A quasi vent’anni dal primo successo, il sequel riporta sullo schermo una delle figure più iconiche del cinema contemporaneo, tra crisi dell’editoria fashion e nuove gerarchie del lusso

Il ritorno de Il Diavolo veste Prada segna uno degli eventi cinematografici più attesi degli ultimi anni. Il sequel riporta al centro Miranda Priestly, figura simbolo del potere nella moda, ma la nuova storia promette di raccontare anche il tramonto di un’epoca e la trasformazione radicale dell’industria editoriale.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Hollywood torna a puntare su uno dei titoli più influenti degli anni Duemila. Il Diavolo veste Prada 2 riporterà sul grande schermo l’universo di Runway, la rivista fashion immaginaria che nel 2006 trasformò Miranda Priestly in un’icona culturale globale. A interpretarla sarà ancora una volta Meryl Streep, protagonista di una performance entrata nella storia del cinema contemporaneo e spesso considerata una delle rappresentazioni più memorabili del potere femminile sullo schermo.

Il primo film, tratto dal romanzo di Lauren Weisberger pubblicato nel 2003, raccontava il dietro le quinte dell’editoria di moda attraverso gli occhi della giovane Andy Sachs, interpretata da Anne Hathaway. La storia si ispirava liberamente all’esperienza dell’autrice presso Vogue e al rapporto con la leggendaria direttrice Anna Wintour, figura che per anni è stata associata al personaggio di Miranda Priestly, pur senza un riferimento ufficialmente dichiarato.

Il sequel nasce in un contesto completamente diverso rispetto a quello raccontato quasi vent’anni fa. Se il primo capitolo rifletteva il fascino assoluto delle riviste cartacee e il dominio delle grandi direttrici editoriali, oggi l’industria della moda si confronta con la crisi della carta stampata, l’avanzata dei social media e il nuovo peso economico dei conglomerati del lusso. Ed è proprio qui che si svilupperà il cuore narrativo del nuovo film.

Secondo le anticipazioni emerse nelle ultime settimane, Miranda Priestly dovrà affrontare il progressivo declino del tradizionale sistema editoriale. Il personaggio si troverà infatti a negoziare con figure sempre più centrali nel business contemporaneo: manager del lusso, investitori e gruppi finanziari che hanno ridefinito il mercato globale della moda. Emily Charlton, l’assistente interpretata da Emily Blunt nel film originale, avrebbe ora un ruolo di primo piano all’interno di una potente holding del fashion luxury, creando un interessante ribaltamento delle gerarchie viste nel primo capitolo.

Il progetto è prodotto da Disney attraverso 20th Century Studios e rappresenta una delle operazioni nostalgia più strategiche degli ultimi anni. Il cinema hollywoodiano continua infatti a recuperare franchise e personaggi capaci di parlare contemporaneamente a più generazioni di spettatori. Nel caso de Il Diavolo veste Prada, il ritorno assume però anche un valore simbolico: il film originale non fu soltanto un successo commerciale, ma contribuì a ridefinire l’immaginario collettivo legato al mondo della moda, mostrando il lato spietato dell’ambizione professionale e della costruzione dell’immagine pubblica.

Meryl Streep, parlando del personaggio nel corso degli anni, ha spesso ricordato Miranda Priestly come “la donna più antipatica” interpretata nella sua carriera, sottolineando però la complessità psicologica di una figura costruita sulla disciplina assoluta e sul controllo emotivo. È proprio questa ambiguità ad aver reso Miranda un personaggio duraturo: non una semplice antagonista, ma l’emblema di un sistema fondato su eccellenza, competitività e sacrificio personale.

Il primo film ebbe anche un forte impatto estetico e culturale. Costumi, accessori e styling contribuirono a trasformare numerosi marchi di lusso in elementi narrativi riconoscibili dal grande pubblico. La collaborazione con Patricia Field, già celebre per Sex and the City, rese il guardaroba del film uno degli aspetti più discussi e imitati della cultura pop del periodo. Oggi il sequel dovrà confrontarsi con un panorama profondamente cambiato, dove il lusso dialoga continuamente con il digitale, l’influencer marketing e la comunicazione istantanea.

Resta ancora riservata la partecipazione completa del cast storico, anche se l’interesse del pubblico si concentra soprattutto sul possibile ritorno di Anne Hathaway e Stanley Tucci. Nel frattempo, la produzione sembra intenzionata a mantenere il tono sofisticato e ironico che aveva reso il primo film un raro equilibrio tra commedia brillante, critica sociale e racconto generazionale.

Più che un semplice seguito, Il Diavolo veste Prada 2 si presenta quindi come un confronto tra due epoche della moda e della comunicazione. Da una parte il prestigio quasi monarchico delle grandi direttrici editoriali, dall’altra un sistema frammentato e dominato dagli algoritmi, dalle piattaforme digitali e dai grandi gruppi finanziari. In mezzo resta Miranda Priestly, ancora impeccabile, ancora temuta, ancora simbolo di un potere che il cinema continua a osservare con fascinazione.

