Nel panorama dei cocktail classici, nessun altro riesce a evocare con tanta forza l’eleganza senza tempo, la raffinatezza e l’immaginario cinematografico quanto il Martini. Dietro la trasparenza tagliente del drink e la silhouette impeccabile del bicchiere, si cela una storia ricca di intrecci tra scienza, medicina, costume e design. Un racconto che attraversa secoli, nazioni e stili di vita, fino a condensarsi in un gesto: il tintinnio sottile di un calice triangolare, impugnato con due dita, tra un brindisi e una battuta di spirito.

L’identità alcolica del Martini affonda le radici nel XVII secolo, quando un professore olandese di medicina, Francois de Boe Sylvius, mise a punto una miscela di alcol di cereali e bacche di ginepro per curare i disturbi renali e purificare il sangue. Era il genever, precursore del moderno gin. Il successo fu immediato: la bevanda non solo era economica e facilmente producibile, ma suscitava un’euforia piacevole. Il suo consumo si diffuse ben oltre le intenzioni terapeutiche, diventando parte integrante della cultura del bere in Europa.

Il secondo ingrediente del Martini, il vermouth, nasce in Italia nel Settecento come infuso di vino bianco, spezie ed erbe medicinali. Il nome stesso – vermouth – deriva dal tedesco wermut, cioè assenzio, pianta utilizzata per combattere i parassiti intestinali. A lungo, il vermouth fu consumato come digestivo, in alternativa all’acqua potabile spesso contaminata. Le prime versioni erano scure, dolci, ricche di aromi: l’attuale formulazione, più secca e chiara, si sarebbe affermata solo nel corso del Novecento.

Il matrimonio tra gin e vermouth diede vita al Martini, un cocktail il cui nome stesso è oggetto di innumerevoli leggende. C’è chi lo attribuisce a Jerry Thomas, pioniere della mixology americana, che avrebbe creato un Martinez per un cercatore d’oro diretto a Martinez, in California. C’è chi indica invece un barista del Knickerbocker Hotel di New York, Martini di Arma di Taggia, che lo avrebbe servito nel 1911 a John D. Rockefeller. C’è infine chi riconduce il nome alla ditta italiana Martini & Rossi, che già nel 1871 esportava il suo vermouth negli Stati Uniti. Tutte ipotesi plausibili, nessuna definitiva.

Se il Martini è diventato una leggenda, è anche grazie al suo contenitore. Il bicchiere da Martini – trasparente, affilato, essenziale – è una delle forme più iconiche del design del Novecento. La sua comparsa ufficiale risale agli anni Venti, in un periodo in cui il gusto estetico si andava rapidamente evolvendo verso linee pulite, minimaliste, geometriche.

Alla base del successo di questo oggetto c’è una precisa esigenza funzionale: i cocktail come il Martini vanno serviti freddi, senza ghiaccio. Lo stelo lungo consente quindi di tenere il bicchiere senza riscaldare il contenuto con il calore della mano. La coppa ampia, che si apre in un angolo netto, avvicina la superficie del liquido al naso, favorendo la percezione degli aromi, soprattutto quelli del gin. I lati inclinati impediscono la separazione dei componenti del drink e sostengono con grazia le classiche guarnizioni: un’oliva verde, una scorza di limone, o uno spiedino da cocktail.

Dal punto di vista estetico, il bicchiere da Martini rappresenta l’incarnazione del modernismo applicato agli oggetti quotidiani. Non a caso, fu formalmente introdotto all’Esposizione di Parigi del 1925 come rielaborazione modernista della coppa da champagne, allora simbolo di raffinatezza e mondanità. La forma, derivata dall’Art Deco, rifletteva le tendenze dell’epoca anche nell’architettura e nell’arredamento: linee spezzate, angoli decisi, funzionalismo elegante.

Esistono versioni più pittoresche sulla nascita del bicchiere, come quella che lo vuole ideato durante il proibizionismo americano per consentire di svuotare velocemente il contenuto in caso di raid della polizia nei bar clandestini. Se pure apocrifa, questa storia contribuisce al fascino misterioso che circonda l’oggetto.

