucina piemontese: pochi ingredienti di qualità, rispetto della materia prima e una tecnica affinata nel tempo.

In un’epoca dominata dalla velocità, preparare i ravioli del plin significa ancora dedicare tempo a un rito domestico che coinvolge spesso più generazioni. Ogni pizzicotto impresso sulla sfoglia racconta una memoria tramandata, un sapere manuale che continua a vivere nelle case e nelle osterie del Piemonte. È forse proprio questa capacità di trasformare un gesto semplice in un simbolo identitario a rendere i plin una delle espressioni più autentiche della cultura gastronomica italiana.

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Il nome può trarre in inganno, ma nel calice rivela tutt’altra personalità: fresco, asciutto e versatile, il Dolcetto d’Alba continua a rappresentare una delle espressioni più genuine delle Langhe, perfetto compagno della tavola quotidiana e della cucina piemontese.

Un vino che non cerca effetti speciali né lunghi affinamenti, ma punta sulla piacevolezza immediata. Nato da uno dei vitigni storici del Piemonte, il Dolcetto d’Alba racconta un territorio attraverso profumi intensi, equilibrio e straordinaria facilità di abbinamento.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Chi si avvicina per la prima volta al Dolcetto d’Alba spesso cade nello stesso equivoco: immagina un vino morbido al punto da essere zuccherino. In realtà il suo nome non descrive il gusto del vino, bensì quello dell’uva da cui nasce. Gli acini del vitigno Dolcetto, infatti, sono particolarmente dolci quando vengono consumati freschi e presentano un’acidità naturalmente contenuta. Dopo la fermentazione, però, il risultato è un vino rigorosamente secco, caratterizzato da una piacevole rotondità e da una beva scorrevole.

La denominazione Dolcetto d’Alba DOC interessa un’ampia parte delle Langhe e del Roero, nel cuore della provincia di Cuneo, un paesaggio vitivinicolo riconosciuto dall’UNESCO come Patrimonio dell’Umanità. Qui il vitigno trova condizioni ideali grazie ai terreni collinari, alle escursioni termiche e a una tradizione agricola che affonda le radici nei secoli. Pur vivendo all’ombra di nomi celebrati come Barolo e Barbaresco, il Dolcetto ha sempre mantenuto una propria identità, diventando il vino quotidiano per eccellenza delle famiglie piemontesi.

Nel calice si presenta con un colore rosso rubino intenso, spesso attraversato da vivaci riflessi violacei quando è giovane. È un vino che colpisce immediatamente per la sua espressività aromatica: emergono con chiarezza la ciliegia, l’amarena, la mora e il mirtillo, accompagnati da leggere sfumature floreali. La firma più riconoscibile arriva però sul finale olfattivo, con quella tipica sensazione di mandorla amara che costituisce uno dei tratti distintivi del vitigno.

L’assaggio conferma le aspettative. Il Dolcetto d’Alba possiede una struttura equilibrata, senza risultare pesante. La moderata acidità rende il sorso morbido e armonioso, mentre il tannino, presente ma mai aggressivo, accompagna un finale piacevolmente amarognolo che ripulisce il palato e invita a un nuovo assaggio. È proprio questo equilibrio a renderlo uno dei vini più immediati e conviviali dell’intero panorama piemontese.

La sua vera forza emerge a tavola. Se altri grandi rossi delle Langhe richiedono abbinamenti studiati e piatti importanti, il Dolcetto d’Alba dimostra una versatilità sorprendente. È il compagno ideale degli antipasti tradizionali piemontesi, dalla battuta di Fassona al vitello tonnato, passando per salumi e terrine. Si abbina con naturalezza ai primi preparati con pasta all’uovo, come gli immancabili ravioli del plin, ma accompagna con successo anche tajarin al ragù, carni bianche arrosto, pollame e formaggi di media stagionatura. La sua freschezza e il finale asciutto permettono inoltre di affrontare con disinvoltura pasti completi senza appesantire il gusto.