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Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Tra ironia, provincia italiana e dinamiche sentimentali contemporanee, il romanzo conferma il fenomeno editoriale dell’autrice emiliana

Con Non è un paese per single, Felicia Kingsley torna a raccontare relazioni, ambizioni e fragilità emotive attraverso una commedia brillante ambientata in un piccolo borgo italiano. Un romanzo che unisce ritmo cinematografico, humor e osservazione sociale, consolidando il ruolo dell’autrice tra i nomi più popolari della narrativa italiana contemporanea.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel panorama editoriale italiano degli ultimi anni, Felicia Kingsley rappresenta uno dei casi più interessanti di successo trasversale tra narrativa commerciale, romance contemporaneo e pubblico digitale. Con Non è un paese per single, pubblicato da Newton Compton Editori, la scrittrice prosegue il percorso che l’ha trasformata in una delle autrici italiane più lette della sua generazione, grazie a una formula narrativa che combina leggerezza, costruzione cinematografica delle scene e personaggi immediatamente riconoscibili.

Il romanzo si sviluppa attorno alla figura di Elisa Benetti, giovane giornalista trasferita da Milano in un piccolo paese toscano apparentemente perfetto, ma governato da regole sociali molto precise. Il borgo, infatti, sembra avere un problema particolare: gli uomini single scarseggiano e la comunità locale esercita una pressione costante sulle relazioni sentimentali, trasformando ogni nuovo arrivo in un potenziale candidato ideale per matrimoni e combinazioni amorose. È da questa premessa che Kingsley costruisce una commedia romantica vivace, giocata sul contrasto tra mentalità urbana e dinamiche provinciali.

Uno degli aspetti più efficaci del libro è la capacità di raccontare la provincia italiana senza stereotipi eccessivamente caricaturali. Il paese immaginato dall’autrice diventa quasi un microcosmo sociale, dove pettegolezzi, convenzioni e aspettative collettive influenzano profondamente le scelte individuali. In questo contesto Elisa cerca di mantenere la propria indipendenza professionale e personale, trovandosi però coinvolta in relazioni inattese e in un sistema di equilibri che sfugge al suo controllo.

Felicia Kingsley, laureata in architettura e originaria della provincia di Modena, ha costruito negli anni uno stile molto riconoscibile. I suoi romanzi utilizzano i meccanismi tipici della romantic comedy anglosassone, ma li trasferiscono in contesti italiani contemporanei, con dialoghi rapidi, forte attenzione al ritmo e una narrazione che richiama spesso le serie televisive di successo. Non a caso molti lettori e osservatori del settore hanno accostato il suo lavoro a quello delle grandi autrici internazionali del romance moderno, pur mantenendo una precisa identità nazionale.

Il successo dell’autrice è legato anche alla trasformazione recente del mercato editoriale italiano. La crescita delle community online dedicate ai libri, il fenomeno di TikTok e la diffusione del cosiddetto “romance contemporaneo” hanno contribuito a creare una nuova generazione di lettrici e lettori fortemente fidelizzati. Kingsley è stata tra le prime autrici italiane a intercettare questo pubblico, costruendo una relazione diretta attraverso social network, presentazioni e dialogo costante con la propria community.

In Non è un paese per single emerge inoltre una riflessione più ampia sulle aspettative sociali legate alla coppia e alla realizzazione personale. Dietro l’ironia e le situazioni brillanti, il romanzo affronta infatti temi molto attuali: la difficoltà di conciliare carriera e vita privata, la pressione culturale verso la stabilità sentimentale e il desiderio di definire autonomamente il proprio percorso. Sono elementi che permettono al libro di andare oltre la semplice evasione narrativa, mantenendo però un tono leggero e accessibile.

Anche dal punto di vista editoriale il caso Kingsley continua a essere significativo. I suoi romanzi occupano stabilmente le classifiche italiane e vengono spesso indicati come esempio della crescente centralità del romance nel mercato librario nazionale, un genere che per anni è stato considerato marginale e che oggi rappresenta invece una delle aree più dinamiche dell’editoria commerciale.

Il fascino di Non è un paese per single risiede proprio in questo equilibrio tra intrattenimento e osservazione sociale. Felicia Kingsley utilizza la struttura della commedia romantica per raccontare una contemporaneità fatta di relazioni fluide, aspettative familiari e ricerca di autenticità. Il risultato è un romanzo scorrevole ma costruito con attenzione, capace di parlare a un pubblico ampio senza rinunciare a una precisa consapevolezza narrativa.

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Nel cuore dell’Alto Adige, uno dei laghi alpini più fotografati d’Europa continua a incantare viaggiatori e fotografi grazie ai suoi colori cangianti e al paesaggio dolomitico che lo circonda

Il Lago di Carezza, ai piedi del massiccio del Latemar, è molto più di una meta turistica: è un luogo dove geologia, folklore e paesaggio convivono in perfetto equilibrio. Le sue acque riflettono le Dolomiti Patrimonio UNESCO, trasformando ogni stagione in un’esperienza visiva diversa.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel panorama naturale delle Dolomiti altoatesine, il Lago di Carezza rappresenta una delle immagini più riconoscibili e fotografate dell’arco alpino italiano. Situato nel comune di Nova Levante, a circa venticinque chilometri da Bolzano, questo piccolo bacino alpino si trova a oltre 1500 metri di altitudine, immerso in una foresta di abeti e dominato dalle cime del Latemar. Le sue dimensioni relativamente contenute contrastano con l’impatto visivo del luogo, capace di attirare ogni anno migliaia di visitatori provenienti da tutta Europa.