Negli anni Trenta, il bicchiere da Martini si impose nella cultura visiva occidentale. Appariva nei film, sulle riviste patinate, nei salotti dell’alta società tra New York e Hollywood. Con la diffusione dei servizi da cocktail per uso domestico, diventò accessibile anche al ceto medio, incarnando il sogno di una sofisticazione a portata di mano. Gli shaker in acciaio lucido, i cucchiai curvi, i colini, le pinze per olive: tutto contribuiva a creare un immaginario fatto di glamour, ritmo jazz e conversazioni scintillanti.

Attrici come Katharine Hepburn, nei film quanto nella vita reale, seppero farne un accessorio di stile. Il Martini – e con lui il suo bicchiere – entrò nel linguaggio del cinema, diventando emblema di personaggi affascinanti, indipendenti, sofisticati. Divenne il drink preferito di James Bond (“shaken, not stirred”), il protagonista di brunch letterari e il compagno immancabile nei pomeriggi oziosi delle commedie sofisticate.

Oggi, il bicchiere da Martini non ha subito modifiche sostanziali. La sua silhouette è rimasta intatta, riverita da designer, illustratori, registi. Ogni tentativo di aggiornarla si è scontrato con la perfezione di una forma ormai archetipica, capace di coniugare bellezza e funzionalità in un equilibrio che sfida il tempo.

Il Martini non è soltanto un cocktail: è un’icona culturale. È il distillato di una lunga tradizione che unisce l’arte della miscelazione alla storia del design. È un gesto, uno stile, un’immagine sedimentata nell’immaginario collettivo. Ed è soprattutto una prova di come, nella semplicità apparente di un bicchiere e due ingredienti, possa vivere una complessità fatta di storie, invenzioni, influenze e aspirazioni. Una complessità che, proprio come un buon Martini, va gustata lentamente.

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Tra le molte sfumature che hanno colorato la storia dell’arte, poche portano con sé il peso culturale, politico ed estetico del cosiddetto “rosa Pompadour”. A lungo rimasta un enigma nelle botteghe e negli archivi, la composizione chimica di questa tonalità raffinata e inconfondibile è stata recentemente svelata grazie a un’indagine scientifica condotta in occasione della mostra “Boucher e Fragonard alla corte del re”, ospitata fino al 25 maggio 2025 presso la Casa Museo Fondazione Paolo e Carolina Zani, a Cellatica, Brescia.

Il risultato è una scoperta che, seppur tecnica nei presupposti, getta nuova luce su un’intera estetica settecentesca e su una delle figure più influenti dell’Ancien Régime: Madame de Pompadour.

Nato dalla volontà di esaltare il fascino e l’eleganza di Jeanne-Antoinette Poisson – meglio conosciuta come Madame de Pompadour –, il rosa Pompadour non fu soltanto una moda cromatica, ma un autentico simbolo di gusto, stile e influenza culturale. La favorita ufficiale di Luigi XV fu molto più di una figura decorativa della corte: donna colta, stratega politica, mecenate appassionata delle arti, contribuì in modo decisivo all’affermazione del rococò francese.

Tra i molti artisti da lei sostenuti, il più celebre fu François Boucher, che divenne primo pittore del re nel 1765. Fu lui a dare forma pittorica all’estetica Pompadour, prediligendo nei suoi dipinti una gamma di colori morbidi e sensuali, tra cui spiccava una tonalità di rosa pallido, vibrante e cangiante. Questo colore, codificato ufficialmente nel 1757 presso le manifatture di porcellana di Sèvres grazie al chimico Jean Hellot, divenne subito riconoscibile e ricercato, sia nell’arte che nell’arredo, nella moda e nella decorazione.

Una formula svelata tra arte e scienza

La composizione del rosa Pompadour è stata finalmente chiarita attraverso sofisticate indagini diagnostiche condotte da Gianluca Poldi dell’Università di Udine, nell’ambito della mostra organizzata dalla Fondazione Zani. I risultati, presentati nel corso di un incontro intitolato “In leggerezza. Come dipinge Boucher alla luce delle analisi scientifiche”, hanno rivelato una formula sorprendentemente articolata.