Un’altra caratteristica distingue questo vino da molte altre grandi etichette piemontesi: non nasce per lunghe soste in cantina. Se Barolo e Barbaresco raggiungono il loro apice dopo anni di affinamento, il Dolcetto d’Alba offre il meglio della propria personalità nei primi due o tre anni successivi alla vendemmia. È allora che la componente fruttata conserva tutta la sua vivacità e l’equilibrio tra profumi e sapore si esprime con la maggiore intensità.

Negli ultimi anni il Dolcetto d’Alba ha conosciuto una nuova stagione di interesse anche fuori dall’Italia. Consumatori e sommelier apprezzano sempre più vini capaci di coniugare identità territoriale, eleganza e facilità di beva, caratteristiche che questo rosso possiede in misura naturale. Senza cercare la monumentalità dei grandi vini da invecchiamento, continua a rappresentare una delle interpretazioni più sincere del paesaggio viticolo delle Langhe: un vino che racconta il Piemonte con semplicità, autenticità e una sorprendente ricchezza di sfumature.

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In Gli anni in bianco e nero, la scrittrice salentina racconta quattro sorelle negli anni Sessanta e la loro silenziosa conquista della libertà

Tra una sartoria di provincia, i film di Fellini e Visconti e le prime battaglie femminili, Francesca Giannone costruisce un romanzo corale che intreccia memoria privata e trasformazioni sociali. Una storia di desideri trattenuti e di identità che cercano finalmente una voce.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Con il suo terzo romanzo, Gli anni in bianco e nero, pubblicato da Nord, Francesca Giannone torna a raccontare il Mezzogiorno e le sue trasformazioni, scegliendo ancora una volta la dimensione familiare come osservatorio privilegiato per leggere un’epoca. Dopo il successo straordinario de La portalettere e l’ottima accoglienza riservata a Domani, domani, l’autrice salentina firma un’opera corale ambientata nel Salento degli anni Sessanta, un decennio in cui il Paese si avvia verso la modernità, mentre nelle case e nelle piccole comunità resistono antiche regole e gerarchie.

Il cuore del romanzo è la famiglia Elia. Nella sartoria di casa il tempo sembra essersi fermato: ago e filo scandiscono le giornate, mentre il padre continua a esercitare un’autorità severa sulle figlie, convinto che alle donne spetti un ruolo preciso e immutabile. Ma le quattro sorelle custodiscono aspirazioni che non intendono sacrificare.

Giovanna si lascia sedurre dalla musica e dalle sue promesse di libertà; Ada trova rifugio nelle pagine di Jane Austen, riconoscendo nelle eroine della scrittrice inglese un desiderio di autonomia che le appartiene profondamente; Maria rifiuta l’idea di accontentarsi del destino già scritto per lei. E poi c’è Mimì, la più giovane, forse il personaggio più originale del romanzo. Dalla cabina di proiezione del Cinema Apollo osserva i film di Federico Fellini e Luchino Visconti e comprende che la realtà può essere raccontata in modi diversi, montata e ricomposta come una pellicola cinematografica. Decide così che il suo futuro sarà dietro una macchina da presa.

Attorno alle vicende delle sorelle scorrono gli anni delle occupazioni studentesche, delle lotte operaie e della nascita dei primi movimenti femministi. Giannone evita il grande affresco storico e preferisce seguire una rivoluzione più discreta ma non meno radicale: quella che si consuma tra le pareti domestiche, nei silenzi, nei desideri non confessati e nella progressiva presa di coscienza di diritti che fino a poco prima apparivano impensabili. L’accesso al lavoro, la possibilità di scegliere il proprio destino affettivo, perfino il diritto al piacere diventano questioni concrete e non più semplici aspirazioni.