Il lago è conosciuto anche con il nome tedesco di Karersee e deve la sua fama soprattutto ai riflessi intensi delle sue acque, che variano dal verde smeraldo al turchese in base alla luce e alla stagione. Questo fenomeno cromatico dipende dalla composizione minerale dell’acqua e dalla particolare posizione geografica del bacino, alimentato da sorgenti sotterranee provenienti dal Latemar. Non a caso il Lago di Carezza viene spesso definito “il lago dell’arcobaleno”, espressione legata anche a una delle leggende più note della tradizione ladina.

Secondo il racconto popolare, una ninfa viveva nelle acque del lago e un mago, innamoratosi di lei, chiese consiglio alla strega Langwerda su come conquistarla. La strega suggerì di creare un arcobaleno tra il Catinaccio e il Latemar per attirare la creatura. Il piano però fallì e il mago, furioso, spezzò l’arcobaleno gettandone i frammenti nel lago, che da allora avrebbe assunto le sue celebri sfumature colorate. È una narrazione che contribuisce ancora oggi al fascino quasi fiabesco del luogo e che rafforza il legame culturale tra paesaggio e tradizione alpina.

Dal punto di vista naturalistico, il Lago di Carezza si inserisce in uno degli ecosistemi montani più delicati delle Dolomiti. L’area circostante ospita boschi alpini, sentieri panoramici e una biodiversità tipica dell’ambiente dolomitico. Le montagne che circondano il lago appartengono infatti alle Dolomiti occidentali, dichiarate Patrimonio Mondiale UNESCO nel 2009 per il loro valore geologico e paesaggistico. Il Latemar, con le sue pareti rocciose frastagliate, rappresenta uno degli esempi più spettacolari di formazione dolomitica.

Negli ultimi anni il Lago di Carezza è diventato anche un caso emblematico di gestione sostenibile del turismo alpino. L’aumento dei visitatori, favorito dalla diffusione delle immagini sui social network, ha portato le autorità locali a introdurre percorsi protetti e aree di osservazione regolamentate per preservare l’equilibrio ambientale del sito. Oggi il lago può essere osservato attraverso passerelle e punti panoramici che limitano l’impatto diretto dei flussi turistici sulle rive più fragili.

Il luogo mantiene comunque una forte accessibilità. Il percorso che circonda il lago è semplice e adatto anche a visitatori non esperti, mentre i sentieri vicini permettono di raggiungere itinerari più impegnativi verso il Catinaccio e il Latemar. In inverno l’area assume un’atmosfera completamente diversa: neve, ghiaccio e silenzio trasformano il paesaggio in uno scenario quasi nordico, molto distante dall’immagine estiva più conosciuta.

Anche la fotografia ha avuto un ruolo decisivo nella notorietà contemporanea del Lago di Carezza. Le condizioni di luce del mattino e del tardo pomeriggio creano riflessi particolarmente intensi, rendendo il lago una destinazione privilegiata per fotografi naturalisti e appassionati di paesaggio. Nonostante la crescente popolarità digitale, il luogo conserva però una dimensione contemplativa rara, soprattutto fuori stagione.

Il Lago di Carezza continua così a rappresentare uno dei simboli più potenti dell’identità dolomitica: un equilibrio tra natura, memoria e immaginario collettivo, dove la dimensione turistica non ha ancora cancellato il senso autentico del paesaggio alpino.

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Il celebre oggetto multifunzione è diventato un simbolo della capacità del design italiano di unire ironia, funzionalità e ricerca formale

Compatto, essenziale e immediatamente riconoscibile, Moscardino è molto più di una semplice posata. Progettato all’inizio degli anni Duemila, questo piccolo oggetto di design ha ridefinito il concetto di utensile monouso trasformandolo in un’icona della cultura progettuale italiana contemporanea.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel mondo del design industriale esistono oggetti capaci di superare la propria funzione pratica per diventare simboli culturali. È il caso di Moscardino, la celebre posata progettata da Giulio Iacchetti e Matteo Ragni per Alessi, oggi considerata uno degli esempi più efficaci della nuova progettazione italiana dei primi anni Duemila. Apparentemente semplice, quasi minimale, questo piccolo utensile racchiude in realtà una riflessione molto più ampia sul rapporto tra forma, utilizzo quotidiano e sostenibilità.

Presentato nel 2000, Moscardino nasce come reinterpretazione contemporanea delle tradizionali posate usa e getta. Iacchetti e Ragni immaginano un oggetto ibrido, capace di funzionare contemporaneamente come cucchiaio e forchetta, mantenendo una linea morbida, ergonomica e facilmente riconoscibile. Il nome stesso richiama il moscardino, piccolo polpo mediterraneo, suggerendo una forma organica e giocosa che si allontana dalla rigidità funzionalista del design industriale tradizionale.

La produzione affidata ad Alessi – azienda fondata nel 1921 e diventata nel tempo una delle realtà simbolo del design italiano nel mondo – contribuisce immediatamente alla diffusione internazionale dell’oggetto. In un periodo in cui il design italiano stava cercando nuovi linguaggi dopo la stagione radicale degli anni Settanta e Ottanta, Moscardino rappresenta un ritorno alla semplicità intelligente: un progetto che non punta sull’eccesso decorativo, ma sulla capacità di risolvere esigenze concrete con leggerezza formale.