Per ottenere quella sfumatura morbida, carnosa e luminosa – così cara alla ritrattistica di Venere, di putti e amorini, e ovviamente della stessa Pompadour – veniva impiegata una miscela di bianco di piombo, vermiglione finemente macinato (ottenuto dal cinabro), lacca carminio estratta dalla cocciniglia e un tocco di pigmento giallo. Una composizione studiata non solo per rendere la tinta più espressiva, ma anche per ottenere variazioni tonali capaci di evocare la fragilità dei petali di rosa e l’incarnato idealizzato della femminilità settecentesca.

La preparazione dei colori, all’epoca, era un procedimento interamente artigianale, affidato a mani esperte all’interno delle botteghe. Nulla era lasciato al caso: ogni materiale veniva selezionato per la sua resa cromatica, la sua stabilità, la sua capacità di assorbire o riflettere la luce. Il rosa Pompadour ne è esempio perfetto: un tono che riesce a fondere la grazia naturale con l’artificio della corte.

Il contesto di questa scoperta non è secondario. La mostra “Boucher e Fragonard. Alla corte del re” è un viaggio immersivo nella cultura visiva della Francia di Luigi XV, attraverso opere provenienti da una delle più importanti collezioni d’arte barocca in Italia. La Casa Museo Fondazione Zani ospita oltre 1.200 opere, tra dipinti, arredi e sculture, che testimoniano lo splendore e la teatralità della vita di corte.

Tra le opere esposte spicca L’Allegoria della Terra, dipinta da Boucher nel 1741 per il castello di Choisy, parte di una serie dedicata ai quattro elementi, commissionata dallo stesso re. Il destino delle altre tre tele – Acqua, Fuoco e Aria – è tuttora ignoto, aggiungendo un alone di mistero al percorso espositivo.

Altro capolavoro in mostra è Venere nella fucina di Vulcano, la più grande opera di Boucher conservata in Italia, dove il dinamismo barocco e la sensualità mitologica trovano un equilibrio visivo di rara potenza. Il dipinto anticipa la versione custodita oggi al Louvre, e costituisce uno dei vertici della produzione dell’artista.

Accanto ai dipinti, il percorso si arricchisce di oggetti d’arte che rafforzano il legame con Madame de Pompadour. Emblematici i due cigni dorati che ornavano la sua toilette all’Hôtel d’Évreux, oggi sede del palazzo dell’Eliseo. Realizzati nel 1755 su disegno di Lazare Duvaux, questi pezzi testimoniano l’attenzione maniacale al dettaglio che permeava ogni aspetto dell’estetica di corte.

Fragonard e la leggerezza narrativa del rococò

Se Boucher rappresenta l’eleganza codificata del potere, Jean Honoré Fragonard incarna il lato più malizioso, narrativo e borghese del rococò. Allievo del maestro, ne proseguì e rinnovò la lezione con una pennellata più sciolta e un gusto marcato per il racconto erotico e aneddotico.

In mostra è esposta Annette a vent’anni, un dipinto appartenuto al visconte Adolphe du Barry, nipote dell’ultima favorita del re, Madame du Barry. L’opera si ispira a un racconto morale dell’illuminista Marmontel, fondendo letteratura e pittura in una scena intima e rivelatrice, emblema dell’universo galante che Fragonard seppe illustrare come pochi.

La rivelazione della formula del rosa Pompadour non è soltanto un dettaglio tecnico, ma un tassello prezioso per comprendere l’universo visivo del Settecento francese. In quel secolo dominato dalla teatralità, dalla grazia e dall’invenzione, ogni elemento era carico di significati. Il colore, in particolare, diventava uno strumento di rappresentazione del potere, della seduzione, della cultura.