Mimì osserva e filma. Riprende i gesti quasi impercettibili delle sorelle, le tensioni di un matrimonio apparentemente normale, le incertezze e le piccole conquiste quotidiane. Il suo film non nasce da una commissione o da un progetto professionale: è un atto di testimonianza. Raccontare significa resistere, dare forma a una verità che altrimenti rischierebbe di rimanere invisibile. L’immagine cinematografica diventa così una metafora della memoria e della possibilità di cambiare il corso delle cose.

Il romanzo ha conquistato pubblico e critica grazie alla capacità di unire il privato e il sociale in un equilibrio convincente. Molti lettori hanno sottolineato la forza dei ritratti femminili, la vividezza con cui viene ricostruita l’atmosfera degli anni Sessanta e una scrittura limpida, scorrevole e capace di mantenere costante il coinvolgimento emotivo. Il libro è stato accolto come una sorta di indagine narrativa sull’Italia del dopoguerra e, in particolare, sul Sud, raccontato senza stereotipi e con grande attenzione alle sfumature della vita quotidiana.

Nata in Salento, laureata in Scienze della Comunicazione e formatasi anche al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, Francesca Giannone ha costruito negli anni un percorso originale tra letteratura e cultura del racconto. A Bologna ha curato la catalogazione dei trentamila volumi dell’Associazione Luigi Bernardi e ha frequentato la Bottega di Narrazione «Finzioni». Il suo esordio con La portalettere, tradotto in quarantaquattro Paesi e vincitore del Premio Bancarella, l’ha imposta tra le voci più lette della narrativa italiana contemporanea. Con Gli anni in bianco e nero conferma la capacità di trasformare la memoria di una comunità in un racconto universale, dove il passaggio dal bianco e nero al colore coincide con la conquista, lenta e tenace, della libertà.

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Con Nouvelle Vague, il regista texano ricostruisce la nascita di Fino all’ultimo respiro e rende omaggio a una stagione che cambiò per sempre il linguaggio del cinema

Parigi, 1959. Jean-Luc Godard è ancora un critico e un cinefilo irrequieto che non ha girato il suo primo lungometraggio. Richard Linklater trasforma quel momento decisivo in un film elegante e appassionato, dedicato all’energia creativa della Nouvelle Vague e ai suoi protagonisti.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Parigi appare in fermento. I primi film di François Truffaut e Claude Chabrol stanno ricevendo consensi entusiastici e una nuova generazione di autori francesi ha già iniziato a incrinare le regole del cinema tradizionale. All’appello manca ancora Jean-Luc Godard. Nessuno può immaginare che il suo debutto dietro la macchina da presa sia ormai vicino e che proprio da quell’esordio nascerà uno dei film più influenti del Novecento, Fino all’ultimo respiro.

Da questo momento storico prende avvio Nouvelle Vague, il nuovo film di Richard Linklater, produzione francese del 2025 uscita nelle sale italiane il 5 marzo 2026. Il regista texano, noto soprattutto per opere come Before Sunrise, Boyhood e School of Rock, abbandona temporaneamente l’America contemporanea per immergersi nella Parigi di fine anni Cinquanta e raccontare la nascita di un movimento che avrebbe rivoluzionato il modo di concepire il cinema.

La Nouvelle Vague, sviluppatasi attorno ai giovani critici dei Cahiers du Cinéma, contestava il cosiddetto “cinéma de qualité” francese e proponeva un linguaggio nuovo, fatto di riprese in esterni, montaggi irregolari, improvvisazione e una forte impronta autoriale. Fino all’ultimo respiro, realizzato nel 1960 da Godard, ne sarebbe diventato il manifesto più celebre, influenzando generazioni di registi in tutto il mondo.