Uno degli aspetti più innovativi riguarda proprio il materiale. La prima versione venne realizzata in bioplastica biodegradabile Mater-Bi, sviluppata da Novamont, anticipando temi che sarebbero diventati centrali solo molti anni dopo. In un’epoca in cui la sostenibilità non era ancora al centro del dibattito globale sul design industriale, Moscardino proponeva già una riflessione sull’impatto ambientale degli oggetti monouso e sulla possibilità di ripensare il consumo quotidiano attraverso il progetto.

Il successo dell’oggetto fu immediato anche in ambito critico. Nel 2001 Moscardino ricevette il Compasso d’Oro ADI, il più importante riconoscimento italiano dedicato al design industriale, assegnato dall’Associazione per il Disegno Industriale. Il premio consacrò il lavoro di Giulio Iacchetti e Matteo Ragni come una delle espressioni più interessanti della nuova generazione di designer italiani, capaci di coniugare ricerca estetica, ironia e attenzione sociale.

Osservato oggi, Moscardino appare ancora sorprendentemente contemporaneo. Le sue linee morbide e la sua natura ibrida anticipano infatti molte delle tendenze che avrebbero caratterizzato il design successivo: multifunzionalità, riduzione formale, sostenibilità e attenzione all’esperienza d’uso. È un oggetto che comunica immediatamente la propria funzione senza bisogno di spiegazioni, mantenendo però una forte identità estetica.

Anche il rapporto con il cibo e con il gesto quotidiano assume un ruolo centrale nel progetto. Moscardino non è soltanto una posata pratica per finger food, aperitivi o degustazioni veloci: diventa un elemento capace di ridefinire il comportamento a tavola in contesti informali e contemporanei. La sua struttura invita a un utilizzo spontaneo e fluido, adattandosi ai cambiamenti delle abitudini alimentari urbane degli ultimi decenni.

Nel lavoro di Iacchetti e Ragni emerge inoltre una caratteristica tipica del miglior design italiano: la capacità di attribuire personalità anche agli oggetti più semplici. Moscardino non cerca monumentalità né lusso ostentato, ma lavora sulla precisione del dettaglio, sull’equilibrio delle proporzioni e sull’intelligenza progettuale. È proprio questa apparente semplicità a renderlo un piccolo classico del design contemporaneo.

A oltre vent’anni dalla sua introduzione, Moscardino continua a essere esposto in musei, pubblicazioni specializzate e collezioni dedicate al design industriale. La sua forza risiede nell’aver trasformato un oggetto minimo in una riflessione concreta sul modo in cui il progetto può intervenire nella vita quotidiana migliorandola senza clamore, attraverso forme essenziali e immediatamente comprensibili.

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Fra tradizione popolare, pasta fresca e sapori intensi, la gramigna alla salsiccia continua a essere uno dei simboli gastronomici più riconoscibili dell’Emilia-Romagna

Rustica, cremosa e profondamente legata alla cultura emiliana, la gramigna alla salsiccia è molto più di una ricetta regionale. È un piatto che unisce memoria domestica, artigianalità della pasta fresca e identità territoriale, mantenendo intatto il proprio fascino anche nella cucina contemporanea.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel panorama della cucina emiliana esistono piatti che riescono a sintetizzare perfettamente il rapporto tra territorio, convivialità e cultura gastronomica. La gramigna alla salsiccia appartiene senza dubbio a questa categoria. Diffusa soprattutto nell’area di Bologna e Modena, questa preparazione rappresenta ancora oggi uno dei simboli più autentici della cucina popolare dell’Emilia-Romagna, una regione dove la pasta fresca non è soltanto tradizione culinaria, ma parte integrante dell’identità culturale locale.

La protagonista del piatto è la gramigna, formato di pasta corta dalla caratteristica forma ricurva, simile a un piccolo ricciolo. Tradizionalmente preparata con semola e uova, la gramigna nasce come pasta semplice e quotidiana, pensata per trattenere al meglio condimenti corposi e saporiti. La superficie ruvida e la struttura compatta la rendono infatti particolarmente adatta ai sughi a base di carne, come quello alla salsiccia che ne ha determinato la fama.

Il condimento più classico prevede salsiccia fresca sgranata, rosolata lentamente in padella insieme a cipolla o scalogno e sfumata con vino bianco. A completare il piatto entra spesso la panna fresca, elemento che contribuisce a creare quella consistenza cremosa diventata una delle cifre distintive della ricetta moderna. Esistono tuttavia numerose varianti locali e familiari: alcune versioni includono pomodoro, altre eliminano completamente la panna per privilegiare un gusto più asciutto e deciso.

La fortuna della gramigna alla salsiccia deriva anche dalla sua capacità di raccontare la cucina emiliana nella sua dimensione più conviviale. È un piatto nato per le tavole domestiche, per i pranzi domenicali e per le trattorie di provincia, luoghi dove la cucina mantiene ancora un forte legame con la tradizione contadina. In Emilia-Romagna, del resto, la cultura gastronomica si è sviluppata storicamente attraverso una straordinaria attenzione alla materia prima e alle lavorazioni artigianali: pasta fresca, salumi, Parmigiano Reggiano e carni suine costituiscono ancora oggi l’ossatura della cucina regionale.