Madame de Pompadour riuscì a trasformare un semplice tono cromatico in un segno distintivo del suo stile, tanto da farlo codificare nelle manifatture reali, impiegarlo nei ritratti ufficiali, negli arredi, nella porcellana. Con l’aiuto di artisti come Boucher e Fragonard, rese quel rosa simbolo di un’epoca – tanto lieve nella superficie quanto sofisticata nella sostanza.

A secoli di distanza, il rosa Pompadour continua a parlare. E oggi, grazie alla scienza e all’arte, possiamo ascoltarlo con rinnovata consapevolezza.

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit, sed do eiusmod tempor incididunt ut labore et dolore magna aliqua. Ut enim ad minim veniam, quis nostrud exercitation ullamco laboris nisi ut aliquip ex ea commodo consequat. Duis aute irure dolor in reprehenderit in voluptate velit esse cillum dolore eu fugiat nulla pariatur. Excepteur sint occaecat cupidatat non proident, sunt in culpa qui officia deserunt mollit anim id est laborum.

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Il MIC Museo Internazionale delle Ceramiche in Faenza continua il suo programma di valorizzazione delle personalità e delle grandi manifatture che hanno contribuito al Made in Italy ceramico. Dopo Lenci e Chini, è il turno di Gio Ponti.

Gio Ponti è stato uno dei principali promotori del Made in Italy fin dagli anni Venti, quando, come direttore artistico della Richard Ginori, ha avviato un rinnovamento della produzione. La mostra “Gio Ponti. Ceramiche 1922-1967”, curata da Stefania Cretella e ospitata al MIC Faenza che si concluderà il 13 ottobre 2024, celebra la figura di questo architetto, designer e intellettuale, punto di riferimento per la creazione di uno stile italiano nelle arti decorative.

Durante la sua lunga carriera, oltre alla Richard Ginori, Ponti ha collaborato con diverse realtà ceramiche italiane, tra cui la Cooperativa Ceramiche di Imola, Pietro Melandri e il contesto faentino (notevoli le cartepeste realizzate con i Dalmonte), le Ceramiche Pozzi, Joo e Gabbianelli. Queste collaborazioni hanno dato vita a progetti unici e straordinariamente attuali. Ponti è stato al centro del dibattito culturale italiano e della definizione del razionalismo italiano, collaborando con critici come Ugo Ojetti ed Edoardo Persico, e lavorando con Luigi Fontana e Giovanni Gariboldi, suo successore alla Richard Ginori.

Ponti è stato anche protagonista delle Biennali di Monza, dove ha presentato le novità introdotte nel repertorio della Richard-Ginori e i risultati delle sue sperimentazioni, condivise con altri architetti milanesi coinvolti nei progetti del Labirinto e della Domus Nova per La Rinascente a Milano.

Le esposizioni sono state una costante nella carriera di Ponti, che ha partecipato attivamente con i suoi progetti e come membro dei comitati organizzatori. Ha collaborato con le Triennali di Milano ed è stato protagonista di eventi come “Italy at Work. Her Renaissance in Design Today”, una mostra itinerante negli Stati Uniti tra il 1950 e il 1951, e “Italia ’61”, organizzata a Torino per celebrare il centenario dell’Unità d’Italia.

Ponti ha fondato due riviste fondamentali per il design e l’alto artigianato artistico, Domus e Stile, che hanno promosso le arti destinate all’arredo domestico e diffuso il linguaggio moderno. Queste idee hanno trovato coronamento nella progettazione e costruzione del Grattacielo Pirelli a Milano (1956-60), capolavoro del razionalismo italiano e simbolo della modernità nel dopoguerra in Italia.

Il film “Amare Gio Ponti”, diretto da Francesca Molteni e prodotto da Muse Factory of Projects in collaborazione con Gio Ponti Archives e promosso da Molteni&C, documenta il ricco e vario percorso dell’illustre architetto.

A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini.
Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore). Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.