Linklater affronta questo materiale con sorprendente leggerezza e con un’autentica passione cinefila. Per la prima volta gira un film interamente in francese e si affida a un cast quasi completamente transalpino. Guillaume Marbeck interpreta un Jean-Luc Godard inquieto e visionario, mentre Zoey Deutch offre una convincente incarnazione di Jean Seberg, l’attrice americana che divenne il volto femminile di Fino all’ultimo respiro. Accanto a loro compaiono le figure di François Truffaut, Claude Chabrol, Jacques Rivette, Agnès Varda, Robert Bresson, Jean-Pierre Melville e persino Roberto Rossellini, evocando un universo creativo irripetibile.

L’aspetto più riuscito dell’operazione è la ricostruzione dell’atmosfera. Linklater evita ogni tentazione agiografica e rinuncia a qualsiasi sperimentalismo imitativo. Non prova a fare un film “alla Godard”. Preferisce raccontare, con misura e ironia, l’ambiente umano e intellettuale in cui nacque una rivoluzione artistica. I grandi autori vengono mostrati mentre discutono, si confrontano, si invidiano e si sostengono reciprocamente. Godard e Truffaut emergono soprattutto come amici, prima ancora che come miti del cinema.

Anche la sceneggiatura lavora su un principio profondamente godardiano: il fascino del non detto e del non mostrato. Più volte ritorna l’idea che immaginare ciò che non si vede alimenti il mistero e il desiderio. Per questo Nouvelle Vague costruisce gran parte della sua forza narrativa sul fuoricampo, su ciò che potrebbe essere accaduto tra una ripresa e l’altra di Fino all’ultimo respiro, nelle pause, nelle conversazioni e nei piccoli gesti quotidiani.

Qualche inevitabile semplificazione è presente, soprattutto per consentire anche agli spettatori meno esperti di orientarsi tra nomi e riferimenti storici. Ma il compromesso appare funzionale a un obiettivo più ambizioso: rendere accessibile la storia di un movimento che, pur appartenendo a una precisa stagione culturale, continua ancora oggi a influenzare il cinema contemporaneo.

Il merito più grande di Richard Linklater sta forse proprio qui. Nouvelle Vague non pretende di spiegare teoricamente la rivoluzione godardiana né di mitizzarne i protagonisti. Si limita a osservare un gruppo di giovani cinefili che, quasi inconsapevolmente, si accingeva a cambiare per sempre la storia del cinema. E nel far apparire naturale un’impresa tanto complessa, il regista americano dimostra ancora una volta la qualità più rara dei grandi narratori: la capacità di trasformare la passione per il cinema in puro piacere del racconto.

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Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Nel cuore della Basilicata un borgo medievale racconta la propria storia attraverso centinaia di murales, tradizioni secolari e un paesaggio che unisce arte e natura

Tra vicoli dipinti, antichi palazzi e figure del folclore lucano, Satriano di Lucania è diventato uno dei più originali musei a cielo aperto d’Italia. Un luogo in cui il patrimonio artistico contemporaneo dialoga con le radici più profonde del territorio.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

A prima vista sembra un tranquillo borgo dell’Appennino lucano, raccolto attorno alle sue piazze e alle case in pietra. Basta però imboccare una strada del centro storico per accorgersi che qui le pareti raccontano storie. Satriano di Lucania, in provincia di Potenza, è conosciuto come la capitale dei murales del Mezzogiorno e, da decenni, ha scelto di affidare all’arte il compito di custodire la propria memoria.

Il borgo, nato in epoca medievale con il nome di Pietrafesa e divenuto Satriano di Lucania nel 1887 per riallacciare il legame con l’antica città di Satrianum, sorge nella valle del Melandro, a oltre seicento metri di altitudine, sulle pendici di tre rilievi naturali: il Castello, il Piesco e la Madonna della Rocca. Un territorio attraversato nei secoli da popoli, commerci e culture, dove un tempo transitava anche l’antica via Herculea romana.