Anche la salsiccia utilizzata nella ricetta riflette questa tradizione. La lavorazione del maiale ha infatti un ruolo centrale nella cultura alimentare emiliana sin dal Medioevo, quando la conservazione delle carni rappresentava una necessità economica e sociale. La salsiccia fresca, speziata in modo equilibrato e caratterizzata da una componente grassa importante, permette di ottenere un sugo intenso ma armonico, perfettamente bilanciato dalla consistenza della pasta.

Negli ultimi anni la gramigna alla salsiccia ha conosciuto una nuova popolarità anche fuori dall’Emilia-Romagna. La crescente attenzione verso la cucina regionale italiana e il successo internazionale della gastronomia emiliana hanno trasformato questo piatto in una presenza stabile nei menu di molte trattorie contemporanee. Parallelamente, chef e ristoratori hanno iniziato a reinterpretarlo con tecniche più leggere o ingredienti selezionati, pur mantenendo intatta la struttura originaria della ricetta.

La forza del piatto sta proprio nella sua apparente semplicità. Pochi ingredienti, tempi di preparazione relativamente rapidi e un equilibrio preciso tra sapidità, cremosità e consistenza. È una cucina che non punta sull’effetto scenografico, ma sulla profondità del gusto e sulla qualità delle lavorazioni. In questo senso la gramigna alla salsiccia continua a rappresentare una delle espressioni più sincere della tradizione gastronomica italiana.

Anche dal punto di vista culturale, il piatto racconta un’Italia legata ai ritmi della tavola condivisa e della cucina fatta in casa. In un’epoca dominata dalla velocità e dalla standardizzazione alimentare, ricette come questa conservano un valore identitario forte, capace di collegare memoria familiare e patrimonio territoriale. Non è un caso che molti visitatori stranieri associno oggi l’Emilia-Romagna proprio a questa idea di autenticità gastronomica, fatta di sapori netti, lavorazioni artigianali e convivialità senza artifici.

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Tra colline modenesi, tradizione contadina e rinascita qualitativa, il Lambrusco Grasparossa continua a essere uno dei vini più identitari della cultura gastronomica emiliana

Profondo nel colore, vivace nella spuma e sorprendentemente versatile a tavola, il Lambrusco Grasparossa di Castelvetro rappresenta oggi una delle espressioni più raffinate del vino emiliano. Un rosso frizzante che ha saputo superare stereotipi e produzioni industriali per tornare protagonista della viticoltura italiana di qualità.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel vasto panorama dei vini italiani, pochi prodotti riescono a mantenere un legame così forte con il territorio d’origine come il Lambrusco Grasparossa di Castelvetro DOC. Prodotto nelle colline della provincia di Modena, soprattutto attorno al comune di Castelvetro di Modena, questo vino rappresenta una delle interpretazioni più intense e strutturate dell’universo Lambrusco, storico simbolo della tradizione enologica emiliana.

La denominazione DOC nasce ufficialmente nel 1970, ma la coltivazione del vitigno Grasparossa ha radici molto più antiche. Il nome deriva dalla particolare colorazione rossastra del raspo durante la maturazione dell’uva, caratteristica che distingue questa varietà dalle altre famiglie di Lambrusco diffuse in Emilia-Romagna. Il territorio collinare modenese, con suoli argillosi e buona escursione termica, contribuisce a conferire al vino maggiore concentrazione aromatica e struttura tannica rispetto ad altre tipologie più leggere e immediate.

Visivamente il Lambrusco Grasparossa si distingue per il colore rubino profondo, spesso attraversato da riflessi violacei, accompagnato da una spuma intensa e persistente. Al naso emergono profumi di mora, ciliegia scura, prugna e piccoli frutti rossi, ai quali si aggiungono frequentemente note floreali di viola e sfumature speziate leggere. In bocca il vino mantiene freschezza e vivacità tipiche del Lambrusco, ma con una componente tannica più marcata che ne aumenta complessità e profondità gustativa.

Per decenni il Lambrusco ha sofferto una percezione internazionale legata soprattutto alla grande distribuzione e ai prodotti industriali esportati negli anni Settanta e Ottanta. Negli ultimi vent’anni, però, molte cantine emiliane hanno avviato un importante percorso di valorizzazione qualitativa, recuperando metodi produttivi più attenti alla materia prima e al territorio. Il Grasparossa di Castelvetro è diventato uno dei protagonisti di questa rinascita, contribuendo a ridefinire l’immagine contemporanea del vino emiliano.

Dal punto di vista produttivo, il vino può essere realizzato con rifermentazione naturale o metodo Martinotti-Charmat, mantenendo comunque quella tipica effervescenza che rappresenta uno degli elementi distintivi della denominazione. Le versioni secche sono oggi le più apprezzate dalla critica e dalla ristorazione contemporanea, grazie alla loro capacità di accompagnare piatti ricchi senza perdere equilibrio e bevibilità.