Due belle signore in Conversazione al caffè, opera di Giovanni Boldini (Ferrara 1842 – Parigi 1931), pittore che, come pochi, seppe rappresentare la Belle Époque. All’interno del caffè si scorge un gruppo composto da due uomini e una donna. Entrambe le donne, protagoniste del dipinto, sono le uniche persone sedute ai tavolini all’aperto del caffè parigino. A destra è Berthè, la bionda, una giovane timida e riservata che fu la sua prima modella francese, con la quale condivise alloggio, pittura e sentimento. A sinistra l’irruente e disinibita contessa Gabrielle de Rasty, la bruna, la quale lo introdusse nel bel mondo salottiero e con la quale intrecciò una focosa relazione. Gabrielle domina la conversazione e sprigiona uno sguardo che incuriosisce e affascina l’osservatore; Berthè, al contrario, finge disinteresse e, cedendo a un apparente disagio, volge lo sguardo alla sua sinistra, fissando qualcosa fuori campo (per dirla con un linguaggio cinematografico) così da non ascoltare ciò che non vorrebbe udire.

Boldini era noto per la sua capacità di catturare l’essenza della Belle Époque parigina, e questo dipinto ne è un esempio perfetto. «Le donne di Boldini sono nature flessuose e disinibite che mostrano senza reticenza un modello di bellezza erudito e, spogliandosi, affermano la loro autodeterminazione di individui maturi e emancipati, pienamente consapevoli della propria femminilità» (Tiziano Panconi).

Nonostante Boldini non fosse eccessivamente prestante (alto appena un metro e cinquantaquattro) aveva un successo straordinario con le donne. Ma aveva anche amici influenti come il conte Robert de Montesquieu, un dandy che Marcel Proust rappresenterà nella “Recherche” sotto il nome del barone de Charlus de Alla, il «Genio» più alto dell’aristocrazia e dello «spirito Guermantes». Boldini si farà apprezzare nei salotti bene come ritrattista alla moda, soprattutto di belle signore, per la sua tavolozza romantica, con un tocco macchiaiolo che anticipa l’arte impressionista. Noi lo ammiriamo in questa Conversazione al caffè, dove riesce a ritrarre in compagnia due delle sue innumerevoli amiche, nell’atmosfera di una invernale, ma non piovosa, giornata parigina.

LEGGI ANCHE: Berthè la musa indimenticabile di Giovanni Boldini (Da Tiziano Panconi, Boldini Mon Amour, Pacini Editore, Pisa, 2008).

Un romanzo da leggere assolutamente è quello  di Francesca Giannone ambientato nel Sud d’Italia. Ci stiamo riferendo a “Domani, domani” di Francesca Giannone . È il suo secondo libro dopo l’acclamato romanzo d’esordio “La portalettere”.

“Domani, domani” riporta i lettori nel Salento degli anni ’50, questa volta seguendo le vicende di Lorenzo e Agnese, fratello e sorella che si ritrovano ad affrontare la vendita dell’amato saponificio di famiglia. Lorenzo e Agnese hanno sempre vissuto all’ombra del saponificio di famiglia, un’eredità che il padre ha gestito con dedizione per anni. Tuttavia, i tempi cambiano e l’azienda inizia a vacillare. Con il cuore pesante, il padre decide di vendere l’attività, lasciando i due fratelli ad affrontare un futuro incerto. Mentre Lorenzo cerca di adattarsi alla nuova realtà, Agnese si aggrappa ai ricordi del passato e fatica ad accettare la perdita. Entrambi dovranno fare i conti con i propri sogni e desideri, imparando a trovare la forza dentro di sé per andare avanti.

Come nel suo precedente romanzo, Giannone intesse una storia ricca di intrighi familiari, colpi di scena e descrizioni evocative della sua terra d’origine, il Salento. I temi esplorati includono la perdita, la speranza, l’amore e la forza dei legami familiari.

Domani, domani è stato accolto con recensioni positive dalla critica, che ha elogiato la scrittura di Giannone, la sua capacità di delineare personaggi complessi e la sua rappresentazione autentica del Salento.