La fama di Satriano è legata soprattutto ai suoi murales. Le prime opere comparvero tra gli anni Ottanta e Novanta e da allora il progetto si è ampliato fino a superare le quattrocento pitture distribuite tra strade, piazze e facciate di edifici storici. Il risultato è un vero museo diffuso, considerato da molti la più vasta pinacoteca all’aperto della Basilicata. Ogni dipinto è un frammento di identità collettiva: scene di vita contadina, antichi mestieri, leggende popolari, temi religiosi, richiami alla biodiversità e omaggi ai personaggi che hanno segnato la storia del paese.

Tra le figure più celebrate vi è Giovanni De Gregorio, detto il Pietrafesa, pittore lucano del tardo Manierismo e del primo Barocco, nato proprio qui alla fine del Cinquecento. La sua eredità artistica continua a rappresentare un punto di riferimento per la comunità e per gli artisti dell’associazione Arte per la Valle, che negli anni hanno contribuito a fare dei murales un potente strumento di valorizzazione culturale.

Passeggiare per Satriano significa attraversare un itinerario ricco di sorprese. Corso Trieste introduce immediatamente nel mondo dei murales e conduce verso Piazza Umberto I, dedicata alla biodiversità e all’archeologia. Piazza Abbamonte custodisce dipinti ispirati alla leggenda del Moccio, mentre Piazza Pietrafesa è una delle aree più scenografiche del borgo, dove l’arte contemporanea dialoga con l’architettura storica. Via Roma e le strade adiacenti svelano ulteriori scorci dipinti e conducono verso edifici di notevole interesse, come Palazzo Loreti, oggi sede del municipio e di spazi museali dedicati alla civiltà contadina e all’archeologia del territorio.

Il patrimonio storico di Satriano comprende anche il Santuario della Madonna delle Grazie, meta di una sentita devozione popolare, la Cappella di San Donato e l’antica Rocca del Duca di Poggiardo, oggi sede del Museo Multimediale “Il Palco dei Colori” e della biblioteca comunale. L’Anfiteatro Porticelle, realizzato nel 2006 e caratterizzato da una scacchiera a grandezza umana, rappresenta invece il volto più contemporaneo del borgo e ospita spettacoli ed eventi culturali.

La vitalità culturale del paese si esprime anche attraverso le sue tradizioni. Il Carnevale di Satriano è tra i più originali del Sud Italia e ha reso celebre la figura del Rumita, l’uomo-albero interamente ricoperto di edera, simbolo del rapporto profondo tra la comunità e la natura. Accanto a lui sopravvivono altre maschere della tradizione, come l’Orso e la Quaresima, testimonianza di una memoria popolare che continua a reinventarsi senza perdere autenticità.

Satriano di Lucania dimostra come un piccolo centro dell’entroterra possa costruire la propria identità attraverso la cultura. Qui i muri non separano gli spazi: diventano pagine di un racconto collettivo. E il visitatore, camminando tra vicoli e scalinate dipinte, ha la sensazione di attraversare un libro illustrato a cielo aperto, dove ogni immagine conserva un frammento della memoria lucana e lo consegna al futuro.

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Nel 1963 il designer finlandese Tapio Wirkkala disegnò per Rosenthal una delle più eleganti interpretazioni del rigore nordico, trasformando la tavola in un esercizio di libertà formale

Forchette, coltelli e cucchiai non sono semplici utensili. Nella serie Kurve, il maestro del design finlandese Tapio Wirkkala riuscì a coniugare precisione funzionale e ricerca plastica, dando vita a un servizio di posate che ancora oggi rappresenta un’icona del design scandinavo del Novecento.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

A volte basta osservare il profilo di un coltello per capire che il design può avvicinarsi alla scultura. È il caso di Kurve, il servizio di posate progettato nel 1963 da Tapio Wirkkala per Rosenthal, una delle creazioni più significative del design nordico del dopoguerra e uno degli esempi più riusciti di dialogo tra funzionalità e ricerca formale.