Il rapporto con la cucina emiliana resta infatti centrale. Il Lambrusco Grasparossa di Castelvetro nasce come vino gastronomico, pensato per dialogare con una tradizione culinaria fatta di sapidità, grassi nobili e intensità di sapore. Salumi, tigelle, gnocco fritto, Parmigiano Reggiano stagionato e pasta fresca trovano in questo vino un alleato naturale. In particolare, l’abbinamento con la gramigna alla salsiccia è considerato uno dei più rappresentativi della cultura gastronomica modenese: l’effervescenza pulisce il palato, mentre acidità e tannino equilibrano la componente grassa del piatto.

Negli ultimi anni il Lambrusco Grasparossa è stato riscoperto anche da una nuova generazione di sommelier e chef, attratti dalla sua capacità di coniugare informalità e qualità tecnica. Sempre più ristoranti di alta cucina inseriscono oggi il Lambrusco nelle carte dei vini, superando antichi pregiudizi che per lungo tempo hanno relegato il prodotto a vino “semplice” o esclusivamente popolare.

Anche il paesaggio contribuisce al fascino della denominazione. Le colline di Castelvetro, caratterizzate da filari ordinati, piccoli borghi medievali e una forte identità agricola, rappresentano ancora oggi uno dei volti più autentici dell’Emilia rurale. Qui il vino continua a essere parte integrante della vita quotidiana e della memoria collettiva locale.

Il Lambrusco Grasparossa di Castelvetro incarna così una doppia natura: da un lato vino profondamente popolare e conviviale, dall’altro espressione sofisticata di una tradizione enologica che ha saputo evolversi senza perdere il proprio carattere originario.

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Un’isola, due sopravvissuti e un equilibrio instabile tra paura e sarcasmo. Con Send Help, Sam Raimi torna a un cinema essenziale, dove il pericolo è concreto e la psiche diventa il vero campo di battaglia.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel panorama cinematografico del 2026, Send Help segna un ritorno significativo per Sam Raimi, autore che ha ridefinito l’horror contemporaneo sin dai tempi de La casa (1981). Il film si inserisce nel filone del survival thriller, ma lo rilegge attraverso una cifra stilistica che mescola tensione, ironia e una sottile componente psicologica. L’operazione richiama, per certi versi, quella capacità di fondere generi e registri già sperimentata dal regista nella trilogia di Evil Dead e nei suoi lavori più mainstream.

La trama è costruita attorno a una situazione archetipica: un disastro aereo lascia due sopravvissuti bloccati su un’isola deserta. Da qui prende forma un racconto che non si limita alla lotta per la sopravvivenza fisica, ma si addentra nei territori più instabili della mente umana. Il rapporto tra i protagonisti diventa il fulcro narrativo, oscillando tra collaborazione e diffidenza, solidarietà e conflitto. Raimi sfrutta questa dinamica per costruire una tensione progressiva, evitando soluzioni facili e privilegiando un ritmo che alterna momenti di quiete apparente a improvvise accelerazioni.

Dal punto di vista stilistico, Send Help sembra recuperare alcuni tratti distintivi del cinema di Raimi: movimenti di macchina nervosi, uso espressivo del suono e una regia che gioca con le aspettative dello spettatore. L’isola non è solo uno spazio fisico, ma un dispositivo narrativo che amplifica l’isolamento e la fragilità dei personaggi. In questo senso, il film si colloca in una tradizione che va da Cast Away (2000) di Robert Zemeckis fino a esperienze più recenti del cinema indipendente, dove la natura diventa specchio delle tensioni interiori.

Un elemento centrale è l’ironia, cifra che Raimi utilizza come contrappunto alla tensione. Non si tratta di alleggerire il racconto, ma di introdurre una dimensione ambigua, in cui il confine tra tragico e grottesco si fa sottile. Questa scelta contribuisce a rendere il film più complesso, evitando la linearità tipica di molti survival contemporanei. Il pubblico è così chiamato a confrontarsi non solo con il pericolo esterno, ma anche con le contraddizioni dei personaggi.

Sul piano produttivo, Send Help si inserisce in un contesto in cui il cinema di genere sta vivendo una fase di rinnovata vitalità. Negli ultimi anni, il thriller e l’horror hanno mostrato una crescente attenzione per le dimensioni psicologiche e sociali, come dimostrano opere di registi quali Ari Aster o Robert Eggers. Raimi, pur appartenendo a una generazione precedente, dimostra di sapersi confrontare con queste evoluzioni, mantenendo però una forte identità autoriale.

Rispetto a opere più simboliche e contemplative come quelle analizzate in altri contesti critici , Send Help sceglie una via più diretta, ma non per questo meno stratificata. Il film non rinuncia a interrogativi profondi: fino a che punto l’uomo è disposto a spingersi per sopravvivere? Qual è il prezzo della fiducia in condizioni estreme? E, soprattutto, quanto è sottile il confine tra civiltà e istinto?

In definitiva, Send Help si presenta come un’opera che coniuga intrattenimento e riflessione, confermando la capacità di Sam Raimi di reinventarsi senza tradire le proprie radici. Un film che, pur partendo da un impianto narrativo essenziale, riesce a costruire un’esperienza coinvolgente e inquieta, capace di dialogare con il pubblico contemporaneo senza rinunciare a una visione autoriale precisa.