Ecco il link dove trovare maggiori informazioni sul romanzo:
Editrice Nord: https://www.editricenord.it/autore/francesca-giannone.html

Da venerdì 26 luglio 2024 a domenica 11 agosto 2024, in quest’arco di tempo si celebreranno i Giochi della XXXIII Olimpiade, noti sulla stampa internazionale come “Parigi 2024”, a 100 anni esatti dall’ultima volta che la città ha ospitato l’evento. Dal punto di vista organizzativo saranno ospitati circa 10.500 atleti provenienti da oltre 206 paesi. Questo significa che una delle novità più entusiasmanti è che il team culinario del villaggio preparerà ben 40.000 pasti al giorno per gli atleti, con un menu che include 500 ricette da tutto il mondo. Quattro saranno i temi gastronomici prescelti: francese, asiatico, mondiale e afro-caraibico.

Tutto ciò si svolgerà all’interno del Villaggio Olimpico di Parigi 2024, progettato per essere un esempio di sostenibilità, con edifici a basso impatto ambientale e numerose iniziative ecologiche. Proviamo a scorrere velocemente alcuni dei punti salienti:

1. Edifici a basso impatto ambientale: Gli edifici del villaggio hanno una impronta di carbonio inferiore del 30% rispetto ai progetti di costruzione moderni. Sono progettati per adattarsi ai cambiamenti di temperatura, utilizzando un sistema di raffreddamento a base d’acqua e riscaldamento da una rete geotermica.
2. Energia rinnovabile: Il villaggio utilizzerà energia geotermica e solare per ridurre l’impatto ambientale. Inoltre, sarà implementata una politica di zero rifiuti e una flotta di veicoli a zero emissioni sarà operativa durante i Giochi.
3. Economia circolare: Il progetto segue i principi dell’economia circolare, minimizzando la costruzione di nuove infrastrutture e utilizzando edifici esistenti o temporanei.
4. Alimentazione sostenibile: Saranno offerti pasti a base vegetale per ridurre l’impatto ambientale del cibo.

Questi sforzi mirano a creare un modello di Giochi Olimpici più sostenibile e responsabile, lasciando un’eredità positiva per le future generazioni. Oltre ad essere un luogo di riposo e allenamento per gli atleti, il Villaggio sarà un vero e proprio hub di socializzazione e svago. Al suo interno, infatti, troveranno spazio anche Centri di intrattenimento con cinema, sale giochi e spazi per eventi culturali. Non mancheranno Strutture per il tempo libero come campi sportivi, piscine e aree verdi per relax e socializzazione, come non mancheranno neppure Servizi medici quali ambulatori e centri di fisioterapia per garantire la salute e il benessere degli atleti.

A conclusione dei Giochi, il Villaggio Olimpico si trasformerà in un quartiere ecosostenibile a disposizione della comunità locale. Gli alloggi saranno convertiti in 3500 appartamenti residenziali, mentre le strutture sportive e i centri commerciali diventeranno punti di riferimento per il tempo libero e i servizi del quartiere.

Ne risulterà un quartiere nel quale circa l’80% degli edifici è stato costruito con materiali riciclati o provenienti da filiere locali, a dimostrazione di un impegno concreto verso un futuro più verde. L’attenzione all’ambiente si traduce anche nell’utilizzo di energia rinnovabile, grazie all’installazione di pannelli solari che coprono il 30% del fabbisogno energetico del villaggio.

Il Villaggio Olimpico di Parigi 2024 rappresenta un esempio tangibile di come i grandi eventi sportivi possano coniugare eccellenza competitiva, sostenibilità ambientale e inclusione sociale. Un modello da seguire per future edizioni dei Giochi e per lo sviluppo urbano in generale.

Di seguito alcuni siti web sulle tematiche di riferimento:

1. Paris 2024: High ambitions for lower-carbon Games – Olympics.com
2. Eco-Friendly Paris Olympics Initiatives: Sustainable Efforts for a …
3. Paris 2024, the eco-friendly Olympics – Ville de Paris
4. Our Legacy and Sustainability plan – Paris 2024 – Olympics.com
5. Sustainability and Legacy Report – Paris 2024 – Olympics.com

Sito ufficiale di Parigi 2024: https://olympics.com/it/paris-2024