La serie nasce in un momento particolarmente felice della carriera di Wirkkala. Nato a Hanko, in Finlandia, nel 1915, il designer era già considerato una figura centrale del progetto europeo. Formatosi alla Scuola Centrale di Arti Applicate di Helsinki, aveva lavorato con successo in ambiti molto diversi, dal vetro alla ceramica, dall’oreficeria alla grafica, dimostrando una rara capacità di muoversi tra industria e sperimentazione artistica. Le sue opere sarebbero poi entrate nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York e del Centre Pompidou di Parigi.

Il rapporto con Rosenthal, iniziato alla fine degli anni Cinquanta, contribuì in modo decisivo alla diffusione internazionale del suo linguaggio progettuale. La casa tedesca, che negli anni Sessanta si impose come uno dei laboratori più innovativi del design europeo, chiamò a collaborare alcuni tra i più importanti progettisti del Novecento, da Walter Gropius a Raymond Loewy, da Luigi Colani a Mario Bellini. In questo contesto, le creazioni di Wirkkala rappresentarono una sintesi particolarmente raffinata della sensibilità scandinava.

La caratteristica più evidente di Kurve è la libertà con cui le forme sembrano sottrarsi alla rigida geometria delle posate tradizionali. Il nome stesso della collezione richiama l’idea di una linea in movimento. Le superfici sono essenziali, prive di decorazioni superflue, ma il volume degli elementi rivela una continua tensione plastica. Il coltello è il pezzo più emblematico: la sua sezione appare ruotata di novanta gradi, generando una torsione che modifica la percezione dell’oggetto e gli conferisce una sorprendente vitalità visiva. La curva non è mai un semplice ornamento, ma una soluzione progettuale che accompagna il gesto della mano e rende l’uso naturale e intuitivo.

È proprio questa capacità di conciliare rigore e libertà a rendere Kurve un classico del design scandinavo. La tradizione nordica, infatti, ha sempre cercato un equilibrio tra funzionalità e poesia della forma, tra semplicità apparente e sofisticazione tecnica. Wirkkala traduce questi principi in un oggetto quotidiano che conserva una forte identità espressiva senza rinunciare alla propria funzione.

L’opera riflette anche il rapporto profondo del designer con il paesaggio finlandese. Molte delle sue creazioni si ispirano alle forme organiche della natura, al profilo delle foglie, alle superfici levigate dal ghiaccio, ai movimenti dell’acqua e della neve. Pur appartenendo al mondo delle arti applicate, Kurve sembra partecipare della stessa sensibilità: le linee morbide e le proporzioni misurate evocano un ordine naturale che appare spontaneo e al tempo stesso rigorosamente costruito.

A oltre sessant’anni dalla sua presentazione, la serie continua a essere considerata uno degli emblemi della tavola moderna. La sua attualità deriva proprio dalla capacità di superare le mode e di proporre una bellezza fondata sull’essenzialità. In un’epoca dominata dall’accumulo e dall’eccesso, le posate di Tapio Wirkkala ricordano che il design più convincente nasce spesso da un gesto minimo, da una lieve torsione, da una curva capace di trasformare un oggetto d’uso quotidiano in una piccola opera d’arte.

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A Palermo sono molto più di una ricetta: rappresentano una memoria collettiva fatta di pranzi in famiglia, teglie fumanti e una tradizione che attraversa i secoli

Gli anelletti al forno appartengono al patrimonio gastronomico più autentico della Sicilia. Dietro questo piatto ricco e conviviale si nasconde una storia di influenze arabe, consuetudini familiari e gesti tramandati di generazione in generazione.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

A Palermo il profumo degli anelletti al forno è uno di quei segnali che annunciano una ricorrenza. Natale, Ferragosto, un pranzo domenicale particolarmente importante: la grande teglia gratinata che arriva in tavola continua a rappresentare un rito familiare prima ancora che una preparazione gastronomica.