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Una commedia sentimentale brillante e sofisticata che unisce ritmo narrativo, ironia e ambientazione iconica. Felicia Kingsley torna con una storia che esplora il desiderio di cambiamento e la complessità dei sentimenti contemporanei.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel panorama della narrativa rosa contemporanea, Felicia Kingsley si conferma una delle voci più riconoscibili e apprezzate dal pubblico italiano. Con Mezzanotte a Parigi, l’autrice costruisce un romanzo che combina leggerezza e introspezione, inserendosi nella tradizione della commedia romantica ma con uno sguardo attento alle fragilità emotive e alle dinamiche relazionali del presente.

Il libro si sviluppa attorno a una protagonista che approda a Parigi inseguendo un cambiamento – professionale e personale – che si rivelerà più complesso del previsto. La capitale francese diventa così non solo sfondo, ma vero e proprio motore narrativo: boulevard, bistrot e scorci urbani contribuiscono a creare un’atmosfera sospesa tra realtà e immaginario, in cui ogni incontro può trasformarsi in occasione di svolta. In questo senso, Kingsley si inserisce in una lunga tradizione letteraria e cinematografica che ha eletto Parigi a luogo simbolico dell’amore e della reinvenzione, da Hemingway fino a certa commedia contemporanea.

La struttura narrativa è fluida e dinamica, costruita su dialoghi serrati e situazioni che alternano momenti di ironia a passaggi più riflessivi. L’autrice dimostra una particolare abilità nel delineare personaggi credibili, spesso attraversati da contraddizioni che li rendono vicini al lettore. Le relazioni sentimentali, al centro del racconto, non sono mai ridotte a schemi semplicistici: emergono invece come territori complessi, segnati da aspettative, paure e desideri di autenticità.

Uno degli elementi distintivi del romanzo è l’equilibrio tra evasione e realismo. Se da un lato Mezzanotte a Parigi offre al lettore un’esperienza immersiva e piacevole – fatta di atmosfere eleganti e situazioni romantiche – dall’altro non rinuncia a interrogarsi su temi più profondi, come la ricerca di sé, il valore delle scelte e il peso delle illusioni. Il titolo stesso evoca una dimensione sospesa, quasi magica, che richiama l’idea di un momento di passaggio, in cui tutto può ancora accadere.

Dal punto di vista editoriale, il romanzo si colloca all’interno di un mercato in forte crescita, quello del romance contemporaneo, che negli ultimi anni ha saputo rinnovarsi anche grazie a una maggiore attenzione alla qualità della scrittura e alla costruzione dei personaggi. Kingsley, in questo contesto, rappresenta un caso emblematico: i suoi libri, tradotti anche all’estero, testimoniano la capacità di coniugare intrattenimento e cura stilistica.

Rispetto ad approcci più simbolici e contemplativi presenti in altre narrazioni contemporanee , Mezzanotte a Parigi sceglie una via più accessibile, ma non per questo superficiale. Il romanzo punta infatti su una narrazione coinvolgente, capace di mantenere alta l’attenzione senza rinunciare a una certa profondità emotiva.

In definitiva, Mezzanotte a Parigi è un’opera che conferma la maturità narrativa di Felicia Kingsley e la sua capacità di parlare a un pubblico ampio, senza perdere in eleganza e precisione. Un libro che si legge con piacere, ma che lascia anche spazio a una riflessione più ampia sul senso delle relazioni e sul desiderio, sempre attuale, di reinventarsi.

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Un luogo simbolo della vita intellettuale europea, dove scrittori, filosofi e rivoluzionari hanno trasformato il caffè in un laboratorio di idee. Il Café Procope è molto più di uno spazio storico: è una memoria viva del pensiero occidentale.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel cuore del Quartiere Latino di Parigi, a pochi passi da Saint-Germain-des-Prés, il Café Procope rappresenta uno dei luoghi più emblematici della storia culturale europea. Fondato nel 1686 dall’imprenditore siciliano Francesco Procopio dei Coltelli, è considerato il più antico caffè della capitale francese e uno dei primi veri caffè letterari del continente. La sua nascita coincide con un momento cruciale: l’affermazione del caffè come bevanda sociale e intellettuale, destinata a sostituire progressivamente le taverne come luogo di incontro per scrittori e pensatori.

Già tra XVII e XVIII secolo, il Procope diventa un punto di riferimento per l’élite culturale parigina. Qui si riuniscono figure centrali dell’Illuminismo come Voltaire, Denis Diderot e Jean-Jacques Rousseau, trasformando il locale in una sorta di estensione informale dell’Accademia. Non è solo un luogo di conversazione, ma un laboratorio di idee in cui si discutono filosofia, politica e scienza. Come emerge dalle testimonianze storiche, il caffè contribuisce alla diffusione di una nuova socialità intellettuale, favorita anche dalla circolazione crescente di libri e testi grazie allo sviluppo della stampa .

Un elemento distintivo del Procope è la sua capacità di adattarsi ai cambiamenti storici senza perdere la propria identità. Durante la Rivoluzione francese, il locale si trasforma in un club politico, frequentato da figure radicali come Jacques-René Hébert. Le discussioni si fanno più accese, il clima si carica di tensione: non si parla più solo di letteratura, ma di libertà, riforme e ghigliottina. È il segno di una trasformazione profonda, che vede il caffè diventare spazio attivo della vita pubblica.

Con il ritorno di periodi più stabili, il Procope ritrova la sua vocazione letteraria. Nell’Ottocento e oltre, continua a essere frequentato da scrittori e intellettuali, tra cui Alfred de Musset e George Sand. Le sue sale conservano ritratti e memorie di epoche diverse, testimoniando una continuità rara nel panorama europeo. Il locale mantiene anche una dimensione più quotidiana e curiosa: clienti abituali, studiosi eccentrici, figure della vita accademica contribuiscono a creare un microcosmo vivace e stratificato.

La storia del Café Procope è anche quella di una trasformazione urbana e sociale. Nato in un’epoca in cui gli uomini di lettere si riunivano ancora in cabaret e taverne – seguendo una tradizione che risale ai poeti medievali – il caffè introduce un nuovo modello di spazio pubblico, più raffinato e orientato allo scambio intellettuale. Questo passaggio segna l’inizio di una modernità culturale che troverà nei caffè europei uno dei suoi simboli più duraturi.

Oggi il Procope è al tempo stesso ristorante, luogo storico e attrazione culturale. La sua importanza non risiede soltanto nell’antichità, ma nella capacità di incarnare un’idea di cultura come dialogo continuo tra individui. In un’epoca dominata dalla comunicazione digitale, il suo esempio invita a riscoprire il valore della conversazione diretta, del confronto e della presenza fisica.

In definitiva, il Café Procope non è solo un monumento della memoria parigina, ma un nodo fondamentale nella storia della cultura occidentale. Un luogo in cui il pensiero ha preso forma tra una tazza di caffè e una discussione accesa, contribuendo a costruire quell’eredità intellettuale che ancora oggi definisce l’Europa.

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Nel mondo dell’alta ristorazione, il dettaglio fa la differenza. Il tovagliato non è più semplice complemento, ma elemento identitario che unisce estetica, funzionalità e cultura manifatturiera.

A cura di Elena Conti
Caporedattrice – Experiences – Sezione Entasis Caffè

Nel linguaggio dell’ospitalità contemporanea, il tovagliato ha smesso da tempo di essere un elemento neutro. Oggi rappresenta una componente fondamentale dell’esperienza gastronomica, capace di dialogare con l’architettura degli spazi, la mise en place e la filosofia dello chef. Parlare di tovagliato di alto livello significa entrare in un universo fatto di texture, peso, resa visiva e sensoriale – un equilibrio sottile tra tecnica e percezione.

Al centro di questa evoluzione si colloca il ritorno ai materiali nobili, primo fra tutti il lino. Fibra naturale tra le più antiche utilizzate dall’uomo, il lino è apprezzato per la sua resistenza, la capacità di assorbimento e la particolare mano – liscia, fresca, quasi setosa – che lo rende ideale per contesti di alta ristorazione. Non è un caso che molti ristoranti stellati scelgano proprio questa materia per definire l’identità della propria tavola, puntando su una qualità che si percepisce al tatto prima ancora che alla vista.

In questo scenario si distingue la realtà italiana di Rivolta Carmignani, azienda storica che ha saputo trasformare il tessile per la tavola in un prodotto di eccellenza. Fondata nel cuore della tradizione manifatturiera lombarda, l’impresa è oggi punto di riferimento internazionale per hotel di lusso e ristoranti di alta gamma. Il suo lino è riconosciuto per una lavorazione che unisce innovazione tecnologica e savoir-faire artigianale, garantendo durabilità e una resa estetica impeccabile anche dopo numerosi cicli di lavaggio.

La qualità del tovagliato si misura infatti anche nella sua capacità di resistere all’uso intensivo senza perdere eleganza. Il peso del tessuto, la densità della trama e la precisione delle rifiniture – orli, cuciture, angoli – diventano parametri fondamentali. È qui che il design incontra la tecnica: un buon tovagliato non deve solo apparire raffinato, ma deve comportarsi in modo coerente con le esigenze operative della ristorazione professionale.

Negli ultimi anni, si è assistito a una progressiva ridefinizione dell’estetica della tavola. Se un tempo dominavano il bianco assoluto e la formalità classica, oggi si affermano palette più articolate, texture visibili e accostamenti materici. Il tovagliato diventa così parte integrante della narrazione del luogo, contribuendo a creare atmosfere che spaziano dal minimalismo contemporaneo a interpretazioni più calde e materiche.

Questa trasformazione riflette un cambiamento più ampio nel modo di intendere il lusso. Non più ostentazione, ma qualità percepita, coerenza e attenzione al dettaglio. In questo senso, il tovagliato si avvicina ad altri ambiti del design dove la materia e la lavorazione diventano centrali – dalla moda all’arredo – in un dialogo continuo tra tradizione e innovazione.

Rispetto ad approcci più simbolici e astratti presenti in altri contesti culturali , il mondo del tessile per la tavola mantiene una dimensione concreta, tangibile, profondamente legata all’esperienza quotidiana. E proprio in questa concretezza risiede la sua forza: nella capacità di trasformare un gesto semplice, come sedersi a tavola, in un’esperienza estetica completa.

In definitiva, il tovagliato di alto livello rappresenta una sintesi perfetta tra artigianato e design, funzione ed emozione. Un elemento silenzioso ma decisivo, che contribuisce a definire l’identità di uno spazio e la memoria di chi lo vive.

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