Gli anelletti al forno sono il timballo simbolo della cucina palermitana e, pur essendo diffusi in tutta la Sicilia, conservano con il capoluogo un legame speciale. La loro preparazione richiede tempo e pazienza, due ingredienti che spiegano perché il piatto sia tradizionalmente associato ai giorni di festa e alle occasioni di condivisione.

L’elemento distintivo è naturalmente la pasta. Gli anelletti sono piccoli anelli di semola, spessi quasi quanto un bucatino e lunghi circa un centimetro. La loro forma non è casuale: consente al condimento di penetrare all’interno della pasta e permette al timballo di mantenere compattezza al momento del taglio. Una suggestiva tradizione popolare vuole addirittura che i primi pastai siciliani si siano ispirati agli orecchini indossati dalle donne arabe.

Le origini del piatto affondano infatti nella lunga stratificazione culturale dell’isola. Il concetto stesso di timballo rimanda a influenze arabe e alla consuetudine di preparare pietanze composte in contenitori destinati alla cottura. Nel corso dei secoli la ricetta si è trasformata, arricchendosi progressivamente fino ad assumere la forma che oggi conosciamo. Tra il Settecento e l’Ottocento furono i Monsù, i cuochi di formazione francese al servizio delle famiglie aristocratiche siciliane, a contribuire al perfezionamento del piatto, che nelle tavole nobili poteva essere impreziosito persino da ingredienti di lusso come la cacciagione o il tartufo.

Con l’industrializzazione della produzione della pasta e la diffusione degli anelletti nel Palermitano, il timballo divenne progressivamente un piatto popolare e familiare. Oggi ogni casa custodisce una propria versione, spesso tramandata oralmente e realizzata più “a occhio” che seguendo dosi rigorose. Ed è proprio questa pluralità di interpretazioni a rappresentare una delle caratteristiche più affascinanti della ricetta.

La base è quasi sempre la stessa: un ragù di carne preparato con macinato di manzo e di maiale, arricchito da piselli e pomodoro, con cui vengono conditi gli anelletti lessati molto al dente. Il tutto viene poi trasferito in una teglia unta e cosparsa di pangrattato, che in cottura formerà la tipica crosticina dorata e fragrante. Nel ripieno trovano posto formaggi locali come tuma, primosale o caciocavallo, ma non mancano varianti con mozzarella, uova sode, salumi e melanzane fritte, ingrediente particolarmente amato nella tradizione palermitana. La besciamella, spesso presente nelle versioni moderne, non appartiene invece alla preparazione più autentica.

La struttura del piatto ricorda quella di uno sformato. Gli anelletti vengono disposti a strati e, una volta passati in forno, assumono una consistenza compatta che permette di servire porzioni perfettamente definite. In alcune gastronomie siciliane la ricetta viene proposta anche in versione monoporzione, i cosiddetti timballetti, piccoli scrigni di pasta al forno che rappresentano una pratica evoluzione del piatto tradizionale.

Al di là della ricetta, gli anelletti al forno raccontano un modo di vivere la tavola tipicamente siciliano. Sono un piatto generoso, pensato per essere condiviso, capace di riunire le famiglie attorno a una preparazione che richiede cura e attesa. In un’epoca in cui il cibo tende sempre più alla rapidità e all’immediatezza, questo timballo continua a ricordare che alcune ricette non servono soltanto a nutrire. Servono soprattutto a custodire la memoria e a trasformare un semplice pranzo in un’occasione di appartenenza.

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Da vitigno locale a protagonista dell’enologia italiana, il Nero d’Avola continua a esprimere il carattere dell’isola attraverso vini intensi, versatili e profondamente legati al territorio

È il più celebre dei vitigni rossi siciliani e uno dei simboli del rinascimento enologico dell’isola. Il Nero d’Avola unisce generosità mediterranea, ricchezza aromatica e una sorprendente capacità di adattarsi a interpretazioni molto diverse, dalle etichette più strutturate a quelle fresche e immediate.

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A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Il suo nome richiama Avola, cittadina del Siracusano nota anche per la produzione delle mandorle, ma la storia del Nero d’Avola appartiene all’intera Sicilia. Oggi è considerato il re dei vitigni rossi dell’isola, il più coltivato e il più rappresentativo di un territorio che negli ultimi decenni ha saputo trasformare la propria tradizione vinicola in uno dei capitoli più interessanti dell’enologia italiana.

Le origini del vitigno sono antiche e in parte avvolte dall’incertezza. Per lungo tempo è stato conosciuto anche con il nome di Calabrese, una denominazione che non rimanda alla regione Calabria ma deriverebbe dall’espressione dialettale “calaurisi”, ovvero “uva di Avola”. Per secoli il Nero d’Avola è stato utilizzato soprattutto come vino da taglio grazie al suo colore intenso e alla sua struttura importante. Soltanto a partire dagli anni Ottanta e Novanta del Novecento il vitigno ha iniziato a essere valorizzato in purezza, diventando uno dei protagonisti della rinascita vitivinicola siciliana.

La sua diffusione interessa quasi tutta l’isola, dalle province di Siracusa e Ragusa fino al Trapanese e all’Agrigentino. Il clima caldo, la luminosità e la varietà dei suoli consentono al vitigno di esprimere caratteri differenti. Nei terreni più aridi e ricchi di minerali sviluppa concentrazione e profondità, mentre nelle aree più ventilate e poste a maggiore altitudine rivela un profilo aromatico più fresco e dinamico.

Il Nero d’Avola è generalmente riconoscibile per il colore rosso rubino profondo e per il suo corredo olfattivo dominato da frutti rossi maturi, amarena, ciliegia, prugna e mora. Con l’affinamento possono emergere note di spezie dolci, tabacco, cacao e liquirizia. In bocca presenta normalmente una buona struttura, tannini morbidi e una piacevole persistenza, caratteristiche che ne fanno un vino di grande versatilità gastronomica.

Proprio questa versatilità permette di superare un luogo comune diffuso, secondo cui il Nero d’Avola sarebbe adatto esclusivamente a piatti robusti e lunghe maturazioni in legno. La produzione contemporanea propone infatti interpretazioni molto diverse, comprese versioni più giovani, vinificate prevalentemente in acciaio, che mettono in evidenza la componente fruttata e una maggiore freschezza gustativa.

È questa la tipologia che dialoga con particolare efficacia con uno dei piatti simbolo della cucina palermitana: gli anelletti al forno. Il timballo, con il suo ragù di carne, i piselli, il formaggio e la crosticina dorata di pangrattato, possiede una ricchezza aromatica che richiede un vino capace di accompagnarlo senza sovrastarlo. Un Nero d’Avola giovane, caratterizzato da note di ciliegia e piccoli frutti rossi, da una tessitura tannica gentile e da una piacevole freschezza, riesce a sostenere la succulenza del piatto mantenendo equilibrio e bevibilità.

L’abbinamento funziona proprio perché mette in relazione due espressioni della stessa cultura gastronomica. Da un lato un vino che porta nel bicchiere il sole e la biodiversità della Sicilia, dall’altro una preparazione che racconta il valore della convivialità e delle grandi tavolate familiari. Entrambi condividono un’identica filosofia: ricchezza e generosità, ma sempre accompagnate da una sorprendente armonia.

Negli ultimi anni il Nero d’Avola è diventato uno degli ambasciatori del vino italiano nel mondo. La sua capacità di rinnovarsi senza perdere identità lo ha reso un riferimento per i produttori e per gli appassionati. Ed è forse proprio questa la sua qualità più affascinante: riuscire a mantenere intatto il carattere mediterraneo dell’isola, continuando però a proporre interpretazioni nuove, immediate e contemporanee, proprio come accade nelle migliori espressioni del patrimonio gastronomico siciliano.

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